Ecco un'anteprima dei singoli capitoli:
Parte 01 - "Professione da sogno" fotografo di concerti?
Parte 02 - Questioni legali
Parte 03 - Particolarità della fotografia di concerti
Parte 04 - Il comportamento nella "trincea"
Parte 05 - L'attrezzatura essenziale per i fotografi di concerti
Parte 06 - Suggerimenti e trucchi dei professionisti della (fotografia di concerti)
Parte 07 - Composizione dell'immagine (Parte 1)
Parte 08 - Composizione dell'immagine (Parte 2)
Parte 09 - Impostazioni consigliate della fotocamera
Parte 10 - Elaborazione successiva
Figura 6.1: Chi desidera scattare foto di concerti suggestive e straordinarie ha bisogno, oltre a un'attrezzatura fotografica adeguata, anche di un po' di esperienza, o almeno di alcuni buoni consigli da fotografi esperti. Naturalmente, anche un po' di fortuna gioca un ruolo. Tuttavia, c'è un proverbio che dice: "La fortuna aiuta gli audaci!" Perciò non dovreste fare affidamento solo sulla vostra fortuna, altrimenti porterete raramente a casa foto particolari da un concerto. Qui il fotografo Sven Darmer è riuscito a fotografare il cantante dei Depeche Mode, Dave Gahan, davanti a un suggestivo sfondo scenico (concerto del 9 giugno 2013 allo Stadio Olimpico di Berlino). Canon EOS-1D X con EF 2,8/70-200mm a 142mm di focale. 1/250 secondo, diaframma 7,1, ISO 3.200.
(Foto © 2013: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
6.1 Metodi di misurazione dell'esposizione appropriati
I seguenti metodi di misurazione dell'esposizione sono possibili con la maggior parte delle fotocamere moderne:
• Misurazione integrale (a centro ponderato)
• Misurazione spot
• Misurazione a matrice
Figura 6.2: Musicisti, come tutti gli artisti, sono spesso vestiti interamente di nero, circostanza che non rende facile la misurazione dell'esposizione per noi fotografi. Se il musicista mantiene la stessa posizione per un po' di tempo, talvolta può essere sensato utilizzare la misurazione spot.
In questo caso si punta il volto dell'artista per determinare un valore che sia indipendente dalla retroilluminazione delle luci sul palcoscenico. In questo modo si ottiene che la persona sia ben rappresentata e riconoscibile nelle foto. Nikon D800 con 2,8/70-200mm-Nikkor a 120mm di focale. 1/1000 secondo, diaframma 5,6, ISO 1000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Nella misurazione integrale sono considerati i singoli valori di luminosità dell'intero campo visivo. È ideale ad esempio per tipiche foto di vacanza o scatti di gruppi numerosi in condizioni di luce normali (senza contrasti eccessivi). Nella variante della misurazione integrale a centro ponderato, l'area al centro dell'immagine è pesata maggiormente rispetto alle aree periferiche (nella Nikon D4 è un cerchio al centro dell'immagine con un diametro di 12mm, pesato al 75%).
I progettisti delle fotocamere suppongono che le parti importanti dell'immagine siano solitamente al centro (ad esempio negli scatti di gruppo).
Figura 6.3: Peter Maffay durante il concerto alla Waldbühne di Berlino (il 28 maggio 2011). Quando il soggetto è composto da parti uguali di tonalità scura (come la cinghia della chitarra, i pantaloni) e chiare (come parti del corpo della chitarra) e il resto da parti neutre-chiare (come lo sfondo grigio), la misurazione integrale è il metodo migliore per ottenere buoni risultati. (Qui è stata utilizzata la misurazione integrale a centro ponderato). Canon EOS-1D Mark IV con EF 2,8/70-200mm a 165mm di focale. 1/250 secondo, diaframma 4,5, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
La misurazione spot è un metodo di misurazione dell'esposizione per fotografi esperti; risultati validi vengono ottenuti solo con un utilizzo esperto. Con la misurazione spot si usa una piccola parte del campo visivo (di solito al centro) per misurare specificamente la luminosità di una piccola parte del soggetto. Questa è quella parte che si ritiene sia più importante e che deve essere assolutamente ben esposta. Nella fotografia di concerti, questa parte spesso è il volto del cantante/musicista. Tuttavia, alcuni punti complicano la vita agli utenti: innanzitutto le dimensioni del campo di misurazione, che nella mia Nikon D4 ad esempio è un cerchio con un diametro di 4mm (circa l'1,5% dell'intero campo visivo).
In secondo luogo, è necessario che la parte del soggetto che viene misurata presenti una riflessione della luminosità simile al 18% di grigio. Questo perché la misurazione dell'esposizione delle fotocamere è basata su questa scala; la riflessione del 18% di grigio è il valore di riferimento, e se la parte del soggetto misurata riflette la luce in modo diverso dal grigio al 18%, l'esposizione risulterà errata. Quindi solo i soggetti in cui la parte misurata riflette la luce come un grigio al 18% sono adatti alla misurazione spot. (Tenere davanti al volto del cantante una carta grigia di riferimento per ottenere una corretta esposizione, durante il concerto, credo sia piuttosto impraticabile...) Ciò che talvolta confonde alcuni fotografi è che la misurazione dell'esposizione avviene spesso al centro del campo di messa a fuoco attivo.
Questo potrebbe portare a equivoci sul fatto che le due funzioni possano essere "collegate". Tuttavia, dal punto di vista del controllo delle fotocamere e della logica, la misurazione dell'esposizione e l'autofocus non hanno nulla in comune. La misurazione dell'esposizione serve per creare un'immagine che non sia troppo chiara né troppo scura (a meno che non si scelga di fare foto ad alto o basso chiave). L'autofocus, d'altro canto, serve per ottenere una foto correttamente messa a fuoco.
Figura 6.4: Un soggetto (con molte aree scure) che è adatto per determinare, tramite la misurazione spot, la giusta combinazione di tempo di scatto, diaframma e sensibilità ISO per ottenere una foto correttamente esposta. È importante, quando si utilizza la misurazione spot, che ci sia una illuminazione costante (ad esempio: luce naturale) per un periodo sufficientemente lungo, durante il quale si ha il tempo per effettuare la misurazione dell'esposizione.
Anche il musicista sul palco non deve muoversi troppo rapidamente affinché sia possibile effettuare la misurazione dell'esposizione. A causa dello sfondo scuro e dell'abbigliamento nero del musicista, un altro metodo di misurazione dell'esposizione avrebbe portato a un risultato sovraesposto, con l'abbigliamento che sembrerebbe grigio e il volto troppo luminoso. (A meno che non si fosse scelto la misurazione integrale o la matriciale insieme alla correzione dell'esposizione manuale, nota anche come correzione +/-). Nikon D800 con 2,8/70-200mm-Nikkor a 175mm di focale. 1/640 secondo, diaframma 4,0, ISO 1.000.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Nel metodo di misurazione a multi-zona (anche chiamato misurazione matriciale), l'immagine è divisa in diverse zone (ad esempio cinque: una zona al centro e le quattro zone angolari adiacenti). Ogni zona viene misurata (automaticamente) dalla fotocamera e da essa viene calcolata una media.
Questo metodo di misurazione dell'esposizione è consigliato quando si desidera fotografare soggetti ad alto contrasto. L'idea è che tutte le parti dell'immagine dovrebbero essere considerate e dovrebbe essere determinata una combinazione di tempo-diaframma-ISO che possa essere vista come un compromesso tra tutte le aree (in modo da evitare sovraesposizioni bianche nell'immagine o nere senza dettagli).
Anche se ci sono sviluppi di questo metodo di misurazione dell'esposizione da parte dei produttori (come ad esempio la misurazione Color-Matrix, che considera anche i colori della scena nella determinazione della luminosità; o la misurazione 3D-Color-Matrix, che tiene conto anche delle distanze delle aree della scena durante il calcolo), tutte le modalità di misurazione dell'esposizione soffrono sempre di un dilemma:
Se i contrasti di luminosità nella scena sono troppo elevati (= ampia gamma di contrasto), è impossibile ottenere una foto correttamente esposta con un'unica ripresa. In questo caso infatti, il range di contrasto nella scena è maggiore della gamma dinamica della fotocamera, quindi inevitabilmente compaiono zone nell'immagine che sono nere senza dettagli o sovraesposte di bianco. La soluzione sarebbe l'HDR; tuttavia, questo è totalmente inadatto per la fotografia di concerti a causa del divieto dei treppiedi nella fossa e dei movimenti dei musicisti sul palco.
Figura 6.5: Le condizioni di illuminazione non facili da gestire sono la norma nella fotografia di concerti, almeno nei concerti rock e pop. In particolare, quando un faro colpisce l'obiettivo come controluce (creando un'atmosfera), può accadere che le persone (cantanti/ballerini) sul palco risultino troppo scure nella foto. Tuttavia, la possibile sottoesposizione causata dal controluce potrebbe bilanciarsi in certe circostanze, ad esempio come in questa foto in cui l'abbigliamento scuro (prevalentemente nero) del gruppo musicale compensa nella misurazione dell'esposizione. In tal modo, i due estremi (controluce da un lato; abiti scuri degli interpreti dall'altro) si bilanciano. Il risultato è una foto di concerto suggestiva, in cui i volti dei cantanti sono ancora sufficientemente ben visibili. US5 in concerto il 24 novembre 2007 a Berlino.
(Foto © 2007: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Alla fine, quindi, il fotografo deve decidere quale parte (importante nell'immagine) del soggetto deve essere esposta correttamente. È del tutto irrilevante se utilizza il metodo di misurazione Spot, Integrale o a multi-zona. È decisivo che, con il metodo utilizzato, ottenga il risultato desiderato.
Nota: Questo "shift" (modifica manuale da parte del fotografo della combinazione di parametri suggerita dalla fotocamera di tempo, diaframma e ISO mantenendo costante la luminosità dell'immagine) orientato alle esigenze del soggetto è così rilevante per la pratica fotografica che molti produttori di fotocamere hanno inserito questa funzione sulla ghiera delle funzioni (Nikon: che è azionata con il pollice destro). In questo modo il fotografo può intervenire rapidamente e scegliere la combinazione di esposizione ritenuta più corretta.
Spesso il fotografo preferisce scattare con un diaframma più aperto (quindi apre il diaframma e compensa con un tempo di posa più breve o riducendo il valore ISO) oppure ha bisogno di un tempo di posa più breve, ad esempio perché i musicisti stanno eseguendo uno spettacolo ritmato e veloce, che richiede un tempo di posa breve (quindi abbrevia il tempo di posa e compensa aprendo il diaframma o aumentando la sensibilità ISO). Tuttavia, sono possibili anche casi in cui si desidera ampliare la profondità di campo, ad esempio perché si desidera che tutti i musicisti presenti sul palco siano nitidi in una foto o perché il fotografo necessita di una maggiore esposizione per rappresentare determinati effetti (ad esempio durante l'utilizzo di effetti pirotecnici nel concerto).
La combinazione di tempo-diagramma-ISO suggerita dalla fotocamera è solo una possibilità di esposizione corretta; combinando il tempo di posa, il diaframma e la sensibilità ISO, è possibile scegliere molte combinazioni diverse che portano tutte a una luminosità costante. Scegliete la combinazione che offre il risultato ottimale secondo la vostra visione per il soggetto da fotografare!
Figura 6.6: In questa foto, è importante evidenziare l'abilità artistica del chitarrista dei BAP (concerto del 24 agosto 2011). Ho scelto la combinazione di tempo-diagramma-ISO che consente di enfatizzare il contrasto nitidezza-sfocatura (quasi diaframma aperto). In questo modo ho potuto far risaltare il chitarrista, mentre lo sfondo è completamente sfocato. Così la foto sembra quasi una posa in studio artificiosa - ma raramente come uno scatto rapido da un concerto su un palco relativamente piccolo. Nikon D3S con Nikkor 1,4/85mm. 1/125 secondo, Diaframma 2,2, ISO 1.250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.2 Automatismo dell'esposizione contro controllo manuale
Molti fotografi (soprattutto principianti con grande ambizione) desiderano assolutamente scattare con impostazioni manuali della fotocamera. Con questo intendono rinunciare agli automatismi dell'esposizione e regolare manualmente tempo di scatto, apertura e sensibilità ISO.
Per diversi motivi ritengo che sia la strada sbagliata: in primo luogo, le variazioni nell'illuminazione (cosa abbastanza comune e variabile nella fotografia concertistica) possono far sì che dovremmo regolare costantemente la combinazione tempo-apertura-ISO. Tuttavia, non riusciamo sempre a percepire queste variazioni (anche se dotati di un occhio superbo e di un cervello potente); le sovraesposizioni sono inevitabili. In secondo luogo, è abbastanza - diciamo così: audace - quando i fotografi pensano di poter valutare così bene la luminosità del soggetto da regolare manualmente tempo, apertura e valore ISO. Il nostro occhio si abitua (molto rapidamente!) alle variazioni della luce, quindi non registriamo particolarmente le differenze; o solo quando sono molto grandi e improvvisi.
Nella modalità manuale, la prassi standard è quindi anche quella di basarsi sui valori proposti dalla fotocamera (-automatismi dell'esposizione). Questi a loro volta si basano sulla misurazione della fotocamera interna; il che significa semplicemente che la differenza tra l'impostazione manuale dei parametri tempo, apertura e ISO e la fotografia con uno dei tre (professionali) automatismi dell'esposizione (programma, diaframma e tempi automatici; è sconsigliato l'uso dell'automatico ISO!) consiste solo nel fatto che nel primo caso i valori sono impostati dal fotografo (ma secondo le indicazioni della fotocamera automatica) e nel secondo caso la fotocamera imposta automaticamente i parametri (perché è stato scelto un automatismo dell'esposizione).
Figura 6.7: Nei concerti classici (o anche nel jazz, country, folk, Schlager, ecc.) di solito non si devono aspettare variazioni di illuminazione marcatamente oscillanti. Inoltre, vengono utilizzati meno o addirittura nessun effetto di colore ("spettacolo luminoso"); i fotografi concertisti possono quindi contare su una luce costante, naturale (bianca), il che semplifica notevolmente il controllo dell'esposizione manuale. Qui, Montserrat Caballé è stata fotografata nel suo concerto nella Philharmonie di Berlino il 31 gennaio 2011. Canon EOS-1D Mark IV con EF 2,8/300mm. 1/160 di secondo, apertura 2,8, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Figura 6.8: RUNRIG il 29 agosto 2012. Quando l'illuminazione sui musicisti (per almeno "felice", ma indefinita durata) è costante, è possibile lavorare bene con l'impostazione manuale dell'esposizione. In tal caso, non importa se i faretti illuminano lo sfondo, poiché il primo piano, il musicista, rimane correttamente esposto.
(Tra queste due foto ho scattato altre 18 con la stessa impostazione di esposizione). Nikon D4 con 1,4/85-mm-Nikkor. 1/250 di secondo, apertura 2,5, ISO 2.500.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
Conclusione
Chiunque - per qualsiasi motivo - preferisca scattare manualmente, è ovviamente libero di farlo. Nella fotografia concertistica professionale, tuttavia, conta, come in altri settori della fotografia, solo il risultato. Perciò non bisogna preoccuparsi troppo del mezzo, ma piuttosto concentrarsi sul fatto che il risultato sia positivo. Il mezzo per arrivarci non importa. (Una foto non è migliore solo perché il fotografo ha lavorato con impostazioni manuali).
Chi sceglie l'impostazione manuale di tempo, apertura e sensibilità ISO, deve tenere presente che le variazioni delle condizioni luminose richiedono un'adeguamento delle impostazioni dei parametri di esposizione. Quindi, in tal caso, controllare sempre se le impostazioni di esposizione portano al risultato desiderato o se è necessaria una correzione.
6.3 Utilizzo della funzione di scatto continuo della fotocamera
In frazioni di secondo si accendono e si spengono i riflettori. A causa dei movimenti spesso rapidi dei musicisti sul palco, coprono una luce (contro-) o la fanno brillare nelle nostre lenti. Decimi di secondo decidono se l'artista, in una foto, sta sbattendo le palpebre o sta facendo una smorfia infelice (sgradevole).
La fotografia concertistica è fotografia d'azione, quindi è consigliabile impostare la fotocamera sulla velocità di scatto continuo. Tuttavia, non serve fare regolarmente una dozzina di foto quasi identiche una dietro l'altra; è invece consigliabile che durante lo scatto vengano sparati sempre 2-4 brevi "scariche". In questo modo il fotografo può fotografare in modo mirato e ponderato i soggetti e tuttavia evita il rischio che a causa di un breve istante la foto in questione diventi inutilizzabile (ad esempio, perché in una frazione di secondo un riflettore illumina direttamente e quindi in modo fastidioso la fotocamera).
Figura 6.9: Molti rockstar hanno pose tipiche. Se si riesce a catturarle, questo favorisce notevolmente la vendita della foto. Billy Idol (qui il 27 novembre 2005 a Berlino) è ovviamente un professionista a tutto tondo e anche un maestro dell'autopresentazione. L'impostazione di scatto in serie sulla fotocamera aiuta a selezionare il risultato ottimale da foto simili. Quello in cui la posa si adatta perfettamente, il framing e l'esposizione sono corretti, e anche i molti dettagli (posizione dei riflettori, espressione facciale, persone e attrezzatura sullo sfondo, ecc.) armonizzano in modo ideale.
(Foto © 2005: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
6.4 Piastratura - considerata criticamente
Il senso della piastratura non l'ho mai proprio capito. Mi sembra un po' come sparare ai passeri con i cannoni. E almeno nell'era digitale, dove noi fotografi scattiamo in formato RAW e modifichiamo leggermente tutte le nostre foto, la piastratura è superflua come un gozzo.
Figura 6.10: La piastratura ha senso solo se il fotografo è incerto su quale sia l'esposizione ottimale; cerca in questo modo, con più foto di esposizioni diverse, di ottenere almeno un risultato ben esposto. Tuttavia, la fotografia concertistica con le sue condizioni di illuminazione che cambiano rapidamente è solo in parte adatta all'uso della piastratura. Come già detto più volte, l'illuminazione degli attori sul palcoscenico cambia comunque costantemente e molto rapidamente. Pertanto, è possibile ottenere risultati completamente diversi anche con la stessa impostazione di esposizione. Se, oltre a questa incertezza basata sullo spettacolo luminoso, si aggiunge un'altra incertezza, ovvero il cambiamento delle impostazioni di esposizione durante una serie di scatti, si uniscono due fattori di rischio, rendendo così il risultato (ottimale) ancora meno prevedibile. Con la piastratura ci si avventura su un terreno molto incerto, in modo che i risultati dipendano esclusivamente da fattori non prevedibili. Ad esempio: la sottoesposizione associata alla piastratura potrebbe verificarsi proprio nel momento in cui un faro splende direttamente nell'obiettivo del fotografo e quindi già risulterebbe in una sottoesposizione? (Foto © 2013: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
A mio parere, è molto più sensato concentrarsi sull'impostazione corretta probabilmente della fotocamera piuttosto che fotografare varianti di esposizione. Anche se le impostazioni durante lo scatto non erano del tutto ottimali, grazie allo sviluppo RAW in Photoshop o Lightroom la foto può essere "salvata" nella maggior parte dei casi. Concentratevi quindi piuttosto su una composizione dell'immagine insolita, catturate scene fantastiche dello spettacolo, fotografate tutti i musicisti (anche se alcuni di loro sono ancora sconosciuti). E per controllare le impostazioni di esposizione, basta dare un'occhiata breve al display della fotocamera di tanto in tanto per individuare ed eliminare errori più grandi.
6.5 Utilizzare batterie completamente cariche
Non si sa mai... Fedeli a questo motto, dovreste sempre avere batterie completamente cariche nella fotocamera quando volete scattare foto di concerti. Naturalmente, spesso basta solo un sesto della capacità di una batteria potente, visto che è consentito fotografare solo durante le prime tre canzoni. Ma non si sa mai cosa possa succedere, se per caso improvvisamente la durata della sessione fotografica viene prolungata o se un musicista emergente deve essere promosso. E chi sa se non avrete l'opportunità di scattare altre foto anche prima o dopo il concerto durante un'intervista (o prima del soundcheck)? Quindi: caricate la batteria della fotocamera! (O portate con voi una batteria di ricambio carica).
Figura 6.11: "Questo è davvero da far drizzare i capelli!" Quando Woody Allen prende in mano il clarinetto sul palco (come qui nel concerto con la sua New Orleans Jazz Band il 22 marzo 2010 a Berlino), sono garantite foto di concerto espressive! Sarebbe davvero un peccato se si dovesse smettere di fotografare prematuramente perché la batteria aveva troppo poca capacità residua e nel frattempo si è completamente scaricata.
(Foto © 2010: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
6.6 Fotografare nel formato RAW
In molte aree della fotografia è del tutto superfluo scattare in formato RAW. JPEG è più che sufficiente in termini di qualità. Tuttavia, nella fotografia concertistica è davvero consigliabile fotografare in formato RAW, più che in qualsiasi altra area, poiché qui ci troviamo regolarmente di fronte a forti contrasti di luminosità. Zone bianche bruciate, dove i fari splendono direttamente nell'obiettivo, e zone più scure sullo sfondo del palco non sono una rarità. Anche i volti spesso scompaiono; o diventano troppo luminosi perché il riflettore è troppo forte rispetto alla nostra impostazione di esposizione, o i volti sono troppo scuri perché i riflettori in controluce hanno falsato la misurazione della nostra esposizione automatica.
Scattando in formato RAW, alcune impostazioni possono essere modificate successivamente senza problemi (ad esempio il bilanciamento del bianco) e l'esposizione può essere ottimizzata almeno di alcune stop.
Figura 6.12: ich & ich con il cantante Adel Tawil al microfono il 1 settembre 2010. Alla maggior parte dei concerti si possono aspettare contrasti di luminosità difficili o impossibili da gestire. È utile quindi fotografare in formato RAW, in modo da poter recuperare più tardi al computer dettagli sia dalle zone chiare sovraesposte che dalle zone scure sottoesposte. Nikon D3S con Nikkor 2,8/24-70mm a una distanza focale di 24mm. 1/1000 di secondo, apertura 3.2, ISO 3200.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann - www.jensbrueggemann.de)
6.7 Controllo foto regolare - con visualizzazione automatica (e a schermo intero) delle immagini
Il grande vantaggio della fotografia digitale è la possibilità di controllare immediatamente le immagini (sul display della fotocamera). Gli errori possono essere quindi rilevati immediatamente (e ovviamente corretti). Questo vantaggio si realizza solo se i fotografi effettuano effettivamente il controllo delle immagini. Soprattutto quando si fotografa sotto pressione durante un concerto, alcuni dimenticano questa necessità. O sono troppo frenetici e pensano che in quel momento possano fare a meno di esso. Ma è un errore. Non di rado ho visto fotografi uscire dalla fossa pieni di curiosità e rendersi conto che a causa di un'impostazione sbagliata non potevano portare a casa neanche una singola foto utile...
Abituatevi quindi a controllare regolarmente le immagini, meglio ogni 10-12 foto. Uno sguardo rapido e veloce al monitor della fotocamera è più che sufficiente. Per risparmiare tempo, attivate la riproduzione automatica delle immagini della fotocamera. Dopo ogni foto scattata, questa viene visualizzata sul display per alcuni secondi. Un breve tocco del pulsante di scatto della fotocamera fa scomparire immediatamente anche la foto.
Inoltre, è utile controllare periodicamente anche la messa a fuoco. Uno sguardo rapido non è sufficiente per questa verifica; in questo caso dovete zoomare nell'immagine. Tuttavia, questo controllo non è così frequente; una volta ogni canzone dovrebbe essere sufficiente. (A meno che non abbiate frequenti problemi con la messa a fuoco delle vostre foto; ma in tal caso verificherei prima di tutto la causa).
Figura 6.13: Quando i fotografi scattano con fervore e sotto pressione temporale durante il concerto (come qui con Tim Bendzko il 24 agosto 2012), può succedere che si dimentichi di fare una regolare verifica sul display della fotocamera per controllare le foto scattate in termini di messa a fuoco, corretta esposizione, composizione dell'immagine, ecc. E così accade spesso che i fotografi scattino per tutto il concerto con un'impostazione sbagliata (o non adatta) e si accorgano dell'errore solo dopo aver lasciato la prima fila del pubblico, quando è troppo tardi per correggere. Nikon D4 con obiettivo 2,8/14-24mm-Nikkor a 24mm. 1/80 secondo, apertura 3,5, ISO 3.200.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.8 Anche fotografare in bianco e nero
In realtà, la fotografia dei concerti vive principalmente dei molti colori vivaci (delle luci). Tuttavia, le foto in bianco e nero possono essere molto affascinanti. Raccomando di impostare la fotocamera direttamente in bianco e nero durante lo scatto. In questo modo è possibile valutare meglio l'effetto guardando il monitor. Se state fotografando in formato RAW, le informazioni sui colori non sono perse; potrete sempre "sviluppare" le foto a colori in seguito.
La fotografia in bianco e nero non è solo l'eliminazione del colore. Piuttosto, si tratta di vedere i soggetti in bianco e nero; il fotografo che possiede questa capacità sarà in grado di distinguere i soggetti adatti al bianco e nero e altri che non ne trarrebbero vantaggio, in cui manca solo il colore.
Figura 6.14: La particolare forza espressiva delle foto in bianco e nero (o, appartenenti alla stessa categoria, foto in seppia) conferisce alla fotografia in bianco e nero un carattere senza tempo; è ancora "in". Anche questo soggetto del chitarrista di BAP (concerto del 24 agosto 2011 nel contesto del Zeltfestival Ruhr a Bochum/Witten) non perde nulla a causa della riduzione; al contrario, acquista fascino ed effetto (nostalgico). Nikon D3S con obiettivo 1,4/85-mm-Nikkor. 1/160 secondo, apertura 2,5, ISO 1.250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Nota
• Alcuni soggetti richiedono letteralmente di essere fotografati in bianco e nero.
• Altri, al contrario, hanno lo stesso impatto sia in bianco e nero che a colori.
• Esistono anche soggetti che sarebbe meglio non fotografare in bianco e nero, poiché ne risulterebbero penalizzati.
È compito del fotografo capire a quale categoria appartiene il soggetto che si sta per fotografare. Se avete deciso di scattare foto in bianco e nero, concentratevi su questo già durante gli scatti e regolate la visualizzazione delle immagini di conseguenza. Questo allenamento del vostro occhio aiuta a valutare quali foto di concerto funzionano davvero in bianco e nero e quali no.
Figura 6.15: Una delle poche foto che hanno lo stesso effetto sia in bianco e nero che a colori. Alla fine, la scelta tra le due varianti è determinata dall'uso previsto (utilizzo editoriale su un giornale o una rivista musicale, pubblicazione su una pagina per i fan, ecc.) e dal vostro gusto. Nikon D800 con obiettivo 2,8/70-200mm-Nikkor a 125mm. 1/640 secondo, apertura 5,0, ISO 800.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
