各部の概要：
部01 - 「夢の職業」コンサートフォトグラファー？
部02 - 法的問題
部03 - コンサートフォトグラフィの特徴
部04 - 「パイト」での行動
部05 - コンサートフォトグラファーの有用な機材
部06 - （コンサートフォトグラフィの）プロのヒントとトリック
部07 - 画像デザイン（第1部）
部08 - 画像デザイン（第2部）
部09 - おすすめのカメラ設定
部10 - 後処理
図6.1：効果的で特別なコンサート写真を撮りたい人は、適切な写真機材だけでなく、少しの経験 - または少なくとも経験豊富なフォトグラファーからのいくつかの良いヒント - も必要です。もちろん、運も少し関係してきます。しかし、あることわざに従えば、努力をする人に幸運は訪れる！とも言います。その点を考えれば、幸運だけに頼るべきではなく、そうでないと特別な写真をコンサートから持ち帰ることはほとんどありません。この写真は、2013年6月9日にベルリンのオリンピアスタジアムで行われたコンサートで、フォトグラファーのスヴェン・ダーマーが「デペッシュ・モード」のデーヴ・ガーンを効果的なステージ背景の前で撮影しました。使用された機材：Canon EOS-1D X with EF 2,8/70-200mm、焦点距離142mm、シャッタースピード1/250、絞りf/7.1、ISO 3,200。
（写真 © 2013：DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de）
6.1 適切な露出測光方法
ほとんどのモダンカメラで可能な以下の露出測光方法：
• センターウェイト測光
• スポット測光
• マルチパターン測光
図6.2：芸術家はよく全身黒で着飾っています - これは写真家の露出測光を容易にしない要因です。ただし、芸術家が一定の位置を維持することができれば、スポット測光も有効に使用できることがあります。
その際には、芸術家の顔に焦点を合わせ、ステージ照明の逆光に影響されない値を取得できます。そうすることで、写真に人物をよく映し出し、認識できるようにすることができます。 Nikon D800 with 2,8/70-200-mm-Nikkor、焦点距離120mm、シャッタースピード1/1000、絞りf/5.6、ISO 1000.
（写真 © 2011：Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
センターウェイト測光では、全画像領域の輝度値が考慮されます。例えば、典型的な休暇写真や大きなグループの撮影などでは理想的です（強いコントラストがない場合）。センターウェイト測光のバリエーションであるセンターウェイト部分測光では、画像中央の領域が周辺部よりも強調されます（Nikon D4の場合、画像中心の直径12mmの円が75%の重みがかけられます）。
カメラの設計者は、画面中央に画像の主要部分が配置されることが一般的であると仮定しています（例：グループ写真など）。
図6.3：ピーター・マファイが2011年5月28日にベルリンの森の野外舞台で行ったコンサートで。多くの暗い領域から成るモチーフが、周囲の明るい領域（ここではギターのストラップ、ズボンなど）、中立的に明るい領域（ここではグレーの背景）に構成されている場合、センターウェイト測光法を使用すると最良の結果を得られます。（ここではセンターウェイト測光法が使用されました）。使用された機材：Canon EOS-1D Mark IV with EF 2,8/70-200mm、焦点距離165mm、シャッタースピード1/250、絞りf/4.5、ISO 1,000。
（写真 © 2011：DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de）
スポット測光は経験豊富なフォトグラファー向けの露出測光方法であり、正しい結果を得るためには熟練した操作が必要です。スポット測光では、画像領域の非常に小さな部分が（通常は中央に配置される）明るさを測定するために使用され、必ず正しく露出されるべき最も重要な部分です。コンサートフォトグラフィでは、これは歌手/ミュージシャンの顔である場合が多いです。ただし、次の点が多くのユーザーに困難をもたらしています：まず第一に、測光部のサイズが非常に小さいこと、たとえば私のNikon D4では中心に直径4mmの円（この円が画像全体の約1.5％に相当）しかないということです。
さらに、モチーフの測光部が明るさ的に約18％のグレーに等しい必要があります。なぜなら、ここがカメラの露出測光に調整されているため。18％のグレーの反射が基準値であり、モチーフの適切な部分がその反射と異なる場合、露出が間違ってしまいます。したがって、光が18％のグレーのように反射するモチーフのみが露出測光スポット測定の対象となります。（歌手の顔の前にリファレンスグレーカードを保持して正しい露出を見つけることは、コンサート中には実用的ではないと思いますが...）また、何人かのフォトグラファーにとって混乱を招くのは、露出測光がしばしばアクティブなフォーカス測定フィールドの中心で行われることが多いということです。
これは、露出測光とオートフォーカスが互いに「関連」している可能性があると混同されやすくなるためです。しかし、カメラの制御とロジックから見れば、露出測光とオートフォーカスには何の共通点もありません。露出測光は、明るすぎず暗すぎずの画像を生成するために必要です（High-KeyやLow-Key写真を選ばない限り）。一方、オートフォーカスは、正確にピントを合わせた写真を撮るために必要です。
図6.4：多くの暗い領域を持つモチーフを適切に撮影するための適切な組み合わせを見つけるためのスポット測光の使用。スポット測光を使用する際は、露出測光を行う十分な時間がある間、一定（ここでは日光）の照明が存在していることが重要です。
また、舞台上のアーティストが急いで動かないようにする必要があります。さもないと、他の露出測光方法を使用した場合、過剰に露出され、服が灰色に見えたり、顔が明るすぎてしまう可能性があります。（もちろん、IntegralmessungまたはMatrixmessungを使用し、マニュアル露出補正（Plus-Minus補正とも呼ばれます）と組み合わせた場合を除きます）。使用された機材：Nikon D800 with 2,8/70-200-mm-Nikkor、焦点距離175mm、シャッタースピード1/640、絞りf/4.0、ISO 1,000。
（写真 © 2013：Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
マルチフィールド測定法（別称：マトリックス測定法）では、画像を複数の領域に分割します（例：中央のフィールドと隣接する4つの隅領域）。各フィールドはカメラによって（自動的に）測定され、その後、それらの平均値が算出されます。
この露出測定法は、例えばコントラストの高い被写体を撮影する際におすすめです。全ての画像部分を考慮に入れ、全ての領域からの妥協点として考えられる、時間・絞り・ISOの組み合わせが決定されます（画像内の過曝や完全な黒つぶれを避けるための手段）。
メーカーによるこの露出測定法の改良があるものの（例：色マトリックス測定法は明るさ測定時に被写体の色も考慮に入れる; 3Dカラーマトリックス測定法は被写体領域の間隔も計算に考慮する）、すべての露出測定法は次のジレンマに直面します：
被写体の輝度差が大きすぎる（＝大きなコントラスト幅）場合、一枚の写真で満足のいく露出を得ることは不可能です。なぜなら、被写体のコントラスト幅がカメラのダイナミックレンジよりも大きいため、写真には黒つぶれや過曝の箇所が現れることになります。解決策はHDRで、しかしコンサート撮影では、溝での三脚禁止とステージ上のミュージシャンの動きのために全く適していません。
図6.5: コンサート撮影において、難しい照明条件はロックやポップコンサートでは通常のことです。特に、ステージ上で光源が（雰囲気を醸し出すための）逆光となってレンズに照射されると、ステージ上の人物（歌手/ダンサー）が写真で暗すぎることがあります。しかしながら、逆光による可能な誤露出が場合によっては再調整され、たとえばこの写真のように、ダークな（主に黒の）ボーイグループの服装が露光測定によって補正されます。こうして逆の極端（逆光と黒い衣装）が相殺されます。その結果、ステージ上の歌手の顔が十分に明るく見える、雰囲気のあるコンサート写真が完成します。US5、2007年11月24日、ベルリンにてコンサート開催。
(写真 © 2007: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
結局のところ、写真家が撮影すべき被写体の（重要な）部分を適切に露出するかどうかは、写真家がどの測定方法（スポット測定、積分測定、マルチフィールド測定）を使用するかには関係ありません。重要なのは、使用した方法によって適切な結果が得られることです。
ただし、カメラの設定値（写真家にとっての“推奨値”）にはただ盲目的に従うべきではありません。私たちはシャッタースピード、絞り、ISO感度の3つのパラメータを使用して特定の露出（画像明るさ）を得ることができますが、この3つのパラメータを変更して、同じ画像明るさを保ちつつ、より適した時間・絞り・ISOの組み合わせを得ることができます。例えば、カメラの露出自動機能（どれを使用しても）が以下の値を提供している場合：シャッタースピード = 1/250秒、絞り = 8、ISO = 800、この値を変更して、同じISO設定でより短いシャッタースピードとより開かれた絞り（そしてより明確な被写界深度）を得ることができます。
注：被写体の要件に基づいて写真家が手動で行うこの“シフティング”（画像明るさを維持しながらカメラから提案された時間、絞り、ISOの組み合わせを変更すること）は、写真プラクティスにおいて非常に重要です。多くのカメラメーカーはこの機能を（ニコンの場合：右手親指で操作されるダイヤルに）配置しています。写真家は素早く介入し、自分自身がより適切だと考える露出組み合わせを選択できます。
写真家は通常、より開いた絞りで撮影したい場合があります（この場合、絞りを開放し、それによってシャッタースピードを短くしたりISO値を減らしたり）またはより短いシャッタースピードが必要な場合があります。例えば、ミュージシャンがスピーディで素早いショーを見せている場合、短いシャッタースピードが必要です（その場合、シャッタースピードを短くし、絞りを開放したりISO感度を上げたりします）。逆に、ステージのミュージシャン全員が写真で鮮明に撮影されるようにする必要がある場合や、特定の効果を表現するためにシャッタースピードを提案よりも長くする必要がある場合もあります。
6.2 露出自動制御 vs 手動コントロール
多くのフォトグラファー（特に野心的な初心者）は、必ずしも露出自動制御に頼らず、シャッタースピード、絞り、ISO感度を手動で設定して撮影したいと考えています。
私はそれをいくつかの理由で誤った方法だと考えています：まず第一に、照明の変動（コンサート撮影では頻繁に急激に起こることです）により、時間-絞り-ISOの組み合わせを常に調整する必要があります。しかし、私たちに（素晴らしい眼と高性能の脳が備わっているとしても）、これらの変動に常に気付くことはありません。そして誤露出は避けられません。第二に、フォトグラファーが、被写体の明るさを適切に推測できると考え、自由に時間、絞り、ISO値を手動で設定できると考えるのはかなり（まぁ、勇敢と言っておきましょう)です。私たちの目は（非常に速く！）照明状況の変化に慣れてしまうため、違いをあまり感じ取らないか、非常に大きく急に変化するときに初めて気づきます。
手動設定の典型的な場合は、カメラ（-露出自動制御）が提案する値に従うことです。これらの値は、カメラ内の露出計測に基づいています。そしてこれはつまり、時間、絞り、ISOのパラメータを手動で設定し、そのいずれかの（プロフェッショナルな）露出自動制御の1つ（プログラム、絞り優先、時間優先; ISO自動制御の使用は強くお勧めされません！）を使用して撮影する、との違いは、前者がカメラの提案に従って（しかしカメラ自動設定に従って）値を設定し、後者がカメラがパラメータを自動的に設定する点だけであることを意味します。
図6.7：クラシック音楽コンサート（またはジャズ、カントリー、民俗音楽、シュラガーなど）では、大幅な照明変動は通常予想されません。また、色の効果（「ライトショー」）が少ないか、まったく使用されないケースもあります。コンサートフォトグラファーは、一定で自然な（白い）光を期待できるため、手動露出制御が大幅に容易になります。2011年1月31日にベルリン・フィルハーモニーで行われたモンセラット・カバリェのコンサートの写真です。Canon EOS-1D Mark IVとEF 2.8/300mmを使用。シャッタースピード1/160秒、絞り2.8、ISO 1,000で撮影されました。
(写真 © 2011: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
図6.8：RUNRIG、2012年8月29日。音楽家に対する照明が（少なくとも「幸運な」が定かではない期間）一定である場合、手動露出設定で良好に撮影できます。その場合、背景を照らすスポットライトがどのようであっても、ミュージシャンである前景は一定（適切に）露出されたままです。
（これら2枚の写真の間に、同じ露出設定で私が18枚の写真を撮りました）。Nikon D4と1.4/85mmニッコールを使用。シャッタースピード1/250秒、絞り2.5、ISO 2,500で撮影されました。
(写真 © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
結論
何らかの理由で手動で写真を撮りたい場合、もちろんお好きにどうぞ。しかし、プロのコンサートフォトグラフィーでは、他の写真分野と同様に、結果だけが重要です。そのため、道についてあまり考えすぎず、むしろ結果がうまくいくように注意することが重要です。道筋は問題ではありません。（写真が優れているからといって、フォトグラファーが手動設定で作業したからという理由ではありません）。
シャッタースピード、絞り、ISO感度の手動設定を選択する場合、照明条件の変化に応じて露出パラメータの調整が必要になることに注意してください。したがって、常に露出設定が望ましい結果に適合しているかどうか注意してください、または修正が必要かどうかを確認してください。
6.3 カメラの連写機能を活用する
瞬時にスポットライトが点灯し、また消えます。ステージ上での音楽家の素早い動きのために、（反）光が目を遮り、または私たちのレンズに差し込んできます。0.1秒が、ポートレート写真を撮る際に、アーティストがちょうど瞬きをするか、不幸な（写真向きでない）顔をするかを決定します。
コンサートフォトグラフィーはアクション写真ですので、カメラを連写速度に設定することが賢明です。ただし、ほぼ同一の写真を何枚も連続で撮ることはあまり役立ちません；代わりに、撮影時に常に2-4回の短い「バースト」を行うことが望ましいです。こうすることで、フォトグラファーや撮影者は慎重にモチーフを撮影でき、また、短い瞬間によってその写真が使い物にならなくなってしまうリスクを回避します(例えば、短時間のうちにスポットライトが直接カメラに照射され、邪魔になってしまう場合)。
コンサートフォトグラファーは制限される必要はありません；提供される時間が短いため（通常3曲しかない）、私たちは溝から出される前にメモリカードがいっぱいになる可能性がないので、心配する必要はありません。また、カメラのバッテリーはおそらく3-4つのコンサートを撮影し続ける前に、バッテリー残量表示が充電を促すでしょう。したがって、写真を節約しないでください。むしろ「撮りまくる」ことが重要です！
図6.9：多くのロックスターは独特のポーズを持っています。それらを捉えることができれば、写真の販売を大幅に促進することができます。ビリー・アイドル（ここでは2005年11月27日にベルリンで）はもちろんフルプロフェッショナルであり、自己表現の達人でもあります。カメラの連写設定は、類似した写真から最適な結果を選択するのに役立ちます。ポーズが完璧にマッチし、画角や露出が適切であり、多くの細かな点（スポットライトの位置、表情、背景の人物や機材など）が理想的に調和している写真を見つけるのに役立ちます。
(写真 © 2005: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
6.4 ブラケティング – 批判的に考える
ブラケティングの意味を正直理解したことがありません。これはちょっと杓子定規に取り組むようなもののように思えます。少なくとも私たちがRAW形式で写真を撮影し、（少なくとも軽く）全ての写真を少しは後処理するデジタル時代において、ブラケティングは甲斐ないことのように思えます。
図6.10：ブラケティングは、写真家が最適な露出がわからない場合にのみ意味を成します。この方法で、複数の露出の異なる写真を撮影して、少なくとも1枚の最適に露出された結果を得ようとするのです。しかし、コンサート写真撮影での光条件の急速な変化には、ブラケティングは向いていません。何度も述べてきたように、ステージ上のパフォーマーの照明は常に変化しており、非常に速いのです。そのため、同じ露出設定でも全く異なる結果を得ることができます。そして、ライトショーに基づくこの不確実性に加えて、撮影シリーズ中の露出設定の変更という第二の不確実性をもたらすと、2つのリスク要因が重なり、（最適な）結果を予測することがますます困難になります。ブラケティングを行うと、予測不能な要因に完全に依存する結果が得られます。例えば、ブラケティングの一環としての過度な露出は、たまたまスポットライトが直接レンズに照射された状況で発生しているかもしれません。そうすれば、既に過度な露出が生じるという結果と同じくらい、もしかしたらそれが生じているのです。「数字で2013 © Jens Brüggemann」
私の意見では、露出のバリエーションを撮影するよりも正しいカメラの設定に専念した方がはるかに意味があると考えています。撮影時の設定が完全ではなかったとしても、PhotoshopやLightroomでRAW現像が可能なので、ほとんどの場合、「救済」できます。したがって、特異な画像構成に集中し、ショーの素晴らしいシーンを捉え、すべてのミュージシャンを撮影することが良いでしょう（未知の存在である場合もあります）。そして露出設定を確認するには、カメラのディスプレイを時々見るだけで十分で、大きな間違いを見つけて修正できます。
6.5 フル充電バッテリーを使用する
一応分かりません …このモットーに忠実であるならば、コンサート写真を撮る際にはいつもカメラに満充電のバッテリーを入れておくべきです。もちろん、高性能なバッテリーの1/6容量でも十分、特に最初の3曲の間だけ撮影できる場合もあるからです。しかし、何が起こるかわからないので、気分で撮影時間を延ばすこともあるかもしれませんし、新進気鋭のミュージシャンを宣伝することもあるかもしれません。また、コンサート前後やインタビューの機会を得る可能性もあるかもしれません。では、カメラのバッテリーを充電しましょう！（または予備バッテリーを持ち歩きましょう）。
図6.11：「That's very frustrating!」ウディ・アレンが（ここでは2010年3月22日にベルリンで行われたニューオーリンズジャズバンドとのコンサートでのように）クラリネットを演奏した時、表現豊かなコンサート写真が確約されます！バッテリーの残量が少なく、すでに完全に放電したかもしれないため、写真を撮るのを早めにやめなければならなくなると非常に残念です。
（写真 © 2010: ダビッド/スヴェン・ダーマー – www.svendarmer.de）
6.6 RAW形式で撮影する
多くの写真分野では、RAW形式での撮影は全く必要ありません。JPEGで十分なクオリティが得られます。しかし、コンサート写真撮影では、他の分野よりもRAW形式での撮影が本当にお勧めです。ここでは強い明るさのコントラストに頻繁に遭遇します。スポットライトが直接レンズに照らし込んだ白けた領域、舞台背景の最も暗い領域は珍しいものではありません。また、顔が見えなくなることもよくあります。スポットの強さが撮影の露出設定に対して強すぎたために顔が明るくなることもあれば、逆に暗くなることもあります。
RAW形式で撮影すれば、後でいくつかの設定を簡単に変更することができます（たとえばホワイトバランス）そして、露出をいくつかのブレンド段階で最適化できます。
図6.12: ich & ichの歌手であるAdel Tawilが2010年9月1日にマイクで歌っている様子。多くのコンサートでは扱いの難しい明るさのコントラストが予想されます。そのため、RAW形式で撮影すると、後でコンピューターで明るい過曝エリアから暗闇のエリアまでの描画を取得できるので便利です。使用された装備：焦点距離24mmのNikon D3Sと2.8/24-70mm-Nikkor。1/1000秒、絞り3.2、ISO 3200。
（写真 © 2010: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
6.7 定期的な写真チェック – 自動で（画面全体に広がる）画像表示付き
デジタル写真の最大の利点は、すぐに画像を確認できることです（カメラのディスプレイ上で）。エラーは直ぐに見つけられ、その後素早く修正できます。しかし、この利点は、写真家が画像確認を実行する場合にのみ有効です。コンサートの熱中中に写真を撮ると、時間が迫っているため、この必要性を忘れてしまうことがあります。また、急いでいるときは、それを省略できると考えることがあります。しかし、それは誤解です。私は、溝を離れた後に注目を浴びて自分の撮影した写真を見るフォトグラファーをしばしば目撃しましたが、誤って設定を変更したために家に帰って持参できる使える写真が1枚もないことが分かったのです…
したがって、すべて10〜12枚の写真、最後にシャープネスを確認するように、画像の確認を定期的に行う習慣を身につけることが重要です。カメラのモニターに素早く一瞥できるため、時間短縮にもなります。さらに、シャープネスの確認も定期的に行うことが賢明です。この場合、簡単な一瞥では不十分で、写真にズームインする必要があります。しかし、これは頻繁に行う必要はありません。1曲ごとに1回で十分です（もちろん写真のシャープネスに問題が頻繁に発生する場合は、その原因をあらかじめ確認します）。
図6.13: コンサート（ここでは2012年8月24日のTim Bendzkoにおける）で写真家が熱意を持って時間内に写真を撮る際、被写体がピントや適切な露出設定、画面構成などについて写真を確認するための定期的なモニターチェックを忘れることがあります。そして、誤った（または適していない）設定で3曲すべてを撮影し、撮影者がプレスピットを離れた後、訂正が遅すぎることに気づくことがあります。使用したレンズはニコンD4、14-24mmのニッコール、焦点距離24mm。1/80秒、F3.5、ISO 3,200。
（写真 © 2012: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
6.8 白黒で写真を撮ることも
コンサート写真は基本的に多くのカラー（ライト）から生きています。しかし、白黒の写真も非常に魅力的です。撮影時にカメラを白黒モードに設定することをお勧めします。モニターを確認する際に効果をより正確に評価できます。RAW形式で撮影した場合、カラー情報は失われません。そのため、後でカラーで写真を処理することもできます。
白黒写真は単に色を省略するだけでなく、白黒でモチーフを見ることを意味します。このスキルを持つ写真家は、白黒に適したモチーフと色によってただ色の違いがないだけのものの違いを見分けることができます。
図6.14: 白黒写真の特別な表現力（またはセピア色の写真も同様に）は、白黒写真をいつも「流行っている」ものにします。このBAPのギタリストのモチーフ（2011年8月24日、ボーフム/ヴィッテンのZeltfestival Ruhrでのコンサート）もこの省略から何も失われずに逆に（ノスタルジックな）魅力と効果を増します。 使用したカメラはニコンD3S、85mmのニッコール、1/160秒、F2.5、ISO 1,250。 
（写真 © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
ヒント
• 一部のモチーフは、白黒写真で撮られることを「求めて」います。
• 他のモチーフは、白黒でもカラーでも同様に効果を発揮します。
• 一方、一部のモチーフは、彩度が低くなってしまうため、白黒写真で撮影するべきではありません。
写真家の役割は、撮影すべきモチーフがどのカテゴリーに属するかを見極めることです。白黒写真を撮ることを選択した場合は、撮影中からそのことに集中し、画像表示を適切に設定してください。これにより視野が広がり、コンサート写真が本当に白黒で効果的かどうかを判断するのに役立ちます。
図6.15: 白黒とカラーの両方で同じように効果的な写真の数少ない例の1つ。最終的には、使用目的（新聞や音楽雑誌での編集利用、ファンページでの公開など）や好みに応じてどちらのバージョンを選択するかが決定されます。使用したカメラはニコンD800、70-200mmのニッコール、焦点距離125mm。1/640秒、F5.0、ISO 800。
（写真 © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de）
