Comic-Style in Photoshop: Das Cartoon-Training Vol. 1

In diesem Kapitel vermittle ich euch, welche Vorkehrungen ich beim Erstellen des Ausgangsmaterials getroffen habe. Ihr erhaltet einen Einblick in eine meiner Photoshop-Dateien und ich führe euch in die Raw-Entwicklung ein.

Im Video begrüße ich euch und erzähle, wie ich zu meinem Comic-Style kam. Außerdem gebe ich einen Einblick ins Training.

Hier gebe ich einen kurzen Einblick in den fotografischen Part und zeige, wie die Bilder vor der Retusche aussahen. Ich erkläre, welche Grundvoraussetzungen die Bilder erfüllen sollten, damit der Comic-Style perfekt umgesetzt werden kann, und gebe euch hilfreiche Tipps, worauf man beim Shooting achten sollte.

In diesem Video gebe ich euch einen Einblick in meine finale Photoshop-Datei eines meiner Comic-Style-Bilder. Ich zeige, welche Schritte mich zum finalen Bild gebracht haben und veranschauliche somit den Inhalt des Trainings.

Die ersten Schritte der Bildbearbeitung beginnen in Camera Raw. Hierzu erläutere ich detailliert meinen Workflow und warum ich welche Regler bewege.

Im zweiten Kapitel nehme ich Haltungskorrekturen am Model vor und erstelle mithilfe von Montagen eine Grundlage für meinen typischen Comic-Look. Außerdem erhaltet ihr Tipps zur Bildgestaltung und erfahrt, wie ihr einen Bildausschnitt erstellt, ohne diesen gleich festzulegen.

Im Video erkläre ich, wie man eine ungünstig positionierte Hand mithilfe einer Maske austauscht. Diese Methode lässt sich auch auf andere Teile des Bildes übertragen.

In diesem Video zeige ich, wie man eine Photoshop-Datei für die spätere Bearbeitung im Comic-Style anpassen kann. Da viel Platz benötigt wird, zeige ich, wie man die Arbeitsfläche mit einfachen Schritten vergrößert.

In diesem Video führe ich die ersten Schritte durch, die ein Model zur Comicfigur werden lassen. Ich zeige meine Methode, den Kopf einer Figur zu vergrößern und somit den lustigen Look des Bildes zu verstärken.

Ebenso wichtig für das karikaturartige Aussehen der Figuren sind ihre vergrößerten Augen. In diesem Video werden hierfür verschiedene Möglichkeiten aufgezeigt.

Bei Brillenträgern sollte man den Effekt der vergrößerten Augen besonders hervorheben. Auch hierfür habe ich einige Tipps.

In diesem Video erhaltet ihr Tipps, um einen flexiblen Bildausschnitt zu erstellen. Normalerweise nutzt man hierfür das Freistellungswerkzeug, doch ich habe eine tolle Methode gefunden, mit der ihr den Ausschnitt jederzeit ohne Probleme verändern könnt.

In diesem Abschnitt bekommt ihr einen detaillierten Einblick in meine Vorgehensweise, um eine perfekt geformte Comicfigur zu erhalten. Ich zeige euch meine besten Techniken zum Thema Verflüssigen und Verformen in Photoshop.

Im Video beschreibe ich eine meiner Vorgehensweisen beim Verflüssigen von Personen. Hierbei verdeutliche ich, wie wichtig es ist, mit Smartobjekten zu arbeiten, um die Einstellungen jederzeit wieder rekonstruieren zu können.

Ich zeige euch eine weitere Vorgehensweise beim Verflüssigen, die ich häufig nutze. Bei dieser Methode ist es wichtig, die Partien, die nicht bewegt werden sollen, schon im Verflüssigen-Dialog zu fixieren.

Hier erfahrt ihr, wie ich vorgehe, um die Körperform einer Person zu verändern. Für mich ist es besonders wichtig, dass meine Figuren sehr große Hände und einen schmalen Körper bekommen.

Hier seht ihr, wie und warum ich die Konturen meiner Figuren glätte. Mit dieser Technik bringe ich den Comic-Look in meinen Bildern besonders gut zum Tragen.

Ich erkläre meinen Workflow zum Verflüssigen von Gesichtern. Ihr erfahrt, wie ich die Mimik meiner Figuren verändere bzw. verstärke und welche Methoden dafür am wirkungsvollsten sind.

Nachdem das Gesicht verflüssigt wurde, verforme ich den Kopf des Models, sodass er zum Gesamtbild passt.

Bilder, auf denen die Zähne zu sehen sind, wirken comic-mäßiger, wenn diese etwas ebenmäßiger und runder geformt sind.

In diesem Video erläutere ich, wie die Körperform einer Figur nachträglich verändert werden kann. Diese Methode ist besonders effektiv, wenn man die Körperhaltung einer Figur ändern möchte.

Abschließend erkläre ich, wie man die Figur auch nach der Freistellung ohne Probleme verflüssigen kann. Hierzu wende ich den Verflüssigen-Filter auf der Maske an.

In diesem Kapitel geht es an die Hautretusche, um eine weichere, "gemalte" Haut zu erhalten oder kleinere Details wie fehlende Bartstoppeln zu ergänzen. Auch hier lassen sich einige Techniken auf Bilder übertragen, die nicht für den Comic-Style gedacht sind.

Im Video bekommt ihr die grundlegenden Werkzeuge für eine einfache Hautretusche erklärt. Ich zeige euch einen Weg, die Retusche auf einer leeren Ebene durchzuführen.

Ich erkläre meinen Weg der Frequenztrennung. Diese Technik wende ich dann an, wenn ich die Retuschen im Bild perfektionieren möchte, indem ich Flecken in der Haut entfernt.

Lernt, wie ihr Hautunreinheiten mithilfe der Frequenztrennung entfernen könnt. Außerdem wird die Funktionsweise noch mal veranschaulicht.

Durch die Frequenztrennung treten vor allem auf grauen Hintergründen hin und wieder Tonwertabrisse auf. Hier erkläre ich, wie man diese ebenfalls mithilfe der Frequenztrennung beseitigen kann.

In diesem Video veranschauliche ich, wie ich Flecken in der Haut entferne. Außerdem verleihe ich ihnen einen noch comic-mäßigeren Look, indem ich die Haut etwas glätte.

Da ich meinen Figuren eine sehr plastische Haut verpassen möchte, zeige ich hier meine bewährteste Methode, um dies zu erreichen. Hierzu gleiche ich die Farbtöne der Haut mithilfe der Frequenztrennung aneinander an.

Beim starken Verflüssigen werden die Pixel oft in Mitleidenschaft gezogen. In diesem Video erkläre ich detailliert, wie ich die Pixel mithilfe der Frequenztrennung wieder gut aussehen lasse.

Oft sind in den Augen rote Äderchen zu sehen, was zwar völlig natürlich ist, allerdings sehr menschlich und daher weniger nach einer Comicfigur aussieht. Wie man diese Äderchen entfernt, erkläre ich in diesem Video.

Im letzten Video zur Frequenztrennung erkläre ich, wie man mithilfe der Detail- und Farbebene einen Bart auffüllen kann. Diese Technik lässt sich nicht nur bei Bärten anwenden.

Um der Comicfigur einen plastischeren Look zu verpassen, werden in diesem Kapitel die Grundfunktionen des Dodge and Burn erklärt. Anschließend biete ich einen Einblick in meinen kompletten Dodge-and-Burn-Workflow und zeige, wie ihr mit einfachen Methoden Streiflichter verstärken und hinzufügen könnt.

Im ersten Video dazu wird euch die Funktionsweise des Aufhellens und des Abdunkelns erklärt. Hier bekommt ihr alle Informationen, um zu verstehen, was Dodge and Burn im Bild bewirkt.

In diesem Video zeige ich eine weitere Vorgehensweise, mit der man die Haut weniger fleckig erscheinen lässt. Hierzu verwende ich diesmal lediglich Dodge and Burn.

In diesem Video geht es an den kreativeren Part. Ich zeige meine Technik, mit der ihr die Augen der Figuren noch plastischer wirken lassen könnt.

In diesem Video veranschauliche eine Methode, um Lippen noch plastischer wirken zu lassen. Ihr erhaltet eine genaue Beschreibung, an welchen Stellen ihr aufhellen und abdunkeln könnt, um dies zu erreichen.

In diesem Video modelliere ich das Gesicht abschließend mithilfe von Dodge and Burn. Mit dieser Technik bekommt das Gesicht mehr Tiefe und es wirkt noch comic-mäßiger.

In diesem Video erkläre ich, wie ihr ebenfalls mit Dodge & Burn die Form der Hände und Arme betonen könnt. Dies ist ein sehr wichtiger Schritt, um euer Model wie eine Comicfigur aussehen zu lassen.

Wie ihr mit Dodge and Burn mehr Glanz und Reflexionen in die Kleidung eures Models bekommt – dieser Schritt ist ebenfalls sehr wichtig für den plastischen Look einer Comicfigur.

In diesem Video erkläre ich, wie ihr Glanzstellen in den Haaren hervorheben könnt. Diese Technik ist wichtig, um das Ganze noch etwas runder wirken zu lassen.

Falls die Streiflichter während des Shootings nicht besonders gut zu sehen waren, könnt ihr anhand dieses Videos nachträglich Streiflicht ins Bild malen. Dies ist eine tolle Technik, die das gesamte Bild plastischer wirken lässt.

Die Technik, die ich in diesem Video vermittle, macht sich besonders gut, wenn euer Model vor einem dunklen Hintergrund platziert wurde. Mit bunten Streiflichtern könnt ihr mehr Abstand zum Hintergrund erzeugen und dem Bild somit mehr Tiefe verleihen.

Im sechsten Kapitel erfahrt ihr, wie ihr euren Bildern einen brillanteren und farbenfroheren Look geben könnt. Vom bloßen Ein- und Umfärben bis hin zum Angleichen der Hauttöne lernt ihr hier alles, damit eure Bilder noch bunter wirken.

In diesem Video soll es um die Zähne gehen. Diese haben von Natur aus einen leicht gelblichen Stich. Um diesen zu entfernen und den Comic-Style so noch realistischer wirken zu lassen, zeige ich euch, wie ihr Zähne sehr effektiv bleichen könnt.

In diesem Video möchte ich den Augen einen noch intensiveren Ton geben. Dies ist ein wichtiger Bestandteil für den unnatürlichen Look meines Comic-Styles.

In diesem Video bekommt ihr vermittelt, wie einfach es ist, Elemente wie z. B. Kleidung einzufärben. Außerdem zeige ich euch einen Weg, wie ihr das tun könnt, ohne euch sofort auf eine spezielle Farbe festlegen zu müssen.

In diesem Video zeige ich euch, wie ihr Kleidung umfärben könnt. Diese Methode ist sehr praktisch, wenn ihr eine spezielle Bildidee habt, euch aber die passende Kleidung dafür fehlt.

In diesem Video erkläre ich, wie ihr den Hautton eurer Comicfigur ändern könnt. Mit dieser Methode lässt sich euer Model ganz einfach in Hulk oder in einen Schlumpf verwandeln.

In diesem Video seht ihr, wie ihr den Farben in eurem Bild den perfekten Ton geben könnt. Ich zeige, wie man sowohl die Farben, als auch Helligkeit und Sättigung im Bild ändern kann.

Beim Dodge and Burn verändern sich ab und zu die ursprünglichen Farben des Bildes. In diesem Video zeige ich euch, wie ihr die Hauttöne wieder angleichen könnt.

Wenn euch ein grauer Hintergrund zu langweilig ist, ist dieses Kapitel perfekt für euch. Ich erkläre nicht nur, wie man einen Hintergrund ganz einfach färben kann, sondern auch, wie ihr ihn farblich an euer Motiv anpassen könnt.

Im Video wird vermittelt, wie ihr euren Hintergrund passend zum Bild einfärben könnt. Dies ist eine sehr gute Methode, um euer Bild farblich stimmiger wirken zu lassen.

Um dem Bild mehr Tiefe zu geben, setze ich häufig einen Lichtspot hinter meine Figuren. Wie ich dabei vorgehe und somit die Lichtführung ändere, erfahrt ihr hier.

In diesem Video erkläre ich, wie ihr mit dem Zeichenstift-Werkzeug eine Auswahl erstellen und somit eine Person freistellen könnt. Wenn ihr diese Technik beherrscht, könnt ihr eure Figur vor jedem beliebigen Hintergrund platzieren.

Nachdem ihr eure Figur freigestellt habt, erhaltet ihr einen sehr sauberen Hintergrund ohne Strukturen. Wie ihr diesen nun optimal in Farbe und Lichtführung verändern könnt, erfahrt ihr in diesem Video.

In diesem Kapitel erfahrt ihr, wie ihr eurem Comic-Bild den finalen malerischen Look verpassen könnt. Wie immer biete ich hier nicht nur einen Weg, sondern zeige euch meine bewährten Techniken, die ich über die Jahre perfektioniert habe.

Im Video zeige ich euch eine Methode, wie ihr die Haut eures Models malerischer wirken lassen könnt. Dies ist ein wichtiger Bestandteil für den finalen Look des Comic-Styles.

In diesem Video erkläre ich eine weitere Methode, wie ihr die Haut eurer Figur plastischer und malerischer gestalten könnt. Diese Methode ist besonders sinnvoll, wenn bereits viele Pixel durch das Verflüssigen beschädigt wurden.

Um den Comic-Look des Bildes noch zu verstärken, zeige ich euch, wie ihr die Kleidung eurer Figur scharfkantiger wirken lassen könnt. Hierbei werden allerdings nur die Konturen verstärkt und das Bild bekommt einen noch plastischeren Look.

Wenn ich am Ende meines Comic-Styles angelangt bin, schärfe ich oft noch mal die  Augen und Haare nach. In diesem Video erfahrt ihr, wie ich vorgehe, ohne dass es zu sehr auffällt.

Zuletzt erkläre ich euch den finalen Schliff für meine fertigen Comic-Style-Bilder. In dem Kapitel sind sowohl das Korrigieren der ursprünglichen Freistellung als auch die finale Raw-Konvertierung enthalten, mit der ich meinen Bildern den finalen Look verpasse.

Beim Freistellen sind es meistens die zu scharfkantigen Haare, die eine Freistellung verraten. Hier erkläre ich, wie ihr die Freistellung eurer Comicfigur noch besser aussehen lassen könnt, indem ihr die Haare wieder ins Bild malt.

Um das Bild etwas mehr mit dem Lichtspot im Hintergrund zu verschmelzen, zeige ich euch, wie ihr nachträglich etwas Überstrahlung ins Bild bekommt.

Um den finalen Look des Bildes zu bestimmen, zeige ich euch meine Vorgehensweise. Hierfür ist sogar nur ein einziger Filter notwendig.

Im letzten Kapitel erhaltet ihr abschließende Tipps, wie ihr auch ohne Studio und Blitze ein tolles Comic-Style-Bild erstellen könnt. Außerdem bekommt ihr Einblicke in Photoshop-Dateien, in denen mein typischer Comic-Style mal etwas anders umgesetzt wurde.

Im Video erfahrt ihr, wie ihr auch ohne großes Budget oder Studio ein tolles Bild im Comic-Style erstellt. Ich gebe euch einen Einblick in meine ersten Versuche und in die finale Photoshop-Datei.

Hier erkläre ich, wie ich ein ganzes Szenario im Comic-Style erstellt habe. Hierfür habe ich größtenteils dieselben Techniken genutzt, die ihr in diesem Video-Training finden könnt.

Ich verabschiede mich und gebe ein paar abschließende Tipps zur Umsetzung an euren eigenen Bildern.