As particularidades da fotografia de concertos são:
• Restrições legais: Outros (promotores de concertos, músicos e seus gerentes) determinam o que, quando e como pode ser fotografado e qual é a extensão das possibilidades de uso (publicação das fotos).
• Dois hobbies muito agradáveis (música e fotografia) se unem para formar a fotografia de concertos, o que aumentou enormemente sua popularidade.
• Poucas possibilidades de intervenção ativa para os fotógrafos de concertos.
• Perspectivas amplamente pré-estabelecidas, dependendo da construção da sala de concertos/palco e do status de acreditação.
• Situações de iluminação incontroláveis e rapidamente variáveis tornam o controle de exposição difícil para os fotógrafos.
• A própria luz (por exemplo, flash de sistema) não pode ser usada.
• Frequentemente, janelas de tempo extremamente curtas para fotografar (geralmente apenas três músicas; às vezes até menos), o que leva os fotógrafos a trabalhar sob enorme estresse; ao mesmo tempo, porém, como caçadores ou paparazzi, a adrenalina aumenta.
Figura 3.1: Com a coragem da desesperança: os fotógrafos de concertos têm poucas oportunidades de design, não têm influência na iluminação (geralmente difícil) e geralmente têm apenas tempo para três músicas para ter as fotos necessárias. Tudo isso significa estresse, e às vezes você fotografa "corajosamente" contra a luz direta ... Jan Delay em concerto no Zeltfestival Ruhr, em 20 de agosto de 2010. Nikon D3S com 2,8/24-70-mm-Nikkor, com comprimento focal de 24mm. 1/2000 segundo, abertura 3,5, ISO 1600.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Poucas possibilidades de intervenção ativa disponíveis
Especialmente para mim, como fotógrafo publicitário, acostumado a fazer de tudo para planejar precisamente o resultado da foto e influenciá-lo conforme a ideia visual (seja pelas próprias especificações ou do cliente), a fotografia de concertos com suas muitas incertezas não é apenas um grande desafio, mas também uma mudança em relação ao trabalho diário (controlado) como fotógrafo publicitário.
Como fotógrafo de concertos, NÃO posso:
• … gritar instruções de direção ao artista no palco (dar instruções de direção), sobre como ele/ela deve se posicionar para mim; não posso dar dicas sobre qual pose ou qual ângulo em relação à luz seria mais favorável.
• … ajustar a iluminação ou a estrutura do palco conforme minha preferência.
• … fazer os músicos repetirem poses ou movimentos, por exemplo, para capturar variações.
• … influenciar a escolha de cores das roupas em harmonia com a estrutura do palco e a iluminação.
• … banir elementos perturbadores (como suportes de microfone, garrafas de água ou caixas aos pés dos artistas) do palco.
• … alterar minha posição de disparo arbitrariamente.
• etc.
Figura 3.2: Claro que eu teria preferido gritar para os caras do Culcha Candela (concerto em 20 de agosto de 2011): "Ok, agora por favor, posicionem-se na minha direção e acenem para mim!" ... Mas saber como a segurança reagiria a tentativas de interferência me fez optar pelo silêncio e assim tirei a foto apenas de lado, o que talvez não fosse o ideal, mas naquele momento não havia outra opção. Nikon D3S com 4/24-120-mm-Nikkor, com comprimento focal de 78mm. 1/160 segundo, abertura 4,0, ISO 3200.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Embora seja bastante difícil para o fotógrafo de concertos impor seu estilo visual, devido à escassez de possibilidades de intervenção ativa, é precisamente dessa circunstância que surge o atrativo que caracteriza esse tipo de fotografia: o fotógrafo se torna a presa (devido ao curto tempo disponível) e, ao mesmo tempo, o caçador: sempre à espreita, ansioso pelo momento perfeito em que a luz, a pose e a técnica da câmera se unem de maneira ideal; pronto para tirar a foto genial quando a oportunidade se apresentar.
Nesse sentido, a fotografia de concertos talvez signifique um pouco de "voltar às origens". Embora geralmente se utilizem óticas luminosas e câmeras modernas com baixo ruído em altos valores de ISO, a batalha de material que ocorre em outras áreas da fotografia não é possível na fotografia de concertos (por não ser permitida pelos organizadores).
O que conta mais, além do equipamento de alta qualidade e do domínio da técnica da (câmera), é a boa preparação (quem conhece as músicas dos artistas sabe quando cada instrumento é usado e quando solos ou performances impactantes são esperados), a capacidade de reação rápida (por exemplo, diante de coisas novas e imprevisíveis na coreografia ou quando um músico se destaca em ação), o senso de equipamento adequado (pois muitas vezes conta a objetiva que está na câmera, já que trocar de lente leva muito tempo desnecessário), a criatividade na composição da imagem de forma instintiva (quem pensar nas regras de composição durante a fotografia, já está perdido!) e - por último, mas não menos importante - a compreensão das interações fotograficamente relevantes (por exemplo, tempo, abertura e valor de ISO, para ser capaz de ajustar rapidamente a combinação de parâmetros desejada independentemente da exposição automática da câmera).
Figura 3.3: ich & ich em 1 de setembro de 2010. Mesmo que os fotógrafos de concertos não possam influenciar a coreografia, ainda restam meios para proporcionar fotos de concertos visualmente atraentes, por exemplo, através da composição da imagem. Os fotógrafos de concertos precisam ser flexíveis. Aqui fotografei Adel Tawil do ich & ich. Nikon D3S com 2,8/24-70-mm-Nikkor, com comprimento focal de 70mm. 1/500 segundo, abertura 3,2, ISO 3200.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Perspectiva(s) amplamente pré-definida(s)
Como fotógrafos de concertos, não nos é permitido, com poucas exceções, vaguear livremente à frente ou ao lado do palco. Pelo contrário: ao sermos credenciados, são-nos atribuídas certas áreas (como a área junto ao palco). É bom quando podemos movimentar-nos livremente dentro desta área; no entanto, muitas vezes esta liberdade é fortemente restrita, tornando-nos obrigados a trabalhar em condições sub-ótimas e frequentemente muito apertados.
Uma vez que a maioria das imagens são inevitavelmente captadas a partir da área junto ao palco, que geralmente está posicionada diretamente em frente ao palco em posição deprimida, as fotos "típicas" dos concertos parecem que os fotógrafos estão deitados de barriga para baixo no chão em frente aos músicos.
No entanto, talvez este efeito seja intencional, pois os músicos - mesmo os mais pequenos entre eles - parecem muito maiores e também "heróicos", quando fotografados de baixo para cima, do que realmente são.
Para que a qualidade fotográfica não seja comprometida, é importante ficar atento para que a distorção resultante do baixo ângulo da câmera (mais evidente ao usar lentes grande angulares) não seja muito perceptível. Fotógrafos profissionais reconhecem imediatamente a "alongamento" dos músicos, que de repente parecem todos ter pernas longas. No entanto, o crucial é que os espectadores "normais" não percebam esse efeito - ou pelo menos que não pareça antinatural e perturbador.
Figura 3.4: Culcha Candela em 20 de agosto de 2011: Aqui também estávamos os fotógrafos diretamente junto ao palco, na área designada, o que resultou, inevitavelmente, numa perspectiva extrema de baixo em todas as fotos (com o efeito de enfatizar as extremidades inferiores dos músicos, para a alegria do patrocinador de sapatos). Nikon D3S com 4/24-120-mm-Nikkor, com a distância focal de 24mm. 1/500 segundo, abertura de 4,0, ISO 3200.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Capturei o guitarrista da BAP no concerto em 24 de agosto de 2011. Para destacar a cabeça do retratado do (muitas vezes agitado) fundo, gosto de fotografar com uma abertura quase totalmente aberta. Minha lente favorita para isso (com a distância focal ideal para retratos, quando se está na vala bem em frente ao palco) é a 1,4/85 mm Nikkor. Geralmente eu fecho a lente um pouco mesmo assim (em cerca de 1 ponto f), para obter um melhor desempenho de nitidez (em comparação com a abertura totalmente aberta). Nikon D3S com 1,4/85 mm Nikkor. 1/250 segundo, abertura 2,2, ISO 1250.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Situação de luz incontrolável e variável
Outra condição que torna a fotografia de concertos sempre emocionante (e um pouco aleatória) é a situação de luz variável. Dependendo do estilo de música e coreografia, é de se esperar uma iluminação que muda rapidamente.
Não é incomum que a luz mude no curto período de tempo em que o fotógrafo decidiu pressionar o botão do obturador e a exposição real acontecer. Esses instantes podem fazer com que uma foto resulte totalmente diferente do que foi planejado, devido à mudança da luz.
Figura 3.9: Nós Somos Heróis em 25 de agosto de 2011. Essas duas fotos foram tiradas em um segundo - e ainda assim ficaram completamente diferentes em termos de iluminação. Portanto, os fotógrafos de concertos precisam reagir rapidamente, e às vezes uma dose de sorte também desempenha um papel, pois muito raramente é possível prever as mudanças de luz (momento e tipo de iluminação). Nikon D3S com 1,4/85 mm Nikkor. 1/320 segundo, abertura 4, ISO 2000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Na explicação anterior, fica claro por que os fotógrafos de concertos preferem câmeras com o menor atraso no obturador possível. (O atraso do obturador da minha Nikon D4, por exemplo, é de 42 milissegundos, ou seja, 0,042 segundos).
Deve-se notar que a iluminação eficaz que torna as fotos de concerto tão emocionantes consiste principalmente em contraluz! Em combinação com a névoa, isso cria a iluminação eficaz do fundo do palco que produz efeitos visuais notáveis.
A névoa é necessária, pois a luz sozinha não seria visível. Se não houvesse partículas de névoa ou poeira no ar, veríamos apenas as lâmpadas - mas não os raios de luz tão fotogênicos.
Figura 3.10: RUNRIG em seu concerto em 29 de agosto de 2012 em Bochum. Devido às partículas de poeira e névoa no ar, os eficazes raios de luz dos refletores são claramente visíveis. Por outro lado, se apenas víssemos os refletores (ou seja, a origem dos raios de luz), a iluminação seria relativamente sem graça.
Portanto, a máquina de fumaça é essencial para o show de luz! Apenas uma décima de segundo antes, o guitarrista Donnie Munro ainda estava bem iluminado pela frente por um refletor; no entanto, no momento em que pressionei o obturador da minha D4, ele já havia apagado - e assim como em uma silhueta, só era visível a silhueta do cantor. No entanto, esta foto me agradou devido à iluminação colorida e eficaz, então não a descartei. Nikon D4 com 2,8/14-24 mm Nikkor, com distância focal de 19mm. 1/80 segundo, abertura 2,8, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Nota
Mesmo que a contraluz sempre represente o risco de que os raios de luz entrem diretamente na lente (a utilização de um para-sol é altamente recomendada), os problemas de exposição surgem principalmente pela velocidade com que o show de luz muda. Até situações de luz difíceis podem ser resolvidas fotograficamente, resultando em boas fotos. No entanto, isso se torna quase impossível quando a situação de luz muda rapidamente e constantemente. Então, não há mais tempo para pensar; o fotógrafo deve agir mais intuitivamente para que as fotos bem-sucedidas também dependam um pouco da sorte!
Figura 3.11: Aqui, o "Rocker de Pânico" Udo Lindenberg foi capturado de forma ideal no concerto em Berlim em 15 de outubro de 2008 - com "halo". Além de reagir rapidamente, pressionar o obturador no momento certo, uma dose considerável de sorte também é necessária, pois entre os fotógrafos de concertos é comum saber que as situações de luz mudam mais rápido do que podemos imaginar. Excepcionalmente vantajosa nessa situação foi a baixa posição do fotógrafo, pois de mais longe ou de uma posição mais alta, esse efeito do "halo" não teria sido tão bem destacado.
(Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Seria bom se a iluminação dos músicos e do palco fosse coordenada com os fotógrafos - mas esses são desejos que infelizmente são irreais (exceto talvez em fotos de publicidade encomendadas pela banda). Portanto, os fotógrafos de concertos são passivamente obrigados a aceitar o show de luz como foi concebido por outras pessoas (técnicos de iluminação e coreógrafos). Quem tem dificuldades com mudanças rápidas de iluminação é aconselhado a praticar inicialmente em concertos com menos "agitação" do ponto de vista da iluminação. Em concertos clássicos, chansons e música de entretenimento, etc., também são esperadas mudanças de luz menos frequentes e mais lentas, assim como em concertos em pequenos bares de música, onde a tecnologia de iluminação extravagante não está presente devido a limitações financeiras.
Figura 3.12: Nós Somos Heróis em 25 de agosto de 2011 no Zeltfestival Ruhr em Bochum/Witten no Lago de Acumulação Kemnader. Neste concerto, todos os fotógrafos estavam praguejando, pois com as estranhas "lâmpadas de cozinha" que jogavam luz branca intensa diretamente nos artistas, incluindo a cantora e vocalista Judith Holofernes, era difícil obter retratos atraentes dos membros da banda. Os contrastes resultantes eram fortes demais: uma iluminação pouco favorável (também para os músicos!)! Utilizei a lente Fisheye para fazer uma foto geral do palco estando diretamente na vala em frente ao palco. Nesta foto, são claramente visíveis todos os objetos que frequentemente - e também aqui - estão no palco: garrafas de água para a banda, cabos de extensão, "colas" com o programa de músicas, tomadas de energia, alto-falantes e outras tecnologias de palco. Nikon D3S com 2,8/10,5 mm Nikkor. 1/200 segundo, abertura 4, ISO 2000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Imagens com tons de cor devido à iluminação do palco
Tons de cor no(s) farol(es) dominante(s) são na verdade um efeito desejado em fotos de concertos. Imaginem se apenas luz branca fosse usada em um concerto: os resultados das fotos seriam entediantes. A luz colorida desempenha, portanto, um papel significativo para a atmosfera em festas e concertos, e também fotograficamente, a luz colorida é muito mais interessante nesse contexto.
Figura 3.13: Celine Dion em concerto em Berlim em 12 de junho de 2008. Com luz branca natural, as fotos de concerto parecem bem menos espetaculares - mesmo quando uma estrela mundial está no palco. (Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Às vezes, no entanto, o tom de cor resultante - especialmente no rosto dos músicos - pode ser muito forte e parecer desagradável ou perturbador para quem vê a imagem. Lembrem-se: não podemos simplesmente "apagar" um tom de cor.
É interessante observar como as cores têm efeitos diferentes:
• tom de verde: geralmente parece desfavorável, porque o músico dá a impressão de estar "doente" (o amarelo tem um efeito semelhante).
• tom de azul: o azul parece frio; às vezes a pele sob essa iluminação parece um pouco pálida.
• tom de vermelho: parece dinâmico até agressivo; combina bem com hard rock e heavy metal; com um tom vermelho forte, é difícil enfraquecer o efeito através da saturação de cor, pois a pele então desbota.
Figura 3.14: Sunrise Avenue em 27 de agosto de 2012. Nesta foto, removi um pouco o tom esverdeado na pós-produção no Photoshop, para que ele não parecesse tão perturbador. Caso contrário, a luz verde é semelhante ao amarelo - não é muito adequada para iluminar diretamente os músicos individualmente. A pele pode rapidamente parecer doentia. Nikon D4 com Nikkor 1,4/85mm. 1/800 segundo, abertura 2,5, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figura 3.15: Sunrise Avenue em 27 de agosto de 2012. Aqui também, no Photoshop, suavizei um pouco o tom azulado usando a saturação de cor, para que os tons de pele do artista não parecessem tão artificiais e pálidos. Nikon D4 com 1,4/85mm Nikkor. 1/1000 segundo, abertura 2,2, ISO 3200.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figura 3.16: Tim Bendzko em 24 de agosto de 2012 em Bochum. Apenas consegui suavizar levemente o tom avermelhado; não pude eliminá-lo completamente, pois ao reduzir a saturação de vermelho, a pele desbota rapidamente, já que os tons de pele consistem em grande parte de vermelho. Nikon D4 com 1,4/85mm Nikkor. 1/200 segundo, abertura 2,2, ISO 2.000.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusão sobre o tema
Tons de cor em fotos de concertos são intencionais; eles tornam as fotos espetaculares. No entanto, em retratos, o tom de cor pode ser perturbador, especialmente se distorcer o rosto do artista. Uma maneira de suavizar esse efeito é reduzir a saturação da cor correspondente na pós-produção. Deve-se ter cuidado para fazer isso apenas levemente, pois uma redução excessiva rapidamente faz com que o rosto pareça pálido e não natural.
Figura 3.17: Uma outra possibilidade de eliminar um tom de cor indesejado no rosto do artista é converter toda a foto em preto e branco (ou em sépia, conforme apropriado). Esta método pode parecer um pouco "brutal" à primeira vista, mas fotos em preto e branco continuam sendo populares.
Basta observar como a foto específica fica em preto e branco, pois nem todas continuam parecendo tão boas (ou até melhores) sem as cores. A foto mostra Milow em concerto em 1 de setembro de 2011. Nikon D3S com 1,4/85mm Nikkor. 1/160 segundo, abertura 2,2, ISO 1250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Sem Flash
Uma outra peculiaridade na fotografia de concertos é a proibição do uso de iluminação própria. Isso se refere, especialmente, ao flash do sistema do fotógrafo ("flash embutido"). Existem várias razões para isso:
• O uso de iluminação do fotógrafo própria (como, por exemplo, o flash do sistema) alteraria a iluminação (autorizada pelos músicos) da luz: nas fotos, o show de luzes não seria mais destacado corretamente. Naturalmente, também é possível usar o flash do sistema de forma discreta, quase apenas para iluminar o artista, em primeiro plano. No entanto, os músicos e sua equipe não podem presumir que todos os fotógrafos usariam sua luz de forma tão habilidosa.
• Quando se está no palco e talvez um pouco nervoso por causa da apresentação, a enxurrada de flashes que aconteceria se os fotógrafos pudessem usar seus próprios sistemas de flash seria muito perturbadora e distraente para os músicos.
• Se os músicos fossem cegados diretamente nos olhos por um flash poderoso, poderiam ficar deslumbrados e não ser capazes de ver detalhes importantes, como sequências de programação coladas no chão do palco, corretamente - o que poderia resultar em insegurança ou até mesmo na interrupção do concerto.
• Até a segurança poderia se sentir perturbada, pois, entre outras coisas, ela tem a função de detectar rapidamente distúrbios no público, retirar pessoas desmaiadas da aglomeração e evitar ataques de pânico. Isso se torna mais difícil se flashes constantes vêm da área reservada à imprensa.
• Por último, mas não menos importante, o público também poderia se sentir perturbado. Afinal, os flashes constantes vindos do fosso da imprensa desviariam desnecessariamente a atenção do espetáculo real (que, do ponto de vista do público, ocorre no palco).
Figura 3.18: A utilização discreta de um flash teria assegurado, também neste caso, que o tom azulado no rosto de Bushido (aqui no seu concerto em Berlim em 28 de setembro de 2006) teria sido suavizado e que o rosto teria sido mais valorizado. Ao usar habilmente o flash do sistema com menor potência, a atmosfera luminosa das fotos do concerto não é destruída e a perturbação dos artistas (por ofuscamento) é então mínima e negligenciável. No entanto, a indústria não quer depender apenas de fotógrafos experientes para fazer fotos de concertos; sempre há pessoas suficientes que conseguem credenciais, que não sabem como utilizar adequadamente seu equipamento fotográfico e que realmente perturbariam os músicos com um verdadeiro dilúvio de flashes.
(Foto © 2006: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Conclusão
Embora outras soluções (por exemplo, apenas um "flash de preenchimento" discreto) fossem teoricamente possíveis, devido à praticidade, não se deve esperar uma permissão futura para que os fotógrafos de concertos tragam e usem suas próprias fontes de luz (principalmente flashes do sistema) para o evento. Portanto, não nos resta outra opção senão fazer o melhor em cada situação de luz. Como já enfatizado anteriormente: os fotógrafos precisam ser flexíveis se quiserem ter sucesso no mercado.
Figura 3.19: Runrig em 29 de agosto de 2012. Se eu tivesse tido permissão, teria iluminado o rosto do guitarrista aqui. Como isso não foi possível, simplesmente foquei na guitarra e aumentei ainda mais os contrastes na pós-produção no Photoshop. Nikon D4 com 1,8/85mm-Nikkor. 1/500 segundo, f/2,2, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Três Canções?
Como fotógrafo publicitário, recuso trabalhos que tenham uma duração inferior a quatro horas estabelecida pelo cliente. Primeiro, porque sob estresse não consigo ser suficientemente criativo. E segundo, porque é somente ao fotografar variações que fotos extraordinárias resultam. Mas para isso, eu preciso de tempo suficiente!
Certamente existem outras razões pelas quais quatro horas de tempo de fotografia devem ser consideradas como mínimo (por exemplo, a impossibilidade de planejar tudo perfeitamente até o último detalhe). Mas as duas razões mencionadas acima são suficientes para explicar que fotos extraordinárias não surgem por "mágica", mas sim pelo trabalho árduo.
Portanto, na minha primeira experiência como fotógrafo de concertos, fiquei bastante chocado ao saber que nós fotógrafos deveríamos trabalhar em circunstâncias tão adversas. Afinal, pensava ingenuamente naquela época, os artistas (e também seus gerenciadores e os organizadores dos concertos) deveriam ter interesse em ter fotos de alta qualidade nos concertos. Apenas fotos de alta qualidade - era meu pensamento naquela época - também são uma forma de publicidade para o evento específico.
Agora sei que nós, os fotógrafos "visualmente orientados", temos prioridades diferentes e avaliamos as coisas de forma diferente em relação aos músicos (e todos os que trabalham com eles): Da perspectiva deles, a acústica pode ser muito mais importante do que fotos artisticamente desafiadoras. O fato de nós fotógrafos vermos as coisas de maneira diferente é óbvio.
Além disso, em algum momento, algumas superestrelas (e também as estrelas pop, como Britney Spears, por exemplo), começaram, provavelmente por razões de vaidade, a impor cada vez mais regras aos fotógrafos. Por exemplo, que as fotos só poderiam ser tiradas de um local específico dentro da vala para mostrar apenas o "lado bom" do artista.
E assim, em algum momento, a restrição da permissão para fotografar apenas as três primeiras músicas por apresentação surgiu. Provavelmente, a intenção por trás disso é apresentar os artistas frescos e sem suor (especialmente sem manchas de suor nas camisetas sob as axilas). (Afinal, para alguns músicos, a imagem é (muitas vezes) mais importante do que a música em si).
Outra razão para a limitação da duração da fotografia apenas às três (geralmente primeiras) músicas pode ser para tentar evitar que os fotógrafos se credenciem para assistir gratuitamente ao concerto. (Quando os interesses privados estão na base da decisão de se credenciar como fotógrafo).
Figura 3.20: Quando se tem apenas tempo para fotografar três músicas durante um concerto, aprende-se a trabalhar de forma rápida e eficiente. No entanto, é comum que as melhores cenas não sejam fotografadas, porque os artistas também precisam de um tempo para "aquecer". Com Dick Brave (também conhecido como Sasha), aqui em 26 de agosto de 2012 com sua banda The Backbeats no Zeltfestival Ruhr, o show começa já na primeira música. Isso significa para os fotógrafos: poses de machões do rockabilly garantidas desde o início! Nikon D4 com 1,8/85mm-Nikkor. 1/320 segundo, f/2,5, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Conclusão Final
Quando se tem apenas a duração de três músicas para fotografar durante um concerto, isso representa uma forte restrição às possibilidades fotográficas - mas também um grande desafio! No final das contas, a fotografia de concertos se tornou o que é hoje principalmente devido a essa restrição: os fotógrafos já estão com um certo nervosismo desde o início. Nervosamente, verificam as configurações da câmera pela décima vez. Formatam o cartão de memória pela quarta vez e, pela quinta vez, verificam a presença dos cartões de memória de reserva na mochila fotográfica - mesmo que, devido à curta duração da fotografia, nenhum fotógrafo se veja obrigado a trocar o cartão (cheio) durante o evento. (O período é tão curto que não dá para encher um cartão de memória de 8 ou 16 gigabytes com fotos de forma "significativa").
Esse frenesi das lâmpadas ou de caça faz parte da fotografia de concertos. Os fotógrafos estão cientes do tempo escasso que lhes é concedido e temem ansiosamente se conseguirão trazer para casa fotos bem-sucedidas suficientes. Em nenhuma outra área da fotografia vi os fotógrafos tão ansiosos para verificar as fotos (ainda na câmera, na tela); em nenhum lugar a alegria pelas boas fotos resultantes é expressa tão ruidosamente quanto na fotografia de concertos e em nenhum outro lugar o fotógrafo estende tão triunfantemente o punho ao admirar os bons resultados quando está satisfeito consigo mesmo e com as fotos.
Figura 3.21: eu & eu em 1 de setembro de 2010. O vocalista Adel Tawil (agora principalmente em carreira solo) já oferece um ótimo show solo nos primeiros três músicas (o segundo "eu", Annette Humpe, não se apresenta nos shows). No entanto, os fotógrafos gostariam de ter ficado mais tempo - mas mal se ouve murmúrios quando a segurança retira os fotógrafos da área após apenas três músicas. Nikon D3S com 2,8/24-70 mm Nikkor, a uma distância focal de 24mm. 1/1250 segundos, f/3.2, ISO 3200.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
