Les particularités de la photographie de concert sont les suivantes :
• Restrictions légales : D'autres (organisateurs de concerts, musiciens et leurs managers) déterminent ce qui peut être photographié, quand et comment, ainsi que l'étendue des possibilités d'utilisation (publication des photos).
• Deux hobbies très plaisants (musique et photographie) se rejoignent pour former la photographie de concert, ce qui a énormément augmenté sa popularité.
• Peu de possibilités d'intervention active pour les photographes de concert.
• Perspectives largement préétablies, selon la structure de la salle de concert/scène et le statut d'accréditation.
• Des conditions d'éclairage changeantes et incontrôlables compliquent le contrôle de l'exposition pour les photographes.
• La lumière artificielle (par exemple, le flash) ne peut pas être utilisée.
• Des fenêtres de temps très courtes pour photographier (généralement seulement trois chansons ; parfois même plus courtes), ce qui fait que les photographes travaillent sous un stress énorme ; en même temps, cependant - tout comme les chasseurs ou les paparazzi - l'adrénaline monte en flèche.
Figure 3.1 : Avec le courage du désespoir : les photographes de concert ont peu de possibilités de conception, n'ont aucun contrôle sur l'éclairage (souvent difficile) et en général seulement trois chansons pour obtenir les prises nécessaires. Tout cela signifie du stress, et alors on peut même photographier "courageusement" en contre-jour ... Jan Delay en concert au Zeltfestival Ruhr, le 20 août 2010. Nikon D3S avec objectif 2,8/24-70mm-Nikkor, à une focale utilisée de 24mm. 1/2000 seconde, ouverture 3,5, ISO 1600.
(Photo © 2011 : Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Peu de possibilités d'intervention active disponibles
Pour moi, en tant que photographe publicitaire, habitué à tout faire pour planifier précisément et indépendamment du hasard le résultat photographique selon l'idée visuelle (selon mes propres exigences ou celles du client), la photographie de concert avec ses nombreuses incertitudes est non seulement un grand défi, mais aussi un changement par rapport au travail quotidien (contrôlé) en tant que photographe publicitaire.
En tant que photographe de concert, je NE PEUX PAS :
• … donner des instructions au chanteur sur scène (donner des indications de mise en scène) sur la meilleure façon de se positionner pour moi ; je ne peux pas donner de conseils sur quelle pose ou quel angle par rapport à la lumière serait le plus avantageux.
• … concevoir l'éclairage ou la scénographie selon mes propres idées.
• … faire répéter des poses ou des mouvements aux musiciens, par exemple, pour capturer des variations.
• … influencer la palette de couleurs des vêtements en harmonie avec les décors et l'éclairage.
• … éliminer les éléments perturbateurs (comme les pieds microphones ou les bouteilles d'eau ou les enceintes aux pieds des artistes) de la scène.
• … changer ma position de prise de vue à volonté.
• etc.
Figure 3.2 : Bien sûr, j'aurais aimé pouvoir crier aux gars de Culcha Candela (concert du 20 août 2011) : "OK, et maintenant veuillez vous positionner dans ma direction et me saluer !" ... Mais la connaissance de la réaction de la sécurité face à de telles tentatives perturbatrices m'a incité à garder le silence et j'ai donc simplement pris la photo de côté, ce qui n'était peut-être pas optimal mais était la seule option possible à ce moment-là. Nikon D3S avec objectif 4/24-120mm-Nikkor, à une focale utilisée de 78mm. 1/160 seconde, ouverture 4,0, ISO 3200.
(Photo © 2011 : Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Perspective(s) largement prédéfinie(s)
En tant que photographe de concerts, nous ne sommes pas autorisés - à quelques exceptions près - à nous déplacer librement devant ou à côté de la scène. Au contraire, lors de l'accréditation, on nous assigne certaines zones (comme la fosse). Il est déjà bon que nous puissions nous déplacer librement à l'intérieur de la fosse; cependant, cela est souvent fortement limité, nous obligeant à travailler dans des conditions sous-optimales et souvent très restreintes.
Étant donné que la plupart des photos sont inévitablement prises depuis la fosse, qui se trouve généralement juste devant la scène à une position abaissée, les "typiques" photos de concert donnent l'impression que les photographes étaient allongés sur le ventre devant les musiciens sur le sol.
Mais peut-être que cet effet est également souhaité, car les musiciens - même les plus petits d'entre eux - semblent toujours beaucoup plus grands et "plus héroïques" s'ils sont photographiés d'en bas, que ce qu'ils sont en réalité.
Pour que la qualité photographique ne soit pas altérée, il est important de veiller à ce que la distorsion résultante de la faible hauteur de la caméra (qui est particulièrement prononcée lors de l'utilisation d'objectifs grand-angle) ne soit pas trop visible. Les photographes professionnels reconnaissent immédiatement l'"étirement" des musiciens, qui semblent soudain avoir tous de longues jambes. Cependant, il est essentiel que les spectateurs "normaux" ne remarquent pas cet effet - ou du moins qu'il ne paraisse pas artificiel ou dérangeant.
Figure 3.4: Culcha Candela le 20 août 2011 : Ici aussi, nous les photographes étions directement devant la scène, dans la fosse, ce qui a inévitablement entraîné une perspective extrême d'en bas pour toutes les photos (avec l'effet de mettre en valeur les extrémités inférieures des musiciens, pour le plus grand plaisir du sponsor de chaussures). Nikon D3S avec objectif 4/24-120 mm-Nikkor, à une focale de 24mm. 1/500 seconde, ouverture 4,0, ISO 3200.
(Photo © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Le faible point de vue de la caméra depuis la fosse a aussi d'autres inconvénients : Bien trop souvent, des enceintes et des éléments de la scène bloquent notre vue sur le ou les musiciens (complètement). Ainsi, dans de rares cas seulement, nous pourrons capturer les pieds et les jambes entièrement sur la photo.
Figure 3.5: Sur cette photo, on peut clairement voir à quel point une telle distorsion, provoquée par le faible point de vue de la caméra et l'utilisation de l'objectif grand-angle, peut être extrême. Le pied gauche de l'artiste est représenté de manière surdimensionnée car il est très proche de la caméra. En revanche, le buste et la tête, très inclinés en arrière, semblent minuscules de manière peu naturelle sur la photo. Concert de Dick Brave le 26 août 2012 à Bochum/Witten. Nikon D4 avec objectif 2,8/14-24 mm-Nikkor, à une focale de 14mm. 1/200 seconde, ouverture 2,8, ISO 3200.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Étant donné que régulièrement des câbles, des enceintes et d'autres éléments de la scène se trouvent au bord de la scène, juste devant nos yeux, ces éléments apparaissent invariablement à plusieurs reprises sur les photos de concerts (en premier plan et avec l'utilisation d'un objectif grand-angle, malheureusement de manière disproportionnée). Si l'on ne veut pas photographier ces éléments gênants malgré une mauvaise visibilité sur les musiciens, les photographes de concerts n'ont d'autre choix que d'utiliser des objectifs à plus longue focale. Cependant, cela signifie alors que, du moins pour les musiciens proches de la scène, seuls des portraits au sens strict sont possibles.
Figure 3.6: Si l'on prend des portraits de très près et depuis la fosse (à un niveau plus bas), on doit accepter le fait que, en raison de la perspective, les narines de l'artiste (ici : Jan Delay lors du concert du 20 août 2010) ressortent particulièrement bien (mais involontairement !). Pour éviter cela, il est recommandé de ne pas photographier le musicien se tenant immédiatement devant (ou au-dessus de) vous sur le bord de la scène, mais d'utiliser des objectifs téléobjectifs ou de portrait pour les musiciens plus éloignés (car l'angle n'est pas aussi prononcé). Cette méthode peut sembler un peu étrange pour les spectateurs de la scène (lorsque les photographes photographient en croisé les musiciens plus éloignés) - mais d'un point de vue photographique, elle est tout à fait logique ! Nikon D3S avec objectif 2,8/24-70 mm-Nikkor à une focale de 56mm. 1/1250 seconde, ouverture 3,5, ISO 5000.
(Photo © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figure 3.7: Une photo de concert "typique" : Le guitariste des H-Blockx a de "longues jambes" sur cette photo (prise le 31 août 2010 au ZFR à Bochum), due à la faible distance, à l'utilisation du grand angle et à l'inclinaison de l'appareil photo vers le haut (en raison de mon point de vue plus bas). Au premier plan, on peut voir la technologie de scène, qui dans ce cas n'était pas assez grande pour me bloquer la vue. Nikon D3S avec objectif 2,8/24-70 mm-Nikkor, à une focale de 24mm. 1/500 seconde, ouverture 2,8, ISO 5000.
(Photo © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
C'est encore pire pour nous les photographes lorsque nous sommes assignés à un point par la sécurité que nous ne pouvons absolument pas quitter. Nous sommes alors contraints de prendre toutes les photos de cet endroit - que ce soit adapté ou non. Une perspective cauchemardesque pour tout photographe créatif ; mais il ne reste alors rien d'autre à faire que de tirer le meilleur parti de la situation (admettons-le, mauvaise).
Cependant, même dans d'autres domaines de la photographie, les conditions ne sont pas toujours optimales. Il faut simplement essayer de prendre des photos spéciales avec les moyens dont on dispose. En tant que photographe professionnel, j'ai rapidement appris à être flexible. Dans de tels cas, il ne faut alors pas désespérer, mais plutôt essayer d'utiliser ses compétences malgré toutes les difficultés.
J'ai capturé le guitariste de BAP lors du concert du 24 août 2011. Pour détacher la tête de l'individu de l'arrière-plan (souvent agité), j'aime photographier avec une ouverture presque maximale. Mon objectif préféré pour cela (avec une distance focale idéale pour les portraits lorsque l'on se trouve dans la fosse juste devant la scène) est le Nikkor 1,4/85 mm. La plupart du temps, j'ouvre légèrement l'objectif (d'environ 1 diaphragme; ici c'était 1+1/3 diaphragmes) pour obtenir une meilleure netteté (par rapport à l'ouverture complètement maximale). Nikon D3S avec Nikkor 1,4/85 mm. 1/250 seconde, ouverture 2,2, ISO 1250.
(Photo © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Situation d'éclairage changeante et incontrôlable
Une autre condition cadre qui rend la photographie de concerts toujours captivante (et un peu aléatoire) est la situation d'éclairage changeante. Selon le style de musique et la chorégraphie, on peut s'attendre à des changements d'éclairage extrêmement rapides.
Il arrive souvent que la lumière change pendant le bref laps de temps où le photographe est sur le point d'appuyer sur le déclencheur avec son doigt, entre le moment où il décide de le faire et la véritable exposition. Ces fractions de seconde peuvent entraîner un résultat très différent de celui prévu, car la lumière a déjà changé.
Figure 3.9: Wir sind Helden le 25 août 2011. Ces deux photos ont été prises en l'espace d'une seconde - et pourtant, l'éclairage est complètement différent. Les photographes de concert doivent donc réagir rapidement, et parfois une bonne dose de chance intervient également, car il est très rare de pouvoir anticiper les changements de lumière (moment et type d'éclairage). Nikon D3S avec Nikkor 1,4/85 mm. 1/320 seconde, ouverture 4, ISO 2000.
(Photo © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Comme cela a été expliqué précédemment, on comprend pourquoi les photographes de concerts préfèrent les appareils photo ayant une déclenchement le plus court possible. (Le temps de déclenchement du Nikon D4 que j'utilise, par exemple, est de 42 millisecondes, soit 0,042 seconde).
Il faut comprendre que l'éclairage efficace qui rend les photos de concerts si captivantes est principalement composé de contre-jour! En combinaison avec le brouillard, cela crée des effets lumineux spectaculaires en arrière-plan de la scène.
Le brouillard est nécessaire car la lumière seule ne serait pas visible. S'il n'y avait pas de particules de brouillard ou de poussière dans l'air, on ne verrait que les lampes - mais pas les rayons lumineux si photogéniques.
Figure 3.10: RUNRIG lors de leur concert le 29 août 2012 à Bochum. En raison des particules de poussière et de brouillard dans l'air, les rayons lumineux des projecteurs sont clairement visibles. En revanche, si l'on ne voyait que les projecteurs (c'est-à-dire l'origine des rayons lumineux), l'éclairage serait relativement peu intéressant.
C'est pourquoi la machine à brouillard est un élément indispensable du spectacle lumineux! Juste une fraction de seconde plus tôt, le guitariste Donnie Munro était encore suffisamment éclairé depuis l'avant par un projecteur; mais au moment où j'ai appuyé sur le déclencheur de mon D4, il était déjà éteint - et comme dans un découpage, seule la silhouette du chanteur était visible. Cependant, j'ai aimé cette photo grâce à l'éclairage coloré et spectaculaire, je ne l'ai donc pas écartée. Nikon D4 avec Nikkor 2,8/14-24 mm, avec une distance focale de 19 mm. 1/80 seconde, ouverture 2,8, ISO 2500.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Remarque
Même si le contre-jour comporte toujours le risque que des rayons lumineux entrent directement dans l'objectif (il est donc fortement recommandé d'utiliser un pare-soleil), les problèmes d'exposition proviennent principalement de la vitesse à laquelle le spectacle lumineux change. Même les situations d'éclairage difficiles peuvent être résolues photographiquement pour obtenir de bonnes photos. Cependant, cela devient difficile lorsque la situation lumineuse évolue rapidement et constamment. Alors, il n'y a plus de temps pour réfléchir; le photographe doit agir de manière intuitive, de sorte que les photos réussies dépendent aussi un peu du hasard (de la chance)!
Figure 3.11: Ici, le « rocker paniqué » Udo Lindenberg a été parfaitement capturé lors du concert à Berlin le 15 octobre 2008 - avec une « auréole ». En plus de réagir rapidement en appuyant sur le déclencheur au bon moment, une bonne dose de chance est également nécessaire, car il est bien connu parmi les photographes de concerts que les situations d'éclairage changent généralement plus rapidement qu'on ne le pense. Dans cette situation, la position basse du photographe était exceptionnellement avantageuse, car depuis plus loin ou d'une hauteur plus élevée, cet effet d'« auréole » n'aurait pas été aussi bien mis en valeur.
(Photo © 2008: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Il serait préférable que l'éclairage des musiciens et de la scène soit coordonné avec les photographes - mais ce sont des rêves irréalisables, sauf peut-être pour des photos publicitaires commandées par le groupe. Nous, les photographes de concerts, sommes donc passivement condamnés à accepter le spectacle lumineux tel que conçu par d'autres (éclairagistes et chorégraphes). Pour ceux qui ont du mal avec des changements d'éclairage rapides, il est conseillé de commencer par pratiquer lors de concerts où il y a moins d'agitation du point de vue de l'éclairage. Dans les concerts classiques, les chansons et la musique de variété, etc., on peut attendre peu de changements lumineux rapides, tout comme lors de concerts dans de petits pubs musicaux, où les moyens financiers font défaut pour des technologies d'éclairage sophistiquées.
Figure 3.12: Wir sind Helden le 25 août 2011 lors du Zeltfestival Ruhr à Bochum/Witten au lac de retenue de Kemnade. Lors de ce concert, tous les photographes ont maudit les étranges « lampes de cuisine » qui projetaient une lumière blanche éclatante directement sur les acteurs comme la chanteuse et leader Judith Holofernes, il était presque impossible d'obtenir des portraits agréables des membres du groupe. Les contrastes obtenus étaient trop forts : une lumière (également désavantageuse pour les musiciens !) très peu flatteuse ! J'ai utilisé l'objectif fisheye pour prendre une vue d'ensemble de toute la scène, en me tenant directement devant la scène dans la fosse. Sur cette photo, on peut clairement voir tous les éléments qui se trouvent souvent - comme ici - sur la scène : des bouteilles d'eau pour le groupe, des rallonges électriques, des « tricheries » avec le programme des chansons, des prises électriques, des haut-parleurs et d'autres équipements de scène. Nikon D3S avec 2,8/10,5-mm-Nikkor. 1/200 seconde, ouverture 4, ISO 2000.
(Photo © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Photos teintées en raison de l'éclairage scénique
Les teintes de la couleur du ou des projecteurs dominants sont en fait un effet souhaité pour les photos de concert. Imaginez qu'un concert utilise exclusivement la lumière blanche : les résultats des photos seraient ennuyeux. La lumière colorée joue donc un rôle non négligeable pour l'ambiance des fêtes et des concerts, et du point de vue photographique, la lumière colorée est bien plus intéressante – du moins dans ce contexte.
Figure 3.13: Celine Dion lors du concert à Berlin le 12 juin 2008. Avec une lumière blanche naturelle, les photos de concert paraissent beaucoup moins spectaculaires - même lorsque c'est une star mondiale qui est sur scène. (Photo © 2008: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Parfois cependant, la teinte résultante - en particulier sur le visage des musiciens - peut être trop prononcée et paraître laide ou gênante pour le spectateur. Rappelez-vous : Nous ne pouvons pas simplement "éliminer" une teinte.
Il est intéressant de voir à quel point les couleurs ont un impact différent :
• teinte verte : a généralement un effet peu flatteur, car le musicien donne une impression de "maladie" (le jaune a un effet similaire).
• teinte bleue : le bleu donne une impression de fraîcheur ; parfois, la peau éclairée semble un peu pâle.
• teinte rouge : donne une impression dynamique voire agressive ; convient bien au hard rock et au heavy metal ; en cas de forte teinte rouge, il est difficile de réduire l'effet en ajustant la saturation de la couleur, car la peau pâlit alors.
Figure 3.14: Sunrise Avenue le 27 août 2012. Sur cette photo, j'ai atténué légèrement la teinte verte lors du post-traitement dans Photoshop, de sorte qu'elle ne soit plus aussi gênante. Autrement, la lumière verte est similaire au jaune - elle n'est pas idéale pour l'éclairage direct des différents musiciens. La peau semble malade très rapidement. Nikon D4 avec objectif Nikkor 1,4/85 mm. 1/800 seconde, ouverture 2,5, ISO 2500.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figure 3.15: Sunrise Avenue le 27 août 2012. Ici aussi, j'ai atténué un peu la teinte bleue dans Photoshop en ajustant la saturation, de sorte que les tons de peau de l'artiste ne semblent pas aussi artificiels et pâles. Nikon D4 avec objectif Nikkor 1,4/85 mm. 1/1000 seconde, ouverture 2,2, ISO 3200.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figure 3.16: Tim Bendzko le 24 août 2012 à Bochum. J'ai pu atténuer légèrement la teinte rouge ; je n'ai pas réussi à l'éliminer complètement, car en réduisant la saturation du rouge, la peau devient très facilement pâle, car les tons de la peau contiennent en grande partie du rouge. Nikon D4 avec objectif Nikkor 1,4/85 mm. 1/200 seconde, ouverture 2,2, ISO 2.000.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusion sur le sujet
Les teintes dans les photos de concert sont souhaitées ; elles rendent les photos spectaculaires. Cependant, dans le cas des portraits, la teinte peut également être gênante, en particulier si elle déforme le visage de l'artiste. Une méthode pour atténuer cet effet consiste à réduire la saturation de la couleur correspondante lors du post-traitement. Il est important de le faire de manière très légère, car une réduction trop importante peut rendre le visage pâle et peu naturel.
Figure 3.17: Une autre méthode pour éliminer une teinte non désirée sur le visage de l'artiste est de convertir toute la photo en noir et blanc (ou en sépia approprié). Cette méthode peut sembler un peu "brutale" au premier abord, mais les photos en noir et blanc restent toujours appréciées.
Il suffit simplement de voir comment la photo correspondante fonctionne en noir et blanc, car toutes ne paraissent pas aussi bien (voire mieux) lorsque les couleurs sont retirées. La photo montre Milow lors du concert le 1er septembre 2011. Nikon D3S avec objectif Nikkor 1,4/85 mm. 1/160 seconde, ouverture 2,2, ISO 1250.
(Photo © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Sans flash
Une autre particularité de la photographie de concert est l'interdiction d'utiliser un éclairage propre. Ici, cela concerne en particulier le flash intégré aux appareils photo des photographes. Il existe plusieurs raisons à cela :
• L'utilisation de l'éclairage propre des photographes (comme le flash intégré) modifierait l'ambiance lumineuse (approuvée par les musiciens) : les photos ne rendraient pas correctement l'éclairage de la scène. Bien sûr, il est possible d'utiliser discrètement le flash pour éclairer légèrement l'artiste au premier plan. Cependant, les musiciens et leur management ne peuvent pas partir du principe que tous les photographes maîtrisent aussi bien leur éclairage.
• Lorsque l'on est sur scène et peut-être un peu nerveux à cause de la performance, l'éclat du flash qui se produirait si les photographes étaient autorisés à utiliser leur propre flash pourrait être très perturbant pour les musiciens.
• Si un flash puissant était utilisé directement dans les yeux des musiciens, ces derniers pourraient être éblouis et ne plus pouvoir discerner correctement des détails importants, tels que les programmes collés au sol de la scène, ce qui pourrait perturber ou interrompre le concert.
• La sécurité pourrait également être dérangée, car elle a entre autres pour mission de repérer rapidement les perturbations dans le public, d'extraire les personnes évanouies de la foule et d'empêcher la panique. Cela deviendrait plus difficile si des éclairs incessants provenaient de la fosse des journalistes.
• Enfin, le public pourrait également être dérangé. Après tout, les flashs constants provenant de la fosse des journalistes détournent inutilement l'attention du véritable spectacle (qui, du point de vue du public, se déroule sur scène, derrière eux).
Figure 3.18: La mise en œuvre discrète d'un flash aurait également atténué la teinte bleue sur le visage de Bushido (ici lors de son concert à Berlin le 28 septembre 2006) et aurait mieux mis en valeur son visage. En utilisant habilement le flash système avec une puissance réduite, l'ambiance lumineuse des photos de concert n'est pas altérée, et la gêne pour les artistes (en raison de l'éblouissement) est alors minime et négligeable. Cependant, l'industrie ne souhaite pas compter uniquement sur des photographes expérimentés pour prendre des photos de concert ; il y a toujours suffisamment de personnes qui obtiennent une accréditation mais ne savent pas utiliser correctement leur équipement photo et perturberaient vraiment les musiciens avec un feu d'artifice de flashs.
(Photo © 2006: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Conclusion
Même si d'autres solutions (par exemple un simple "flash de remplissage") seraient théoriquement possibles, en raison de la praticité, il n'est pas prévu qu'à l'avenir les photographes de concert puissent apporter et utiliser leurs propres sources lumineuses (principalement des flashes système) lors des événements. Il ne nous reste donc rien d'autre à faire que de tirer le meilleur parti de chaque situation (lumineuse). Comme déjà souligné : les photographes doivent être flexibles s'ils veulent réussir sur le marché.
Figure 3.19: Runrig le 29 août 2012. Si j'avais pu, j'aurais éclairci le visage du guitariste ici. Comme cela n'était pas possible, j'ai simplement mis l'accent sur la guitare et augmenté les contrastes lors du post-traitement dans Photoshop. Nikon D4 avec Nikkor 1,8/85mm. 1/500 seconde, ouverture 2,2, ISO 2500.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Trois chansons ?
En tant que photographe publicitaire, je refuse les missions fixées par le client à moins de quatre heures. Premièrement, parce que je ne peux pas être assez créatif sous pression. Et deuxièmement, parce que c'est seulement la photographie de variations qui garantit la création de photos exceptionnelles. Mais pour cela, j'ai besoin de suffisamment de temps !
Il y a certainement d'autres raisons pour lesquelles une durée de photographie minimale de quatre heures devrait être prévue (par exemple, l'impossibilité de tout planifier parfaitement jusqu'au moindre détail). Mais ces deux raisons mentionnées ci-dessus suffisent à comprendre que des photos exceptionnelles ne sont pas le fruit de la "magie", mais du travail acharné.
À mes débuts en tant que photographe de concert, j'étais assez choqué de devoir travailler dans des conditions aussi hostiles. Après tout, pensais-je naïvement à l'époque, les artistes (ainsi que leur management et les organisateurs de concerts) devraient également avoir intérêt à ce que des photos de concert de première classe soient prises lors des concerts. Seules des photos de première classe - pensais-je alors - sont également une publicité pour l'événement respectif.
J'ai maintenant appris que nous, les photographes "visuellement orientés", accordons davantage d'importance à d'autres aspects et évaluons les choses différemment que le camp des musiciens (et de tous ceux qui travaillent avec eux) : de leur point de vue, l'acoustique est peut-être plus importante que des photos artistiquement exigeantes. Le fait que nous, les photographes, voyons les choses différemment, est évident.
De plus, à un moment donné, certaines superstars (et aussi les étoiles montantes de la musique pop, telles que Britney Spears) ont commencé, probablement par vanité, à imposer de plus en plus de règles aux photographes. Par exemple, que les photos ne pouvaient être prises que d'un endroit spécifique à l'intérieur de la fosse, afin de montrer uniquement le "côté chocolaté" de l'artiste.
Et à un moment donné, cela a même conduit à limiter l'autorisation de photographie aux trois premières chansons de chaque concert. Derrière cela se cache probablement la tentative de présenter les artistes frais et sans perles de sueur sur le front (et surtout sans taches de sueur sous les aisselles). (Après tout, pour certains musiciens, l'image est souvent plus importante que la musique elle-même).
Une autre raison de limiter la durée de la photographie aux trois premières chansons (souvent) peut être de tenter d'empêcher les photographes de s'accréditer pour assister gratuitement au concert. (Si des intérêts personnels sont à l'origine de la demande d'accréditation en tant que photographe).
Figure 3.20: Lorsque vous n'avez que le temps de photographier trois chansons lors d'un concert, vous apprenez à travailler rapidement et efficacement. Pourtant, il arrive souvent que les meilleures scènes ne soient pas du tout photographiées, car les artistes ont également besoin d'un peu de temps pour se mettre en condition. Avec Dick Brave (alias Sasha), ici le 26 août 2012 avec son groupe The Backbeats au Zeltfestival Ruhr, le spectacle commence dès la première chanson. Cela signifie pour les photographes : des poses machistes rockabilly garanties dès le départ ! Nikon D4 avec Nikkor 1,8/85mm. 1/320 seconde, ouverture 2,5, ISO 2500.
(Photo © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusion définitive
Lorsque vous n'avez que la durée de trois chansons pour photographier lors d'un concert, c'est une grande limitation des possibilités photographiques - mais aussi un défi majeur ! Finalement, la photographie de concert est devenue ce qu'elle est aujourd'hui principalement en raison de cette limitation : les photographes sont déjà pris de trac à l'avance. Nerveusement, les paramètres de la caméra sont vérifiés pour la dixième fois. La carte mémoire insérée est formatée pour la quatrième fois et l'existence des cartes mémoire de rechange dans le sac photo est vérifiée pour la cinquième fois - même si en raison de la courte durée de prise d'images, aucun photographe ne se retrouve jamais dans la situation de devoir changer la carte mémoire (pleine). (Le temps est trop court pour remplir de manière significative une carte mémoire de 8 ou 16 gigaoctets).
Cette fièvre de la lampe ou de la chasse fait tout simplement partie de la photographie de concert. Les photographes sont conscients du temps limité qui leur est accordé, et ils se demandent avec anxiété s'ils parviendront à ramener suffisamment de belles photos chez eux. Dans aucun autre domaine de la photographie je n'ai vu les photographes vérifier avec autant d'attention les photos (encore dans l'appareil photo, sur l'écran) après l'événement ; nulle part ailleurs la joie des résultats réussis ne s'exprime aussi bruyamment que dans la photographie de concert, et nulle part ailleurs, la satisfaction des bons résultats n'est aussi triomphalement manifestée, lorsque le photographe est satisfait de lui-même et des photos.
Figure 3.21: ich & ich le 1er septembre 2010. Le leader Adel Tawil (désormais surtout en solo) offre déjà un spectacle en solo formidable dès les trois premières chansons (le deuxième "ich", Annette Humpe, n'apparaît pas lors des concerts). Pourtant, les photographes auraient aimé rester plus longtemps - mais il y a à peine de murmures lorsque la sécurité les ramène hors de la fosse après seulement trois chansons. Nikon D3S avec 2,8/24-70-mm-Nikkor, à une distance focale de 24mm utilisée. 1/1250 seconde, ouverture 3,2, ISO 3200.
(Photo © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
