Fotografía de conciertos - Parte 06: Consejos y trucos de los profesionales (de la fotografía de conciertos)

He aquí un resumen de cada uno de los capítulos:

Parte 01 - ¿El "trabajo soñado" de fotógrafo de conciertos?

Parte 02 - Aspectos legales

Parte 03 - Particularidades de la fotografía de conciertos

Parte 04 - Comportamiento en el "foso

Parte 05 - El equipo adecuado para los fotógrafos de conciertos

Parte 06 - Consejos y trucos de los profesionales (de la fotografía de conciertos)

Parte 07 - Composición de la imagen (Parte 1)

Parte 08 - Composición de la imagen (Parte 2)

Parte 09 - Ajustes recomendados de la cámara

Parte 10 - Postprocesado

Figura 6.1: Si quieres hacer fotos de conciertos atmosféricas y extraordinarias, no sólo necesitas un equipo fotográfico adecuado, sino también un poco de experiencia, o al menos algunos buenos consejos de fotógrafos experimentados. Por supuesto, también influye un poco la suerte. Sin embargo, como dice el refrán: "La fortuna favorece a los trabajadores". En este sentido, no deberías confiar sólo en tu suerte, porque entonces rara vez te llevarás a casa fotos especiales de un concierto. Aquí, el fotógrafo Sven Darmer pudo captar al cantante de Depeche Mode Dave Gahan delante del impresionante fondo del escenario (concierto del 9 de junio de 2013 en el Olympiastadion de Berlín). Canon EOS-1D X con EF 2,8/70-200mm a una distancia focal de 142mm. 1/250 segundos, Blender 7,1, ISO 3.200.

(Fotografía © 2013: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)

6.1 Métodos de medición de la exposición adecuados

Los siguientes métodos de medición de la exposición son posibles con la mayoría de las cámaras modernas:

- medición integral (ponderada al centro)

- medición puntual

- Medición multisegmento

Figura 6.2: Los músicos, como todos los artistas, suelen ir completamente vestidos de negro, una circunstancia que no nos facilita precisamente la medición de la exposición a los fotógrafos. Sin embargo, si el músico mantiene su posición durante un cierto tiempo, la medición puntual puede utilizarse a veces con sensatez.

En este caso, la medición se realiza sobre el rostro del artista y se puede determinar un valor independiente del contraluz de la iluminación del escenario. De este modo también se garantiza que la persona quede bien representada en las fotos y pueda ser reconocida. Nikon D800 con Nikkor 2,8/70-200 mm a una distancia focal de 120 mm. 1/1000 segundo, Blender 5.6, ISO 1000.



(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

Con la medición integral, se tienen en cuenta los valores de luminosidad individuales de todo el campo de imagen. Es ideal, por ejemplo, para las típicas fotos de vacaciones o de grupos grandes en condiciones de luz normales (con contrastes no demasiado fuertes). En la variante de medición integral ponderada al centro, la zona del centro de la imagen se pondera más que las zonas periféricas (en la Nikon D4, se trata de un círculo en el centro de la imagen con un diámetro de 12 mm, que se pondera al 75%).

Los diseñadores de cámaras asumen que las partes importantes del sujeto suelen situarse en el centro de la imagen (por ejemplo, en las fotos de grupo).

Figura 6.3: Peter Maffay en un concierto en la Waldbühne de Berlín (el 28 de mayo de 2011). Si el sujeto está formado por un número igual de zonas oscuras (aquí: correa de la guitarra, pantalones) y zonas claras (aquí: partes del cuerpo de la guitarra) y el resto está formado por zonas claras neutras (aquí: fondo gris), los mejores resultados se pueden conseguir con el método de medición integral. (Aquí se utilizó la medición integral ponderada al centro). Canon EOS-1D Mark IV con EF 2.8/70-200mm a una distancia focal de 165mm. 1/250 segundos, Blender 4,5, ISO 1.000.



(Fotografía © 2011: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)

La medición puntual es un método de medición de la exposición para fotógrafos experimentados; sólo se pueden obtener resultados significativos (correctos) con un uso práctico. Con la medición puntual, se utiliza una parte muy pequeña del campo de la imagen (la zona de medición suele estar en el centro) para medir específicamente una pequeña parte de la luminosidad del sujeto. Ésta será la parte que se considere más importante y que debe exponerse correctamente. En la fotografía de conciertos, suele ser el rostro del cantante/músico. Sin embargo, los siguientes puntos suelen causar dificultades a los usuarios: en primer lugar, el tamaño del campo de medición, que en mi Nikon D4, por ejemplo, sólo tiene un diámetro circular de 4 mm (esto corresponde aproximadamente a sólo el 1,5% de todo el campo de imagen).

En segundo lugar, hay que asegurarse de que la luminosidad de la zona del sujeto que se va a medir corresponde aproximadamente a un 18% de gris. Para esto está calibrada la medición de la exposición de la cámara; el reflejo de un 18% de gris es, por tanto, el valor de referencia, y si la zona adecuada del motivo se desvía de éste en cuanto al reflejo, la exposición será incorrecta. Por lo tanto, sólo los sujetos en los que el punto adecuado refleja la luz como un 18% de gris son adecuados para la medición puntual. (Sostener una tarjeta gris de referencia delante de la cara del cantante para determinar la exposición correcta es -creo- bastante poco práctico durante un concierto...) Lo que también confunde a algunos fotógrafos es que la medición de la exposición suele tener lugar en el centro del campo de medición del enfoque activo.

Esto puede llevar fácilmente a la confusión de que ambas funciones podrían estar "relacionadas" entre sí. Sin embargo, en términos de control y lógica de la cámara, la medición de la exposición y el enfoque automático no tienen nada en común. La medición de la exposición se utiliza para crear una imagen que no sea ni demasiado brillante ni demasiado oscura (a menos que hayas optado por fotos de clave alta o clave baja). El autoenfoque, por otro lado, es necesario para tomar una foto correctamente enfocada.

Figura 6.4: Un sujeto (con muchas zonas oscuras) adecuado para utilizar la medición puntual para determinar la combinación correcta de velocidad de obturación, Blender y sensibilidad ISO con el fin de obtener una foto correctamente expuesta. Cuando se utiliza la medición puntual, es importante que haya una iluminación constante (en este caso, luz diurna) durante un periodo de tiempo suficientemente largo, durante el cual tengas tiempo para realizar la medición de la exposición.

El artista en el escenario tampoco debe moverse demasiado deprisa para poder realizar la medición de la exposición. Debido al fondo oscuro y a la ropa negra del músico, otro método de medición habría producido un resultado sobreexpuesto en el que la ropa parecería gris y la cara demasiado clara. (A menos que hubiera utilizado la medición integral o la medición matricial en combinación con la compensación manual de la exposición, también conocida como corrección más-menos). Nikon D800 con Nikkor 2.8/70-200mm con distancia focal de 175mm utilizada. 1/640 segundos, Blender 4,0, ISO 1.000.



(Fotografía © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

Con el método de medición multisegmento (también conocido como medición matricial ), la imagen se divide en varias zonas (por ejemplo, cinco: un campo en el centro y las cuatro zonas de las esquinas adyacentes a él). La cámara mide (automáticamente) cada campo y luego calcula un valor medio.

Este método de medición de la exposición se recomienda si, por ejemplo, se van a fotografiar sujetos de alto contraste. La idea es que se tengan en cuenta todas las partes de la imagen y se determine una combinación de tiempo/apertura/ISO que pueda verse como un compromiso de todas las zonas (para evitar zonas blancas en la imagen que queden sopladas o zonas negras profundas sin ningún detalle).

Aunque los fabricantes hayan perfeccionado este método de medición de la exposición (por ejemplo, la medición matricial en color, que también tiene en cuenta los colores del motivo a la hora de determinar la luminosidad; o la medición matricial en color 3D, que también tiene en cuenta las distancias entre las zonas del motivo en el cálculo), todos los métodos de medición de la exposición adolecen siempre de un dilema:

Si las diferencias de luminosidad en el motivo son demasiado grandes (= gran rango de contraste), es imposible tomar una foto satisfactoriamente expuesta con un solo disparo. Esto se debe a que el rango de contraste en el sujeto es mayor que el rango dinámico de la cámara, lo que significa que inevitablemente habrá zonas en la foto negras sin detalle o blancas reventadas. La solución sería el HDR; sin embargo, esto es completamente inadecuado para la fotografía de conciertos debido a la prohibición de trípode en el foso y al movimiento de los músicos en el escenario.

Figura 6.5: Las condiciones de iluminación difíciles de manejar son la norma en la fotografía de conciertos, al menos en los de rock y pop. En particular, si un foco ilumina el objetivo como contraluz (atmosférico), puede ocurrir que las personas (cantantes/bailarines) en el escenario salgan demasiado oscuras en la foto. Sin embargo, la posible exposición incorrecta debida al contraluz puede volver a anularse, por ejemplo como en esta foto, en la que la ropa oscura (predominantemente negra) de la banda de chicos prácticamente contrarresta la medición de la exposición. De este modo, los dos extremos (contraluz, por un lado; ropa negra de los artistas, por otro) se anulan mutuamente. El resultado es una foto de concierto atmosférica en la que los rostros de los cantantes también se muestran en todo su esplendor. US5 en concierto el 24 de noviembre de 2007 en Berlín.



(Foto © 2007: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)



En última instancia, el fotógrafo tiene que decidir qué parte (importante para la imagen) del motivo debe exponerse correctamente. Y el hecho de que utilice el método de medición puntual, integral o multisegmento es completamente irrelevante. Lo decisivo es que consiga el resultado correcto con el método utilizado.

Sin embargo, el preajuste de la cámara (que se considera una "recomendación" para el fotógrafo) no debe seguirse "a ciegas". Dado que tenemos tres parámetros en la cámara (velocidad de obturación, Blender, sensibilidad ISO) para conseguir una determinada exposición (luminosidad de la imagen), también podemos cambiar estos tres parámetros de forma que la exposición (y por tanto la luminosidad de la foto) siga siendo la misma; pero entonces con una combinación diferente de velocidad de obturación/ISO que sea más adecuada para nuestros propósitos. Por ejemplo: Si el control automático de exposición de la cámara (no importa cuál) nos da los siguientes valores: velocidad de obturación = 1/250 segundos, diafragma = 8, ISO = 800, podemos cambiarlos de tal forma que consigamos, por ejemplo, una velocidad de obturación más rápida con el mismo ajuste ISO y un diafragma más abierto (y por tanto un degradado nitidez/borrosidad más claro).

En la fotografía de conciertos, a menudo se juega con el degradado de desenfoque para que el músico fotografiado destaque sobre el fondo del escenario (que a menudo distrae). Si el fondo es poco atractivo, puede hacerse prácticamente irreconocible utilizando una profundidad de campo reducida (a menudo sólo unos centímetros o incluso milímetros). El objetivo siempre es dirigir la atención del espectador hacia los elementos de la imagen que el fotógrafo considera importantes. En la fotografía de conciertos, suelen ser los rostros de los artistas o, en tomas más abstractas, sólo los instrumentos (o las manos tocando).

Sin embargo, para conseguirlo, necesitamos utilizar un diafragma lo más abierto posible; el diafragma 8 sugerido por el control automático de la exposición de la cámara no es práctico (porque el rango de enfoque sería demasiado grande). Para poder seguir haciendo fotos con un diafragma abierto, "desplazamos" los valores sugeridos por la cámara abriendo más el diafragma (hasta 2,8, por ejemplo) y reduciendo la velocidad de obturación (en nuestro ejemplo a 1/2000 segundos), mientras mantenemos el mismo ajuste ISO (800). De esta forma, conseguimos la misma luminosidad de imagen, pero con una combinación diferente de parámetros.

Nota: Este "desplazamiento" manual (cambiar la combinación de parámetros de tiempo, Blender e ISO sugerida por la cámara manteniendo la misma luminosidad de imagen), que se basa en los requisitos del sujeto, es tan importante para la fotografía práctica que muchos fabricantes de cámaras han colocado esta función en el dial de funciones (en Nikon: que se maneja con el pulgar derecho). Esto permite al fotógrafo intervenir rápidamente y seleccionar la combinación de exposición que considere más adecuada.

A menudo, el fotógrafo prefiere disparar con un diafragma más amplio (en cuyo caso se abre el diafragma y se compensa con una velocidad de obturación más rápida o reduciendo el valor ISO) o se requiere una velocidad de obturación más rápida, por ejemplo porque los músicos están ofreciendo un espectáculo brillante y rápido que requiere una velocidad de obturación rápida al hacer las fotos (en cuyo caso se reduce la velocidad de obturación y se compensa abriendo el diafragma o aumentando la sensibilidad ISO). A la inversa, también hay casos en los que es necesario ampliar el rango de enfoque, por ejemplo, porque los músicos en escena deben estar todos enfocados en una foto o cuando el fotógrafo necesita una velocidad de obturación ligeramente más lenta de lo sugerido para ciertos efectos (por ejemplo, cuando se utiliza pirotecnia en el espectáculo).

Por tanto, la combinación de velocidad de obturación/apertura/ISO sugerida por la cámara es sólo una forma de conseguir la exposición correcta; sin embargo, combinando la velocidad de obturación, la apertura y la sensibilidad ISO, se pueden seleccionar muchas combinaciones diferentes, todas las cuales dan como resultado una exposición consistente. Elija la combinación que le proporcione el resultado óptimo para el sujeto que desea fotografiar.

Figura 6.6: En esta foto, la destreza artística del guitarrista del BAPdebe estar definitivamente en primer plano (concierto del 24 de agosto de 2011). Para conseguirlo, elegí la combinación Blender/apertura/ISO, que permite acentuar el gradiente nitidez/desenfoque (apertura casi abierta). Esto me permitió desenfocar un poco al guitarrista y completamente el fondo. Como resultado, la foto casi parece una foto de estudio posada, pero difícilmente una instantánea de un concierto en un escenario relativamente pequeño. Nikon D3S con Nikkor 1,4/85 mm. 1/125 segundo, Blender 2,2, ISO 1.250.



(Fotografía © 2011: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

6.2 Exposición automática frente a control manual

Muchos fotógrafos (sobre todo principiantes con grandes ambiciones) son partidarios de disparar con los ajustes manuales de la cámara. Con esto quieren decir que prescinden de la exposición automática y ajustan manualmente la velocidad de obturación, el diafragma y la sensibilidad ISO.

Creo que es un enfoque equivocado por varias razones: en primer lugar, las fluctuaciones de la iluminación (que pueden producirse con bastante frecuencia y rapidez en la fotografía de conciertos) pueden hacer que tengamos que ajustar constantemente la combinación de velocidad de obturación/apertura/ISO. Sin embargo, nosotros (dotados de un gran ojo y un potente cerebro) no siempre nos damos cuenta de estas fluctuaciones; inevitablemente, el resultado son exposiciones incorrectas. En segundo lugar, es bastante... bueno, digamos: valiente, si los fotógrafos creen que pueden estimar la luminosidad del sujeto hasta tal punto que pueden ajustar el tiempo, el diafragma y el valor ISO manualmente a su libre albedrío. Nuestros ojos se acostumbran (¡muy rápidamente!) a las situaciones de luz cambiantes, de modo que ni siquiera notamos las diferencias; o sólo cuando son muy grandes y repentinas.

La regla con los ajustes manuales es, por tanto, utilizar los valores sugeridos por la cámara (exposición automática). Éstos, a su vez, se basan en la medición de la exposición interna de la cámara, lo que significa que la diferencia entre ajustar manualmente los parámetros de tiempo, Blender e ISO y hacer fotos con uno de los tres modos (profesionales) de exposición automática (programa, Blender y tiempo automático; ¡desaconsejamos encarecidamente utilizar el modo ISO automático!), la única diferencia es que en el primero los valores los fija el fotógrafo (pero según las especificaciones de la cámara automática) y en el segundo la cámara fija los parámetros por sí misma (porque se ha seleccionado uno de los modos de exposición automática).

Figura 6.7: En los conciertos de música clásica (o también en los de jazz, country, folk, pop, etc.), no suele esperarse una iluminación muy fluctuante. Los fotógrafos de conciertos pueden contar con una luz natural (blanca) constante, lo que, por supuesto, simplifica enormemente el control manual de la exposición. Montserrat Caballé fue fotografiada aquí en su concierto en la Filarmónica de Berlín el 31 de enero de 2011. Canon EOS-1D Mark IV con EF 2.8/300mm. 1/160 segundo, Blender 2,8, ISO 1.000.



(Fotografía © 2011: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)

Figura 6.8: RUNRIG el 29 de agosto de 2012 Si la iluminación sobre los músicos es constante (al menos durante un periodo "afortunado" pero indefinido), se puede trabajar bien con los ajustes de exposición manual. Entonces da igual que los focos iluminen el fondo, porque el primer plano, los músicos, queda igualmente (correctamente) expuesto.

(Entre estas dos fotos, hice otras 18 con idénticos ajustes de exposición). Nikon D4 con Nikkor 1.4/85 mm. 1/250 segundo, Blender 2,5, ISO 2.500.



(Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

Conclusión

Aquellos que -por la razón que sea- prefieran disparar manualmente son, por supuesto, bienvenidos. Sin embargo, en la fotografía profesional de conciertos, como en otras áreas de la fotografía, lo que cuenta es el resultado. En este sentido, no debes preocuparte tanto por la forma, sino más bien por que el resultado sea satisfactorio. No importa cómo lo consigas. (Una foto no es mejor sólo porque el fotógrafo haya trabajado con ajustes manuales).

Si decides ajustar manualmente la velocidad de obturación, el diafragma y la sensibilidad ISO, debes tener en cuenta que las condiciones de luz cambiantes te obligan a ajustar la configuración de los parámetros de exposición. En este caso, compruebe siempre si los ajustes de exposición conducen al resultado deseado o si es necesaria una corrección.

6.3 Utilización de la función de disparo continuo de la cámara

Las manchas se encienden y se apagan en fracciones de segundo. Debido a los movimientos a menudo rápidos de los músicos en el escenario, oscurecen una luz (de fondo) o permiten que brille en nuestros objetivos. Las décimas de segundo deciden si el artista de la foto retrato parpadea o hace una mueca desafortunada (poco fotogénica).

La fotografía de conciertos es fotografía de acción, por lo que es aconsejable ajustar la cámara a velocidad de disparo continuo. Sin embargo, no tiene sentido hacer regularmente una docena de fotos casi idénticas seguidas; es aconsejable, en cambio, hacer siempre de 2 a 4 "ráfagas de fuego" cortas al hacer las fotos. De este modo, el fotógrafo puede fotografiar los motivos de forma selectiva y meditada y, aun así, evitar el riesgo de que la foto correspondiente quede inutilizada por un breve instante (por ejemplo, porque un foco ilumine directamente a la cámara en una breve fracción de segundo y, por tanto, resulte molesto).

Los fotógrafos de conciertos no tenemos que limitarnos; debido al poco tiempo disponible (normalmente sólo tres canciones) no tenemos que preocuparnos de que la tarjeta de memoria se llene antes de que nos saquen del foso. Y la batería de la cámara probablemente durará 3-4 conciertos seguidos antes de que el indicador de nivel de batería nos pida que la carguemos. Así que no escatimes en fotos, ¡pero "aguanta"!

Figura 6.9: Muchas estrellas del rock tienen poses típicas. Si consigues captarlas, aumentará enormemente la venta de la foto. Billy Idol (aquí el 27 de noviembre de 2005 en Berlín) es, por supuesto, un profesional de pura cepa y también un maestro del autorretrato. El ajuste de disparo continuo de la cámara ayuda a seleccionar el resultado óptimo entre fotos similares. Aquella en la que la pose encaja a la perfección, el detalle de la imagen y la exposición son correctos, y los muchos pequeños detalles (posición del foco, expresiones faciales, personas y equipos en el fondo, etc.) armonizan de forma ideal.



(Foto © 2005: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)

6.4 Bracketing - una visión crítica

Nunca he entendido muy bien para qué sirve el horquillado. Me parece un poco como disparar a los gorriones con cañones. Y al menos en la era digital, en la que los fotógrafos disparamos en formato RAW y postprocesamos todas nuestras fotos (al menos ligeramente), el horquillado es superfluo.

Figura 6.10: El horquillado sólo tiene sentido si el fotógrafo no está seguro de cuál es la exposición óptima; de este modo, intenta obtener al menos un resultado óptimamente expuesto con varias fotos con diferentes exposiciones. Sin embargo, la fotografía de conciertos, con sus condiciones de iluminación tan cambiantes, sólo es adecuada para el horquillado hasta cierto punto. Como ya se ha mencionado varias veces, la iluminación de los artistas en el escenario cambia constantemente y con gran rapidez. Esto significa que puedes obtener resultados completamente diferentes incluso con el mismo ajuste de exposición. Si, además de esta incertidumbre basada en el espectáculo de luces, entra en juego una segunda incertidumbre, a saber, el cambio en los ajustes de exposición durante una serie de tomas, se unen dos factores de riesgo de modo que el resultado (óptimo) puede predecirse (alcanzarse) aún menos. El horquillado te lleva a un terreno muy incierto, de modo que los resultados dependen exclusivamente de factores impredecibles. Por ejemplo: ¿acaso la subexposición asociada al horquillado tiene lugar en el momento exacto en que un foco ilumina directamente el objetivo del fotógrafo y, por tanto, daría lugar a una subexposición de todos modos? (Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)





En mi opinión, tiene mucho más sentido centrarse en el ajuste presumiblemente correcto de la cámara en lugar de fotografiar las variaciones de exposición. Incluso si los ajustes no eran del todo óptimos cuando se tomó la foto, esta puede "salvarse" en la mayoría de los casos gracias al revelado RAW en Photoshop o Lightroom. Así que concéntrate en crear una composición inusual, en captar grandes escenas del espectáculo, en fotografiar a todos los músicos (aunque algunos de ellos sean aún desconocidos). Y para comprobar los ajustes de exposición, un rápido vistazo a la pantalla de la cámara de vez en cuando es suficiente para detectar y eliminar errores importantes.

6.5 Utilizar las pilas cargadas

Nunca se sabe... Fiel a este lema, siempre debes tener las pilas completamente cargadas en tu cámara si quieres hacer fotos de conciertos. Por supuesto, a menudo basta con una sexta parte de la capacidad de una batería potente, sobre todo porque sólo puedes hacer fotos durante las tres primeras canciones. Pero nunca se sabe lo que puede pasar, si el tiempo de fotografía se prolonga por capricho o porque hay que promocionar a un joven músico. ¿Y quién sabe si tendrás la oportunidad de hacer más fotos antes o después del concierto, durante la entrevista (o antes, durante la prueba de sonido)? Así que: ¡Carga la batería de tu cámara! (O llévate una batería de repuesto cargada).

Figura 6.11: "¡Es suficiente para arrancarse los pelos!" Cuando Woody Allen coge el clarinete en el escenario (como aquí en el concierto con su New Orleans Jazz Band el 22 de marzo de 2010 en Berlín), ¡las fotos expresivas del concierto están garantizadas! Sería una gran pena que tuviera que dejar de hacer fotos antes de tiempo porque a la batería le quedara poca capacidad y se hubiera agotado por completo.



(Foto © 2010: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)

6.6 Disparar en formato RAW

En muchas áreas de la fotografía, es completamente innecesario tomar fotos en formato RAW. JPEG es completamente suficiente en términos de calidad. Sin embargo, disparar en formato RAW es realmente recomendable en la fotografía de conciertos, más que en ningún otro ámbito, porque aquí tenemos que lidiar habitualmente con fuertes contrastes de luminosidad. No son infrecuentes las zonas blancas reventadas donde los focos brillan directamente en el objetivo y las zonas más oscuras del fondo del escenario. Las caras también desaparecen a menudo; o son demasiado brillantes porque el foco era demasiado fuerte para nuestro ajuste de exposición, o las caras son demasiado oscuras porque los focos a contraluz han distorsionado la medición de nuestro sistema de exposición automática.

Si tomamos las fotos en formato RAW, algunos ajustes pueden modificarse fácilmente a posteriori (por ejemplo, el balance de blancos) y la exposición puede optimizarse al menos unos cuantos f-stops.

Figura 6.12: me & me con el cantante Adel Tawil al micrófono el 1 de septiembre de 2010. En la mayoría de los conciertos, cabe esperar contrastes de luminosidad entre difíciles y apenas manejables. Es útil hacer las fotos en formato RAW para poder seguir sacando algún detalle de las zonas brillantes sobreexpuestas y de las zonas oscuras subexpuestas más tarde en el ordenador. Nikon D3S con Nikkor 2.8/24-70mm a una distancia focal de 24mm. 1/1000 segundo, Blender 3.2, ISO 3200.



(Foto © 2010: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

6.7 Comprobación periódica de las fotos - con visualización automática (y de relleno de formato) de la imagen

La gran ventaja de la fotografía digital es la posibilidad de realizar una comprobación inmediata de la imagen (en la pantalla de la cámara). De este modo, los errores pueden reconocerse inmediatamente (y, por supuesto, corregirse). Sin embargo, esta ventaja sólo es efectiva si el fotógrafo realiza realmente la comprobación de la imagen. Algunas personas olvidan esta necesidad, especialmente cuando fotografían bajo presión de tiempo en pleno concierto. O están demasiado agitados y piensan que pueden prescindir de ella en ese momento. Pero esto es una falacia. A menudo he visto a fotógrafos que, al salir del foso, miraban las fotos que habían hecho con ansiosa curiosidad y se daban cuenta de que no podían llevarse a casa ni una sola foto utilizable debido a un ajuste involuntariamente incorrecto...

Así que acostúmbrate a revisar tus fotos con regularidad, preferiblemente cada 10-12 fotos. Basta con echar un vistazo a la pantalla de la cámara. Para ahorrar tiempo, activa la función de reproducción automática de imágenes de la cámara. Después de tomar cada foto, se muestra en la pantalla durante unos segundos. Un toque rápido en el disparador de la cámara también hace que la foto vuelva a desaparecer inmediatamente.

También tiene sentido comprobar el enfoque a intervalos más largos. Para ello no basta con un vistazo rápido; en este caso hay que hacer zoom en la foto. Sin embargo, esta comprobación no es necesaria tan a menudo; una vez por canción debería ser suficiente. (A no ser que tengas problemas frecuentes con la nitidez de las fotos, en cuyo caso yo, por supuesto, comprobaría antes el motivo).

Figura 6.13: Si los fotógrafos de un concierto (como aquí con Tim Bendzko el 24 de agosto de 2012) están haciendo fotos con gran entusiasmo y bajo la presión del tiempo, puede ocurrir que se olviden de comprobar regularmente la pantalla de la cámara para comprobar las fotos que han hecho en cuanto al enfoque, los ajustes correctos de exposición, la composición de la imagen, etc. Y así ocurre una y otra vez que los fotógrafos hacen fotos con el ajuste incorrecto (o inadecuado) durante las tres canciones y sólo se dan cuenta de su error al salir del foso de prensa, cuando ya es demasiado tarde para tomar medidas correctoras. Nikon D4 con Nikkor 2.8/14-24mm con distancia focal de 24mm utilizada. 1/80 segundo, Blender 3,5, ISO 3.200.



(Fotografía © 2012: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

6.8 Fotografiar a veces en blanco y negro

La fotografía de conciertos en realidad vive de los muchos colores brillantes (de las luces). Sin embargo, las fotos en blanco y negro también pueden ser muy atractivas. Recomiendo ajustar el modo de la cámara a blanco y negro al hacer las fotos. Así será más fácil juzgar el efecto cuando mires el monitor. Si haces fotos en formato RAW, la información de color no se pierde; puedes seguir "revelando" las fotos en color.

Sin embargo, la fotografía en blanco y negro no consiste sólo en omitir el color. Se trata más bien de ver los sujetos en blanco y negro ; el fotógrafo que domine esta técnica también sabrá distinguir entre los sujetos que son adecuados para el blanco y negro y otros que no se benefician de él, en los que simplemente falta el color.

Figura 6.14: La especial fuerza expresiva de las fotos en blanco y negro (o, perteneciendo a la misma categoría, las fotos en tonos sepia) hacen que la fotografía en blanco y negro sea atemporal; sigue estando "de moda". Este motivo del guitarrista del BAP(concierto del 24 de agosto de 2011 en el marco del Festival de la Carpa del Ruhr en Bochum/Witten) tampoco pierde nada con la reducción; al contrario, gana encanto (nostálgico) e impacto. Nikon D3S con Nikkor 1,4/85 mm. 1/160 segundo, Blender 2,5, ISO 1.250.



(Foto © 2011: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)

Sugerencia

- Algunos motivos "exigen" literalmente ser fotografiados en blanco y negro.

- Otros, sin embargo, son igualmente efectivos en blanco y negro y en color.

- Sin embargo, también hay motivos que es mejor no fotografiar en blanco y negro porque pierden color.

Corresponde al fotógrafo averiguar a qué categoría pertenece el sujeto que va a fotografiar. Si has decidido hacer fotos en blanco y negro, concéntrate en ello durante la sesión y ajusta la visualización de la imagen en consecuencia. Esto entrenará tu ojo y te ayudará a juzgar qué fotos de concierto funcionan realmente en blanco y negro y cuáles no.

Figura 6.15: Una de las pocas fotos que se ven igual de bien en blanco y negro y en color. En última instancia, el uso previsto (uso editorial en un periódico o revista musical, publicación en una página de fans, etc.) y tu gusto determinarán la variante que elijas. Nikon D800 con Nikkor 2.8/70-200mm con distancia focal de 125mm utilizada. 1/640 segundos, Blender 5,0, ISO 800.



(Fotografía © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)