콘서트 사진의 특별한 특징은 다음과 같습니다:
- 법적 제한: 다른 사람들(콘서트 주최자, 뮤지션 및 매니저)이 촬영할 수 있는 대상, 촬영 시기, 방법, 가능한 사용 범위(사진의 공개)를 결정합니다.
- 음악과 사진이라는 매우 즐거운 두 가지 취미가 콘서트 사진으로 합쳐지면서 콘서트 사진의 인기는 엄청나게 높아졌습니다.
- 콘서트 사진가에게는 적극적인 창작의 가능성이 거의 없습니다.
- 콘서트홀/무대 디자인 및 인증 상태에 따라 대부분 미리 정해진 관점이 존재합니다.
- 통제할 수 없고 급변하는 조명 상황은 사진가에게 노출 제어를 어렵게 만듭니다.
- 자체 조명(예: 시스템 플래시)을 사용해서는 안 됩니다.
- 사진 촬영 시간이 매우 짧은 경우가 많기 때문에(보통 3곡 정도, 때로는 더 짧을 때도 있음) 사진가들은 엄청난 스트레스를 받으며 일하지만 동시에 사냥꾼이나 파파라치처럼 아드레날린 수치가 치솟기도 합니다.
그림 3.1: 절망의 용기로: 콘서트 사진작가는 창의적인 옵션이 많지 않고, (종종 어려운) 조명에 영향을 받지 않으며, 필요한 샷을 얻기 위해 보통 세 곡 정도만 촬영할 수 있습니다. 이 모든 것은 스트레스를 의미하며 때로는 전체 역광에서 "용감하게"사진을 찍습니다 ... Jan Delay, 2010 년 8 월 20 일 Ruhr Tent Festival에서 콘서트에서. Nikon D3S, 2.8 / 24-70mm Nikkor, 초점 거리 24mm. 1/2000초, Blender 3.5, ISO 1600.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
적극적인 창의적 가능성이 거의 없음
특히 우연과 무관하게 사진 결과를 정확하고 독립적으로 계획하고 이미지 아이디어의 의미에 따라 (내 자신의 사양이나 클라이언트의 사양에 따라) 영향을 미치기 위해 가능한 모든 것을 하는 데 익숙한 광고 사진가로서 저에게 콘서트 사진은 큰 도전일 뿐만 아니라 무엇보다도 광고 사진가로서의 일상 (통제된) 작업과는 다른 변화이기도 합니다.
콘서트 사진가로서 저는 할 수 없습니다:
- ... 무대에서 아티스트에게 어떤 포즈를 취하는 것이 가장 좋은지(무대 연출) 소리칠 수 없으며, 어떤 포즈나 조명 각도가 더 좋아 보이는지에 대한 팁을 줄 수 없습니다.
- ... 내 아이디어에 따라 조명이나 무대 세팅을 구성합니다.
- 뮤지션의 포즈나 움직임을 반복해서 촬영하는 경우(예: 변주곡 촬영).
- ... 무대 설정 및 조명과 조화를 이루도록 의상의 배색에 영향을 줍니다.
- ... 마이크 스탠드, 물병 또는 공연자 발밑에 있는 스피커 등 방해 요소를 무대에서 제거합니다.
- ... 원하는 대로 촬영 위치를 변경합니다.
- 등
그림 3.2: 물론 쿨차 칸델라 (2011년 8월 20일 콘서트)의 멤버들에게 "좋아요, 이제 다시 제 방향으로 줄을 서서 손을 흔들어 주세요!"라고 외치고 싶었습니다. ... 그러나 보안이 그러한 간섭 시도에 어떻게 반응할지 알기 때문에 조용히하는 것을 선호했기 때문에 이상적이지는 않았지만 그 순간에는 다른 선택의 여지가 없었습니다. Nikon D3S, 4/24-120mm Nikkor, 초점거리 78mm 사용. 1/160초, Blender 4.0, ISO 3200.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
콘서트 사진가는 능동적이고 창의적으로 개입할 기회가 거의 없기 때문에 자신만의 사진 스타일을 강요하기가 매우 어렵지만, 바로 이러한 상황이 이러한 유형의 사진에 매력을 부여합니다. 사진가는 (제한된 시간 때문에) 사냥꾼이 되면서도 사냥꾼이기도 합니다: 항상 경계하며 빛, 포즈, 카메라 기술이 이상적인 방식으로 결합되는 완벽한 순간을 갈망하고 기회가 오면 멋진 사진을 찍을 준비가 되어 있어야 합니다.
이런 점에서 콘서트 사진 촬영은 어쩌면 '초심으로 돌아가는 것'을 의미하기도 합니다. 일반적으로 빠른 렌즈와 높은 ISO 값에서 노이즈가 적은 최신 카메라를 사용하더라도 다른 사진 영역에서 일어나는 물질적인 싸움은 콘서트 사진에서는 불가능합니다(주최 측에서 허용하지 않기 때문에).
고품질 장비와 (카메라) 기술의 숙달 외에도 중요한 것은 좋은 준비(뮤지션의 노래를 알고 있다면 언제 어떤 악기를 사용해야 하는지, 언제 솔로 또는 효과적인 쇼 막간을 기대할 수 있는지), 빠른 반응(예: 콘서트 프로그램에 새롭고 예측할 수 없는 것이 추가되는 경우) 등입니다, 안무에서 예측할 수 없는 일이 발생하거나 뮤지션이 특히 활동적인 경우), 올바른 장비에 대한 감각(렌즈를 교체할 때 불필요하게 많은 시간이 손실되므로 카메라에 부착된 렌즈가 중요한 경우가 많으므로), 본능에 따른 예술적 이미지 구성(사진을 찍으면서 이미지 구성 규칙에 대해 생각하는 사람은 이미 패배자입니다!)), 마지막으로 사진 관련 관계에 대한 이해(예를 들어 카메라의 자동 노출 제어와 독립적으로 원하는 매개 변수 조합을 빠르게 설정할 수 있도록 시간, 조리개 및 ISO 값 등)가 필요합니다.
그림 3.3: 2010년 9월 1일의 나와 나 콘서트 사진작가가 안무에 영향을 줄 수 없더라도 이미지 구도 등 나머지 수단을 사용하여 볼 만한 가치가 있는 콘서트 사진을 만들 수 있습니다. 특히 콘서트 사진가는 유연해야 합니다. 여기서는 ich & ich의 아델 타울을 촬영했습니다. Nikon D3S, 2.8/24-70mm Nikkor, 초점거리 70mm 사용. 1/500초, Blender 3.2, ISO 3200.
(사진 © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
대체로 미리 정해진 원근법
몇 가지 예외를 제외하면 콘서트 사진가들은 무대 앞이나 옆에 자유롭게 서 있는 것이 허용되지 않습니다. 오히려 인증을 받으면 특정 구역(예: 무대 피트)이 할당됩니다. 피트 내에서 자유롭게 움직일 수 있으면 좋겠지만, 이마저도 제한이 심해서 최적의 조건이 아닌 매우 좁은 공간에서 작업해야 하는 경우가 많습니다.
따라서 대부분의 사진은 무대 바로 앞에 움푹 들어간 위치에 있는 피트에서 촬영할 수밖에 없기 때문에 '전형적인' 콘서트 사진은 마치 사진가가 뮤지션들 앞에 바닥에 엎드려 있는 것처럼 보입니다.
하지만 이 효과는 의도적인 것일 수도 있는데, 아무리 작은 뮤지션이라도 아래에서 촬영하면 실제보다 훨씬 더 크고 '영웅적'으로 보이기 때문입니다.
사진 품질이 저하되지 않도록 하려면 낮은 카메라 위치로 인한 왜곡(광각 렌즈를 사용할 때 특히 두드러짐)이 너무 눈에 띄지 않도록 주의해야 합니다. 물론 전문 사진작가라면 갑자기 모두 다리가 길어 보이는 뮤지션의 '늘어짐'을 즉시 알아차릴 것입니다. 그러나 '일반' 시청자는 이 효과를 알아차리지 못하거나 적어도 부자연스럽거나 산만해 보이지 않도록 하는 것이 중요합니다.
그림 3.4: 2011년 8월 20일 쿨차 칸델라: 여기에서도 사진가들은 무대 바로 옆 피트에 서 있었기 때문에 모든 사진에서 아래에서 찍은 극단적인 시점이 불가피했습니다(신발 스폰서가 기뻐할 만큼 뮤지션의 하체를 강조하는 효과가 있음). Nikon D3S, 4/24-120mm Nikkor, 초점거리 24mm 사용. 1/500초, Blender 4.0, ISO 3200.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
트렌치에서 카메라 위치가 낮으면 다른 단점도 있습니다: 종종 스피커와 무대 장비의 요소가 뮤지션이나 뮤지션의 시야를 가리는 경우가 많습니다. 예외적인 경우에만 발과 다리를 완전히 사진에 담을 수 있습니다.
그림 3.5: 이 사진은 카메라 위치가 낮고 광각 렌즈를 사용했기 때문에 이러한 왜곡이 얼마나 극단적으로 나타날 수 있는지 명확하게 보여줍니다. 아티스트의 왼발은 카메라에 매우 가깝기 때문에 크게 보입니다. 반면에 상체와 머리는 멀리 뒤로 젖혀져 있어 사진에서 부자연스럽게 작게 보입니다. 2012년 8월 26일 보훔/비텐에서 열린 딕 브레이브 콘서트. Nikon D4, 2.8/14-24mm Nikkor, 초점거리 14mm 사용. 1/200초, Blender 2.8, ISO 3200.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
케이블, 스피커 및 기타 무대 기술 요소는 일반적으로 무대 전면, 코 바로 앞에 위치하기 때문에 콘서트 사진에서 필연적으로 반복해서 나타납니다 (전경에, 불행히도 광각 렌즈를 사용할 때 불균형하게 크게). 뮤지션의 시야가 좋지 않음에도 불구하고 이러한 방해 요소를 촬영하고 싶지 않다면 콘서트 사진가들이 선택할 수 있는 유일한 방법은 초점 거리가 긴 렌즈를 사용하는 것입니다. 하지만 이는 적어도 무대에서 가까이 있는 뮤지션의 경우 좁은 의미의 인물 촬영만 가능하다는 것을 의미합니다.
그림 3.6: 가까운 거리에서 (아래쪽) 피트에서 인물 사진을 찍으면 원근감 때문에 뮤지션의 콧구멍(여기서는 2010년 8월 20일 콘서트의 Jan Delay )이 특히 (의도하지 않았지만!) 강조된다는 사실을 받아들여야 합니다. 이를 방지하려면 무대 가장자리 바로 앞(또는 위)에 서 있는 뮤지션을 촬영하지 말고 망원 또는 인물 망원 렌즈를 사용하여 더 멀리 서 있는 뮤지션을 촬영하는 것이 좋습니다(각도가 가파르지 않기 때문). 이 방법은 현장의 구경꾼에게는 약간 이상하게 보일 수 있지만 (사진가가 더 멀리 서있는 뮤지션의 사진을 십자형으로 찍을 때) 사진의 관점에서 보면 완벽하게 이해가됩니다! 초점 거리 56mm에 2.8/24-70mm Nikkor를 장착한 Nikon D3S. 1/1250초, Blender 3.5, ISO 5000.
(사진 © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
그림 3.7: "전형적인" 콘서트 사진: 이 사진(2010년 8월 31일 보훔의 ZFR에서 촬영)에서는 짧은 거리, 광각 사용, 카메라가 위쪽으로 기울어진(카메라 위치가 낮아서) 결과물로 인해 H-Blockx의 기타리스트가 "긴 다리"를 하고 있는 모습을 볼 수 있습니다. 무대 장비가 전경에 잘 보이지만 이 경우에는 시야를 가릴 정도로 크지 않았습니다. Nikon D3S, 2.8/24-70mm Nikkor, 초점거리 24mm 사용. 1/500초, Blender 2.8, ISO 5000.
(사진 © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
보안 요원으로부터 절대 이탈할 수 없는 위치를 배정받았을 때 사진작가에게는 더 끔찍한 일이 벌어집니다. 그러면 적합 여부에 관계없이 이 자리에서 모든 사진을 찍어야 합니다. 창의적인 사진작가에게는 끔찍한 일이지만, 어쩔 수 없이 주어진 상황을 최대한 활용하는 것 외에는 할 수 있는 일이 없습니다.
그러나 사진의 다른 분야에서도 조건이 항상 이상적인 것은 아닙니다. 그저 자신이 가진 가능성을 가지고 특별한 사진을 찍으려고 노력해야 합니다. 프로 사진작가로서 저는 유연하게 대처하는 법을 빨리 배웠습니다. 그런 경우에도 절망하지 말고 모든 역경에도 불구하고 자신의 기술을 사용하려고 노력해야 합니다.
그림 3.8: 뮤지션의 초상화도 라이브 콘서트 중에 촬영하면 일반적으로 아래에서 바라보는 일반적인 시점을 보여주지만, 이 경우에는 운이 좋게도 아티스트가 고개를 숙이고 기타 연주에 집중하고 있었기 때문에 의도치 않게 인물의 콧구멍을 볼 수 있었습니다.
2011년 8월 24일 콘서트에서 BAP의 기타리스트를 촬영했습니다. 피사체의 머리와 (종종 불안한) 배경을 분리하기 위해 저는 거의 개방 조리개로 촬영하는 것을 좋아합니다. 제가 가장 좋아하는 렌즈는 (무대 바로 옆 피트에 서 있을 때 인물 촬영에 이상적인 초점 거리를 가진) 1.4/85mm Nikkor입니다. 저는 보통 (조리개를 완전히 개방했을 때보다) 더 나은 선명도 성능을 얻기 위해 렌즈를 약간 블렌더(약 1f스톱, 여기서는 1+1/3f스톱)로 조절합니다. 1.4/85mm Nikkor가 장착된 Nikon D3S. 1/250초, Blender 2.2, ISO 1250.
(사진 © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
통제할 수 없는 변화무쌍한 조명 상황
콘서트 사진을 흥미진진하게 만드는 또 다른 조건은 변화하는 조명 상황입니다. 음악과 안무의 스타일에 따라 조명이 매우 빠르게 변할 수 있습니다.
사진가가 셔터 버튼을 누르는 순간부터 실제 노출까지 짧은 시간 동안 조명이 바뀌는 경우가 종종 있습니다. 이러한 찰나의 순간에 조명이 다시 바뀌기 때문에 의도한 것과는 전혀 다른 사진이 나올 수 있습니다.
그림 3.9: 2011년 8월 25일에 열린 콘서트: 이 두 장의 사진은 서로 1초 이내에 촬영되었지만 조명은 완전히 다른 결과물을 만들어 냈습니다. 따라서 콘서트 사진가는 빠르게 반응해야 하며, 아주 드물게 조명 변화(시간 및 조명 유형)를 예측할 수 있기 때문에 때때로 운도 중요한 역할을 합니다. 1.4/85mm Nikkor가 장착된 Nikon D3S. 1/320초, Blender 4, ISO 2000.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
위의 사례에서 콘서트 사진가들이 셔터 랙이 가장 짧은 카메라를 선호하는 이유를 알 수 있습니다. (예를 들어 제가 사용하는 Nikon D4의 셔터 릴리즈 지연은 42밀리초, 즉 0.042초입니다).
콘서트 사진을 흥미진진하게 만드는 효과적인 조명은 주로 역광으로 이루어진다는 사실을 깨달아야 합니다! 안개와 무대 배경의 유효 조명이 결합하여 볼 만한 가치가 있는 특별한 조명 효과를 만들어냅니다.
안개는 빛만으로는 보이지 않기 때문에 반드시 필요합니다. 공기 중에 안개나 먼지 입자가 없다면 램프만 보일 뿐 광원 광선은 보이지 않을 것입니다.
그림 3.10: 2012년 8월 29일 보훔에서 열린 콘서트에서 런리그의 모습. 공기 중의 먼지와 안개 입자 때문에 스포트라이트의 유효 광선을 명확하게 알아볼 수 있습니다. 반면에 스포트라이트(즉, 광선의 근원)만 볼 수 있다면 조명은 상대적으로 흥미롭지 않을 것입니다.
그렇기 때문에 포그 머신은 라이트쇼의 필수 요소입니다! 불과 1/10초 전만 해도 기타리스트 도니 먼로는 정면에서 스포트라이트로 충분히 밝게 비춰졌지만, D4의 셔터를 누르는 순간 다시 꺼졌고, 실루엣과 마찬가지로 가수의 실루엣만 알아볼 수 있었습니다. 그래도 이 사진은 화려하고 효과적인 조명 덕분에 마음에 들었기 때문에 분류하지 않았습니다. Nikon D4, 2.8/14-24mm Nikkor, 초점 거리 19mm. 1/80초, Blender 2.8, ISO 2500.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
참고
역광은 항상 광선이 렌즈로 직접 들어올 위험이 있지만(따라서 렌즈 후드 사용을 적극 권장합니다), 노출 문제는 주로 빛이 변화하는 속도에서 발생합니다. 어려운 조명 상황도 사진적으로 해결하면 좋은 사진을 얻을 수 있습니다. 그러나 조명 상황이 빠르고 지속적으로 변하는 경우에는 거의 불가능합니다. 그러면 사진가는 생각할 시간이 없고 직관적으로 행동해야 하므로 성공적인 사진은 항상 우연(운)에 의존할 수밖에 없습니다!
그림 3.11: 2008년 10월 15일 베를린에서 열린 콘서트에서 '패닉 록커' 우도 린덴버그의 모습을 '후광'과 함께 완벽하게 포착한 사진입니다. 콘서트 사진가들 사이에서는 일반적으로 조명 상황이 생각보다 빠르게 변한다는 것이 상식이기 때문에 적절한 순간에 셔터를 누르기 위해 재빠르게 반응할 수 있어야 할 뿐만 아니라 운도 좋아야 합니다. 이 상황에서 사진작가의 낮은 시야각은 매우 유리했는데, 멀리 떨어져 있거나 높은 시야각에서는 이 '후광' 효과가 잘 나타나지 않았을 것이기 때문입니다.
(사진 © 2008: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
물론 뮤지션과 무대의 조명이 사진가와 조화를 이룰 수 있다면 좋겠지만, 이는 안타깝게도 비현실적인 꿈일 뿐입니다(밴드가 의뢰한 광고 사진을 제외하면). 그래서 콘서트 사진가들은 다른 사람들(조명 기술자 및 안무가)이 고안한 조명 쇼를 수동적으로 받아들일 수밖에 없습니다. 급변하는 조명에 어려움을 겪는 사람은 조명 관점에서 '불안'이 덜한 콘서트에서 연습을 시작하는 것이 좋습니다. 클래식 콘서트, 샹송, 팝 음악 등에서는 조명 변화가 거의 없고 느리게 진행되어야 하며, 화려한 조명 기술을 위한 재정적 수단이 부족한 소규모 음악 펍에서 열리는 콘서트에서도 마찬가지입니다.
그림 3.12: 2011년 8월 25일 보훔/비텐의 켐나더 슈타우제에서 열린 젤트페스티벌 루르에서 열린 Wir sind Helden. 이 콘서트에서 모든 사진가들은 큰 소리로 저주를 퍼부었습니다. 가수이자 프론트 여성인 주디스 홀로페르네스를 중심으로 연주자들에게 위에서부터 거친 흰색 빛을 비추는 이상한 '주방 램프' 때문에 밴드 멤버 개개인의 모습을 제대로 찍는 것이 거의 불가능했기 때문입니다. 그 결과 콘트라스트가 너무 강해서 뮤지션들에게도 매우 불리한 빛이었죠! 저는 어안렌즈를 사용해 무대 바로 옆 피트에 서서 무대 전체를 조망하는 사진을 찍었습니다. 이 사진에서는 무대에서 흔히 볼 수 있는, 그리고 여기에서도 볼 수 있는 모든 물건들이 선명하게 보입니다: 밴드용 물병, 연장 케이블, 노래 프로그램이 적힌 '치트 시트', 배전 콘센트, 스피커 및 기타 무대 장비 등 모든 것이 명확하게 보입니다. Nikon D3S, 2.8/10.5mm 니코르 렌즈. 1/200초, Blender 4, ISO 2000.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
무대 조명으로 인한 컬러 캐스트
주된 스포트라이트의 색상으로 인한 컬러 캐스트는 실제로 콘서트 사진에서 바람직한 효과입니다. 콘서트에서 흰색 조명만 사용했다고 상상해 보세요: 사진 결과물은 지루할 것입니다. 따라서 파티와 콘서트의 분위기에서 컬러 조명은 그다지 중요하지 않은 역할을 하며, 적어도 이러한 맥락에서 컬러 조명은 사진의 관점에서 훨씬 더 흥미롭습니다.
그림 3.13: 2008년 6월 12일 베를린에서 열린 콘서트의 셀린 디온. 자연스러운 백색광을 사용하면 세계적인 스타가 무대에 서더라도 콘서트 사진이 훨씬 덜 화려해 보입니다. (사진 © 2008: DAVIDS / 스벤 다머 - www.svendarmer.de)
그러나 때때로, 특히 뮤지션의 얼굴에 색조가 너무 강해서 보는 사람에게 매력적이지 않거나 방해가 될 수 있습니다. 기억하세요: 색조를 단순히 '플래시'로 없앨 수는 없습니다(없어야 합니다!).
색이 얼마나 다르게 나타나는지 살펴보는 것도 흥미롭습니다:
- 녹색 색조: 일반적으로 뮤지션이 "병든" 인상을 주기 때문에 좋지 않게 보입니다(노란색도 비슷한 효과가 있습니다).
- 파란색 캐스트: 파란색은 시원해 보이며, 때로는 이런 식으로 조명을 비추면 피부가 약간 창백해 보입니다.
- 붉은색 캐스트: 역동적이고 공격적으로 보이며, 하드 록 및 헤비메탈과 잘 어울리고, 붉은색 캐스트가 강하면 피부가 희미해지기 때문에 채도를 낮춰서 효과를 약화시키기가 어렵습니다.
그림 3.14: 2012년 8월 27일의 선라이즈 애비뉴: 이 사진에서는 Photoshop의 후속 이미지 처리에서 녹색 캐스트를 약간 필터링하여 더 이상 너무 거슬리지 않게 했습니다. 그렇지 않으면 녹색 빛은 노란색 빛과 비슷하여 개별 뮤지션의 직접 조명에는 적합하지 않습니다. 그것은 피부를 매우 빨리 병들게 만듭니다. Nikon D4, 1.4/85mm Nikkor. 1/800초, Blender 2.5, ISO 2500.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
그림 3.15: 2012년 8월 27일, 해돋이 거리. 여기에서도 색 채도를 사용하여 Photoshop에서 푸른빛을 필터링하여 아티스트의 피부 톤이 부자연스럽고 창백해 보이지 않도록 했습니다. Nikon D4, 1.4/85mm Nikkor. 1/1000초, Blender 2.2, ISO 3200.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
그림 3.16: 2012년 8월 24일, 보훔에서 Tim Bendzko. 피부 톤이 대부분 빨간색으로 구성되어 있기 때문에 빨간색의 채도를 낮추면 피부가 매우 빨리 창백해 보이기 때문에 빨간색 캐스트를 약간만 줄일 수 있었을 뿐 완전히 제거할 수는 없었습니다. 니콘 D4, 1.4/85mm 니코르 렌즈. 1/200초, Blender 2.2, ISO 2,000.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
주제에 대한 결론
콘서트 사진의 컬러 캐스트는 의도적인 것으로, 사진을 화려하게 만들어 줍니다. 그러나 색조는 인물 사진에서 특히 아티스트의 얼굴이 흐려지는 경우 산만할 수 있습니다. 이 효과를 줄이는 한 가지 방법은 이미지 처리에서 해당 색상의 채도를 낮추는 것입니다. 여기서 주의해야 할 점은 색상을 너무 많이 줄이면 얼굴이 창백하고 부자연스러워 보일 수 있으므로 아주 약간만 줄여야 한다는 것입니다.
그림 3.17: 아티스트의 얼굴에서 원치 않는 색조를 제거하는 또 다른 방법은 전체 사진을 흑백(또는 세피아)으로 변환하는 것입니다. 이 방법은 언뜻 보기에는 약간 "잔인해" 보일 수 있지만 흑백 사진은 여전히 "인"입니다.
컬러를 제거한다고 해서 모든 사진이 똑같이 좋아지거나 더 좋아지는 것은 아니기 때문에 문제의 사진이 흑백으로 어떻게 보이는지 확인해야 합니다. 사진은 2011년 9월 1일 콘서트에 참석한 밀로우의 모습입니다. Nikon D3S, 1.4/85mm Nikkor. 1/160초, Blender 2.2, ISO 1250.
(사진 © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
플래시 없음
콘서트 사진 촬영의 또 다른 특별한 특징은 개인 조명 사용이 금지된다는 점입니다. 물론 이것은 특히 사진가 자신의 시스템 플래시 장치("클립 온 플래시")를 의미합니다. 여기에는 몇 가지 이유가 있습니다:
- 사진작가의 자체 조명(예: 시스템 플래시)을 사용하면 (결국 뮤지션의 승인을 받은) 조명 분위기가 바뀔 수 있기 때문입니다: 그러면 조명 쇼가 더 이상 사진에서 그 자체로 빛을 발하지 못합니다. 물론 아티스트를 돋보이게 하기 위해 시스템 플래시를 전경에 조심스럽게 사용할 수도 있습니다. 하지만 뮤지션과 매니저는 모든 사진가가 조명을 그렇게 능숙하게 사용할 것이라고 가정할 수 없습니다.
- 무대에 올라 공연에 대해 약간 긴장하고 있을 때, 사진사가 자신의 시스템 플래시를 사용하도록 허용할 경우 발생할 수 있는 플래시 폭풍은 뮤지션에게 매우 방해가 되고 산만해질 수 있습니다.
- 강력한 플래시로 뮤지션의 눈을 직접 비추면 눈이 부셔서 무대 바닥에 붙여 놓은 프로그램 순서와 같은 중요한 디테일을 제대로 인식하지 못해 공연이 불확실해지거나 심지어 중단(중단)될 수도 있습니다.
- 보안 요원의 임무 중 하나는 관객의 소란을 최대한 빨리 감지하고 실신한 사람을 군중에서 끌어내어 공황 상태를 방지하는 것이므로 보안 요원도 불안감을 느낄 수 있습니다. 프레스 피트에서 플래시 불빛이 계속 쏟아지면 이 작업은 더욱 어려워집니다.
- 마지막으로 청중도 불안감을 느낄 수 있습니다. 결국 프레스 피트에서 계속 터지는 플래시는 관객의 관점에서 무대에서 진행되는 실제 쇼를 불필요하게 방해할 수 있습니다.
그림 3.18: 이 경우 플래시를 신중하게 사용했다면 2006년 9월 28일 베를린 콘서트에서 부시도의 얼굴에 드리워진 푸르스름한 그늘이 부드러워지고 얼굴이 더 돋보였을 것입니다. 시스템 플래시를 저전력으로 능숙하게 사용하면 콘서트 사진의 조명 분위기가 파괴되지 않고 눈부심으로 인한 아티스트의 방해가 미미하고 무시할 수 있을 정도에 불과합니다. 그러나 업계는 숙련 된 사진 작가 만이 콘서트 사진을 찍는다는 사실에 의존하고 싶지 않습니다. 사진 장비를 능숙하게 사용하지 않고 플래시 폭풍으로 뮤지션을 방해 할 수있는 인증을받은 사람들은 항상 충분합니다.
(사진 © 2006: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
결론
다른 솔루션(예: 눈에 띄지 않는 '필인 플래시'만 사용)이 이론적으로 가능하다고 해도, 현실적으로 콘서트 사진가가 행사장에서 광원(주로 시스템 플래시)을 직접 가져와서 사용하는 것은 앞으로 불가능할 것 같습니다. 따라서 우리는 각각의 (조명) 상황을 최대한 활용할 수밖에 없습니다. 이미 강조했듯이 포토그래퍼가 시장에서 성공하려면 유연성을 발휘해야 합니다.
그림 3.19: 2012년 8월 29일의 런리그: 제가 할 수 있었다면 기타리스트의 얼굴을 더 밝게 표현했을 겁니다. 그럴 수 없었기 때문에 기타에 초점을 맞추고 나중에 Photoshop에서 이미지를 편집할 때 콘트라스트를 높이기도 했습니다. Nikon D4, 1.8/85mm Nikkor. 1/500초, Blender 2.2, ISO 2500.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
세 곡?
상업 사진가로서 저는 클라이언트가 4시간 미만으로 스케줄을 잡는 작업은 거절합니다. 첫째, 스트레스를 받으면 창의력을 충분히 발휘할 수 없기 때문입니다. 둘째, 다양한 촬영을 해야만 뛰어난 사진이 나올 수 있기 때문입니다. 하지만 그러기 위해서는 충분한 시간이 필요해요!
최소 4시간의 사진 촬영을 계획하는 데 찬성하는 다른 이유(예: 모든 것을 마지막 세부 사항까지 완벽하게 계획할 수 없다는 점)도 분명히 있습니다. 하지만 위에서 언급한 두 가지 이유만으로도 뛰어난 사진은 '마법'이 아니라 열심히(부지런히) 노력해서 만들어지는 것임을 분명히 알 수 있습니다.
이런 점에서 저는 콘서트 사진 작가로서 첫 임무를 맡았을 때 사진 작가들이 이런 불리한 조건에서 일해야 한다는 사실에 상당히 충격을 받았습니다. 당시에는 순진하게도 아티스트(그리고 그들의 매니지먼트와 콘서트 주최자)가 콘서트에서 찍히는 최고의 사진에 관심을 가져야 한다고 생각했거든요. 당시 제 생각에는 최고의 사진만이 해당 이벤트의 광고이기도 했습니다.
이제 저는 '시각적 중심'의 사진가들이 뮤지션(그리고 그들과 함께 일하는 모든 사람들)과는 우선순위가 다르고 사물을 평가하는 방식이 다르다는 것을 깨달았습니다: 그들의 입장에서는 예술적으로나 사진적으로 정교한 사진보다 음향이 훨씬 더 중요할 수 있습니다. 우리 사진가들은 사물을 다르게 보는 것이 분명합니다.
게다가 어느 순간부터 일부 슈퍼스타(예를 들어 브리트니 스피어스 등 팝계의 스타들)는 허영심 때문에 사진작가에게 점점 더 많은 규칙을 강요하기 시작했습니다. 예를 들어, 아티스트의 '초콜릿 면'만 보여주기 위해 구덩이 안의 특정 장소에서만 사진을 찍을 수 있다는 것이었습니다.
그리고 어느 시점에는 각 공연의 처음 세 곡으로 사진 촬영 허가를 제한하는 것도 포함되었습니다. 이는 아마도 아티스트의 이마에 땀방울이 맺히지 않고 (그리고 무엇보다도 겨드랑이 아래 티셔츠에 땀 얼룩이 없는) 신선한 모습을 보여주기 위한 시도였을 것입니다. (결국 일부 뮤지션에게는 음악 자체보다 이미지가 (종종) 더 중요하기 때문입니다).
사진 촬영 시간을 (보통 처음) 세 곡으로 제한하는 또 다른 이유는 사진작가가 무료로 콘서트에 참석하기 위해 인증을 받는 것을 방지하기 위한 것일 수 있습니다. (즉, 사적인 이해관계가 사진작가로 인증받는 이유인 경우입니다.)
그림 3.20: 촬영할 곡이 세 곡뿐이라면 빠르고 효율적으로 작업하는 방법을 배웁니다. 그럼에도 불구하고 아티스트도 워밍업에 약간의 시간이 필요하기 때문에 최고의 장면이 전혀 촬영되지 않는 경우가 종종 있습니다. 2012년 8월 26일, 젤트페스티벌 루르에서 딕 브레이브 (일명 사샤)가 그의 밴드 더 백비츠와 함께한 공연은 첫 곡부터 바로 시작됩니다. 사진가들에게 이것은 로커빌리 마초 포즈가 시작부터 보장된다는 것을 의미합니다! Nikon D4, 1.8/85mm Nikkor. 1/320초, Blender 2.5, ISO 2500.
(사진 © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
최종 결론
콘서트에서 세 곡만 촬영할 시간이 있다면, 이는 사진 촬영 가능성의 심각한 제한이지만 물론 큰 도전이기도 합니다! 결국 콘서트 사진은 이러한 제한으로 인해 오늘날과 같이 사진가들이 행사 전에 이미 무대 공포증에 시달리는 상태가 되었습니다. 그들은 열 번째로 카메라 설정을 미리 긴장하며 확인합니다. 삽입된 메모리 카드를 네 번째로 포맷하고 사진 가방에 여분의 메모리 카드가 있는지 다섯 번째로 확인하는데, 촬영 시간이 짧기 때문에 (완전히 채워진) 메모리 카드를 교체해야 하는 당황스러운 상황에 처한 사진 작가는 없습니다. (8기가 또는 16기가 메모리 카드를 사진으로 채우기에는 시간이 너무 짧습니다).
이러한 무대 또는 사냥 열풍은 콘서트 사진 촬영의 일부일 뿐입니다. 사진가들은 주어진 시간이 제한되어 있다는 것을 알고 있으며, 성공적인 사진을 충분히 찍을 수 있을지 불안해합니다. 다른 어떤 사진 분야에서도 이벤트가 끝난 후 사진가들이 이렇게 흥분한 상태로 자신의 사진(아직 카메라 안에, 디스플레이에)을 확인하는 것을 본 적이 없습니다. 콘서트 사진만큼 성공적인 결과에 대한 기쁨이 크게 표현되는 곳도 없고, 사진가가 자신과 사진에 만족하는 경우 좋은 결과를 보고 그렇게 승리의 주먹을 들어 보이는 곳도 없습니다.
그림 3.21: 2010년 9월 1일의 ich & ich: 프론트맨 아델 타울 (현재는 주로 솔로로 활동)이 첫 세 곡의 멋진 원맨쇼를 선보이고 있다(두 번째 'ich'인 아네트 험프는 콘서트에서 공연하지 않는다). 그럼에도 불구하고 사진가들은 더 오래 머물고 싶었지만 보안 요원이 세 곡만 부른 후 사진가들을 다시 구덩이 밖으로 안내했을 때 불평하는 사람은 거의 없었습니다. Nikon D3S, 2.8/24-70mm Nikkor, 초점거리 24mm 사용. 1/1250초, Blender 3.2, ISO 3200.
(사진 © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
