Iată o prezentare generală a capitolelor individuale:
Partea 01 - "Profesia visurilor" fotograf de concerte?
Partea 02 - Aspecte legale
Partea 03 - Aspecte speciale ale fotografiei de concerte
Partea 04 - Comportamentul în „groapă”
Partea 05 - Echipamentul util pentru fotografi de concerte
Partea 06 - Sfaturi și trucuri de la profesioniști (în fotografie de concerte)
Partea 07 - Compunerea imaginii (Partea 1)
Partea 08 - Compunerea imaginii (Partea 2)
Partea 09 - Setările recomandate ale aparatului de fotografiat
Partea 10 - Post-procesare
Figura 6.1: Dacă doriți să realizați fotografii de concert atmosferice și extraordinare, aveți nevoie, pe lângă un echipament foto potrivit, și de puțină experiență – sau cel puțin de câteva sfaturi bune de la fotografi experimentați. Desigur, norocul joacă și el un rol. Cu toate acestea, există un proverb: „Norocul este de partea celor harnici!”. Prin urmare, nu ar trebui să vă bazați doar pe norocul vostru, deoarece atunci veți aduce acasă doar rar fotografii speciale de la un concert. Aici, fotograful Sven Darmer a fotografiat cântărețul Depeche Mode, Dave Gahan,, în fața unui fundal scenic impresionant (concert la 9 iunie 2013, la Stadionul Olimpic din Berlin). Canon EOS-1D X cu EF 2,8/70-200mm la o distanță focală de 142mm. 1/250 secundă, diafragmă 7,1, ISO 3.200.
(Foto © 2013: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
6.1 Metode adecvate de măsurare a expunerii
Următoarele metode de măsurare a expunerii sunt posibile cu majoritatea aparatelor foto moderne:
• Măsurarea integrală (ponderată central)
• Măsurarea spot
• Măsurarea matrice
Figura 6.2: Muzicienii, ca toți artiștii, sunt adesea îmbrăcați complet în negru, ceea ce nu ușurează deloc măsurarea expunerii pentru noi, fotografilor. Cu toate acestea, dacă muzicianul își menține poziția pe o anumită perioadă de timp, uneori se poate folosi și măsurarea spot în mod util.
Atunci veți măsura pe fața artistului și veți putea astfel determina o valoare care este independentă de lumina de fundal a scenei. Și astfel reușiți să obțineți ca persoana să fie bine reprezentată și să poată fi recunoscută pe fotografiile dvs. Nikon D800 cu 2,8/70-200mm-Nikkor la o distanță focală de 120mm. 1/1000 secundă, diafragmă 5,6, ISO 1000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
În cazul măsurării integrale, sunt luate în considerare valorile individuale de luminozitate ale întregului câmp de imagine. Este ideală, de exemplu, pentru fotografiile tipice de vacanță sau pentru fotografiile de grup cu condiții de lumină cât mai normale posibil (fără contraste prea puternice). În varianta a măsurării integrale ponderate central, zona din mijlocul imaginii este ponderată mai puternic decât zonele marginale (la Nikon D4, este un cerc în mijlocul imaginii cu un diametru de 12mm, care este ponderat cu 75%).
Proiectanții camerelor pornesc de la premisa că părțile motivaționale ale imaginii sunt de obicei plasate în mod central în imagine (de exemplu, în fotografii de grup).
Figura 6.3: Peter Maffay la concertul de pe scena "Waldbühne" din Berlin (la 28 mai 2011). Atunci când subiectul este compus dintr-un număr egal de zone întunecate (aici: curea de chitară, pantaloni) și zone deschise (aici: părți ale corpului chitarei) și restul din zone neutre-luminate (aici: fundal gri), metoda de măsurare a expunerii integrală produce cele mai bune rezultate. (A fost folosită aici măsurarea integrală ponderată central). Canon EOS-1D Mark IV cu EF 2,8/70-200mm la o distanță focală de 165mm. 1/250 secundă, diafragmă 4,5, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Măsurarea spot este o metodă de măsurare a expunerii pentru fotografi experimentați; numai la folosirea corectă a acesteia rezultă rezultate corecte. La măsurarea spot, o mică parte a câmpului de imagine (zona de măsurare se află adesea în centru) este folosită pentru a măsura specific o mică parte a luminozității subiectului. Aceasta va fi zona considerată cea mai importantă și care trebuie expusă corect. În fotografie de concert, aceasta este adesea fața cântărețului/muzicianului. Cu toate acestea, următoarele aspecte aduc adesea dificultăți utilizatorilor: în primul rând, dimensiunea zonei de măsurare, care în Nikon D4, de exemplu, are un diametru de 4mm (care corespunde aproximativ cu doar 1,5% din întregul câmp de imagine).
În al doilea rând, trebuie asigurat faptul că zona din subiect care va fi măsurată are o reflexie apropiată de griul 18%. Aici camerele foto sunt calibrate pentru măsurarea expunerii; reflexia unui gri 18% este valoarea de referință și dacă zona adecvată din subiect diferențiază în reflexie, măsurarea expunerii va fi greșită. Deci, doar subiectele la care zona adecvată reflectă lumina ca un gri 18% sunt potrivite pentru măsurarea spot a expunerii. (Să ții o carte de gri de referință în fața cântărețului pentru a determina o expunere corectă în timpul concertului – cred eu – este mai degrabă imposibil ...). Ceea ce îi confuzează uneori pe unii fotografi este faptul că măsurarea expunerii are loc adesea în centrul câmpului activ de focusare.
Aceasta poate duce ușor la confuzii, că cele două funcții ar fi „înrudite”. Totuși, din punct de vedere al controlul camerei și logică, măsurarea expunerii și autofocalizarea nu au nimic în comun. Măsurarea expunerii este folosită pentru a crea o imagine care să nu fie nici prea luminoasă, nici prea întunecată (cu excepția cazului în care se alege să se facă fotografii high-key sau low-key). Autofocalizarea, pe de altă parte, este necesară pentru a realiza o fotografie corectă și clar-focalizată.
Figura 6.4: Un subiect (cu multe zone întunecate), care este potrivit pentru a determina, prin intermediul măsurării spot, combinația corectă între timp de expunere, diafragmă și sensibilitate ISO, pentru a obține o fotografie corect expusă. Este important, la utilizarea măsurării spot, să existe o iluminare constantă (aici: lumina zilei) pe o perioadă suficient de lungă, în timpul căreia aveți timp să efectuați măsurarea expunerii.
De asemenea, artistul de pe scenă nu trebuie să se miște prea repede, astfel încât să puteți efectua măsurarea expunerii. Din cauza fundalului întunecat și a hainelor negre ale muzicianului, o altă metodă de măsurare a expunerii ar fi dus la un rezultat supraexpus, în care hainele ar arăta gri și fața ar apărea mult prea luminoasă. (Cu excepția cazului în care se folosise măsurarea integrală sau măsurarea matrice combinată cu corecția manuală a expunerii, cunoscută și sub numele de corecție plus-minus). Nikon D800 cu 2,8/70-200-mm-Nikkor la o distanță focală de 175mm. 1/640 secundă, diafragmă 4,0, ISO 1.000.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
În metoda de măsurare multi-câmp (numită și măsurare matrice), imaginea este împărțită în mai multe zone (de exemplu, cinci: un câmp în centru și cele patru colțuri adiacente). Fiecare zonă este măsurată (automat) de către cameră și apoi se formează o medie a acestora.
Această metodă de măsurare a expunerii este recomandată atunci când sunt fotografiate motive cu contrast ridicat. Ideea este că toate părțile imaginii ar trebui să fie luate în considerare și să se determine o combinație de timp-diafragmă-ISO considerată drept un compromis din toate zonele (pentru a evita astfel zonele albe prea luminoase sau cele negre fără detalii în fotografie).
Chiar dacă producătorii au dezvoltat ulterior această metodă de măsurare a expunerii (de exemplu, măsurarea matricială a culorilor, care ia în considerare și culorile din motiv în determinarea luminozității; sau măsurarea matricială color 3D, care ia în calcul și distanțele dintre zonele motivului în calculul expunerii), toate metodele de măsurare a expunerii suferă de o problemă:
Dacă diferențele de luminozitate din motiv sunt prea mari (= gamă de contrast mare), este imposibil să obții o fotografie bine expusă cu o singură captură. În acest caz, gama de contrast din motiv este mai mare decât intervalul dinamic al camerei, astfel încât inevitabil vor apărea zone în fotografie care să fie negre fără detalii sau albe prea luminoase. Soluția ar fi HDR; totuși, pentru fotografia de concerte, acest lucru este complet nepotrivit din cauza interdicției de utilizare a trepiedului în groapă și a mișcării muzicienilor pe scenă.
Figura 6.5: În fotografia de concert, condițiile de lumină dificil de gestionat sunt norma, cel puțin în cazul concertelor de rock și pop. În special atunci când un reflector strălucește în obiectiv ca (lumină de fundal atmosferică), se poate întâmpla ca persoanele (cântăreți/dansatori) de pe scenă să iasă prea întunecate în fotografie. Cu toate acestea, subexpunerea potențială din cauza luminii de fundal s-ar putea compensa, de exemplu, așa cum se întâmplă în această fotografie, unde îmbrăcămintea închisă la culoare (preponderent neagră) a trupei de băieți echilibrează măsurarea expunerii. Astfel, cele două extreme (lumina de fundal pe de o parte; îmbrăcămintea neagră a artiștilor pe de altă parte) se echilibrează din nou. Rezultatul este o fotografie de concert cu atmosferă, în care fețele cântăreților încă sunt suficient de bine puse în valoare. US5 în concert la 24 noiembrie 2007 în Berlin.
(Fotografie © 2007: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
În cele din urmă, important este ca fotograful să decidă care parte (importantă pentru imagine) a motivului trebuie să fie expusă corect. Și dacă apelează la metoda de măsurare Spot, Integral sau Multi-câmp este complet irrelevant. Important este că, prin metoda utilizată, obține rezultatul corect.
Remarca: Această „schimbare” manuală a parametrilor recomandați de cameră (compus din timp, deschidere diafragmă și sensibilitate ISO pentru a obține o anumită luminozitate a imaginii) adaptată cerințelor motivului este atât de importantă în practica fotografică, încât mulți producători de camere de fotografiat au inclus această funcție pe roata de funcții (la Nikon: de obicei acționată cu degetul mare drept). Astfel, fotograful poate interveni rapid și alege combinația de expunere pe care o consideră corectă.
De multe ori, fotografii preferă să fotografieze cu diafragma deschisă (apoi deschid diafragma și compensează cu un timp de expunere mai scurt sau prin reducerea valorii ISO) sau au nevoie de un timp de expunere mai scurt, de exemplu, pentru că muzicienii livrează un spectacol rapid și intens, care necesită o viteză de declanșare scurtă în timpul fotografiilor (apoi scurtează timpul de expunere și compensează prin deschiderea diafragmei sau prin creșterea sensibilității ISO). Însă sunt posibile și cazuri în care raza de adâncime a câmpului trebuie mărită, de exemplu, deoarece toți muzicienii de pe scenă trebuie să fie clari într-o fotografie sau când fotograful are nevoie de timp de expunere mai lung pentru a obține anumite efecte (de exemplu, în cazul utilizării piro-tehniei în spectacol).
Combinarea timpului de expunere, diafragmei și sensibilității ISO poate avea ca rezultat multe combinații diferite, toate ducând la o expunere constantă. Alegeți combinația care oferă rezultatul optim pentru motivul pe care intenționați să-l fotografiați!
Figura 6.6: În această fotografie, accentul ar trebui să fie pus pe îndemânarea artistică a chitaristului de la BAP (concert din 24 august 2011). Pentru aceasta, am ales combinația de timp-diafragmă-ISO care permite evidențierea razei de adâncime a câmpului (cu o diafragmă practic deschisă). Astfel, am reușit să evidențiez chitaristul, lăsând fundalul complet în neclaritate. Astfel, fotografia pare aproape ca o sesiune foto de studio planificată - dar aproape deloc ca un instantaneu dintr-un concert pe o scenă relativ mică. Nikon D3S cu obiectiv Nikkor de 1,4/85 mm. 1/125 secundă, diafragmă 2,2, ISO 1.250.
(Fotografie © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.2 Automatizarea expunerii versus controlul manual
Mulți fotografi (în special începătorii cu multă ambiție) doresc cu ardoare să fotografieze în mod manual. Prin aceasta înțeleg că renunță la automatizările de expunere și setează manual timpul de expunere, diafragma și sensibilitatea ISO.
Consider că aceasta este abordarea greșită din mai multe motive: În primul rând, fluctuațiile de iluminare (ceea ce este destul de frecvent și variabil în fotografii de concerte) pot face ca să trebuiască să ajustăm în mod constant combinația de timp-diafragmă-ISO. Cu toate acestea, nu reușim întotdeauna să observăm aceste fluctuații (chiar dacă suntem echipați cu un ochi excelent și o minte ageră); expunerile incorecte sunt inevitabile. În al doilea rând, este destul de - acum, să spunem - curajos să crezi că fotograful poate estima atât de bine luminozitatea subiectului încât să poată seta manual timpul, diafragma și ISO-ul. Ochii noștri se obișnuiesc (foarte repede!) cu schimbările de lumină, astfel încât nu le observăm deloc; sau doar atunci când acestea sunt foarte mari și apar brusc.
Principiul în cazul setării manuale constă așadar în orientarea către valorile propuse de aparatul de fotografiat (-automatizarea expunerii). Acestea, la rândul lor, se bazează pe măsurarea de către aparatul foto a expunerii interne; ceea ce nu înseamnă altceva decât că diferența dintre ajustarea manuală a parametrilor timp, diafragmă și ISO și fotografierea cu unul dintre cele trei (profesionale) automatizări de expunere (program, diafragmă și timp; se recomandă cu tărie evitarea utilizării automatizării ISO!) constă doar în faptul că în primul caz valorile sunt setate de către fotograf (dar conform indicațiilor automatice ale aparatului) și în al doilea caz aparatul foto setează parametrii însuși (deoarece a fost aleasă una dintre automatizările de expunere).
Figura 6.7: În cazul concertelor clasice (sau și în cazul jazz-ului, country-ului, muzicii populare, muzicii ușoare, etc.) de regulă nu se așteaptă o iluminare puternic variabilă. De asemenea, nu se folosesc mai puține sau chiar deloc efecte de culoare ("spectacol de lumină"); astfel fotografilor de concerte li se poate aștepta cu iluminare constantă, naturală (albă), ceea ce simplifică considerabil controlul manual al expunerii. Aici, Montserrat Caballé a fost fotografiată la concertul ei din Berlin Philharmonie din 31 ianuarie 2011. Canon EOS-1D Mark IV cu EF 2,8/300mm. 1/160 secundă, diafragmă 2,8, ISO 1.000.
(Foto © 2011: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Figura 6.8: RUNRIG pe 29 august 2012. Atunci când iluminarea asupra muzicienilor este constantă (cel puțin pentru o durată "fericită", dar nedeterminată), este posibil să lucrăm bine cu setările manuale de expunere. Apoi, nu mai contează dacă proiectoarele luminează fundalul, deoarece prim-planul, muzicianul, rămâne (corect) expus.
(Între aceste două fotografii, am mai fotografiat alte 18 cu aceeași setare de expunere). Nikon D4 cu 1,4/85mm-Nikkor. 1/250 secundă, diafragmă 2,5, ISO 2.500.
(Foto © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Concluzie
Cine - din orice motive ar fi - preferă să fotografieze manual, poate face acest lucru cu plăcere. Însă în fotografia de concert profesionistă, așa cum și în alte domenii fotografice, contează doar rezultatul. Prin urmare, nu ar trebui să ne facem atâtea griji cu privire la drum, ci mai degrabă să ne asigurăm că rezultatul este reușit. Drumul către acel rezultat nu contează. (O fotografie nu este mai bună doar pentru că fotograful a lucrat cu setări manuale).
Cei care optează pentru setarea manuală a timpului de expunere, diafragmei și sensibilității ISO trebuie să țină cont că schimbările de iluminare necesită ajustarea setărilor de expunere. Așadar, în această situație trebuie să fie mereu atenți dacă setările de expunere conduc la rezultatul dorit sau dacă este necesară o corecție.
6.3 Folosirea funcției de fotografiere în serie a camerei
În fracțiuni de secundă, proiectoarele se aprind și se sting. Datorită mișcărilor deseori rapide ale muzicienilor pe scenă, aceștia acoperă o lumină (adversă) sau o lasă să pătrundă în obiectivele noastre. Zecimi de secundă decid dacă artistul clipește doar în momentul fotografierii portretului sau face o grimasă nefericită (inestetică).
Fotografia de concert este fotografie de acțiune, de aceea este recomandat să setăm camera la o viteză de fotografiere în serie. Cu toate acestea, nu este de ajutor să facem în mod regulat un duzinat de fotografii aproape identice una după alta; mai degrabă este indicat ca în timpul fotografierii să se tragă întotdeauna 2-4 câteva "focuri scurte". Astfel fotografii pot fotografia cu intenție și cu grijă motivele și totuși evită riscul ca, din cauza unui moment scurt, fotografia respectivă să devină inutilă (de exemplu, deoarece într-o fractiune scurtă de secundă un proiector luminează direct în obiectiv și astfel enervant).
Nu trebuie să ne limităm în fotografia de concert; datorită timpului scurt disponibil (de obicei doar trei cântece) nu trebuie să ne temem că cardul de memorie s-ar putea umple înainte de a fi scoși din fosa foto. Și bateria camerei va rezista probabil 3-4 concerte în șir înainte ca indicatorul de încărcare a bateriei să ne solicite încărcarea. Prin urmare, nu economisiți la fotografii, ci „penetrați”!
Figura 6.9: Mulți rockeri au poziții tipice. Dacă reușim să le captăm, acest lucru sprijină foarte mult vânzarea fotografiei. Billy Idol (aici în 27 noiembrie 2005 la Berlin) este, bineînțeles, un profesionist și un maestru al autodisciplinei. Setarea camerei pe modul de fotografiere în serie ajută la alegerea rezultatului optim din fotografii similare. Acela în care poziția se potrivește perfect, compoziția și expunerea sunt corecte, și și multe alte detalii (poziția proiectorului, mimică, persoanele și echipamentul din fundal, etc.) se armonizează într-un mod ideal.
(Foto © 2005: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
6.4 Bracketing – analizat critic
Sensul bracketing-ului nu l-am înțeles niciodată pe deplin. Mi se pare un pic exagerat, ca și cum ai trage în vrăbii cu tunul. Și cel puțin în era digitală, când noi, fotografi, fotografiem în format RAW și edităm toate fotografiile noastre (măcar ușor), bracketing-ul este inutil ca un ghimpe.
Figura 6.10: Bracketing-ul are sens doar atunci când fotografoul este nesigur cu privire la care este expunerea optimă; el încearcă astfel, cu mai multe fotografii cu expuneri diferite, să obțină măcar o imagine optim expusă. Cu toate acestea, fotografia de concert, cu iluminările sale care se schimbă rapid, nu este foarte potrivită pentru folosirea bracketing-ului. Așa cum am explicat deja de mai multe ori, iluminarea artiștilor de pe scenă se schimbă oricum constant și foarte repede. Astfel că, chiar și cu o setare constantă a expunerii, poți obține rezultate complet diferite. Dacă adăugăm la această incertitudine pe care o aduce show-ul de lumină o a doua incertitudine, respectiv schimbarea setărilor de expunere în timpul unei serii de fotografii, se adună două factori de risc, astfel încât rezultatul (optim) poate fi mai puțin prevăzut (realizat). Prin bracketing, te duci pe un teren foarte nesigur, astfel încât rezultatele sunt pur și simplu dependente de factori neprognozabili. De exemplu: să presupunem că subexpunerea asociată bracketing-ului apare exact în momentul în care un reflector strălucește direct în obiectivul fotografului și, astfel, ar produce oricum o subexpunere? (Fotografie © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Din punctul meu de vedere, este mult mai sensat să te concentrezi pe ajustarea corectă a camerei decât să fotografiezi variații de expunere. Chiar dacă setările la momentul capturării nu au fost chiar optime, fotografia poate fi „salvată” în majoritatea cazurilor datorită procesării RAW în Photoshop sau Lightroom. Așadar, concentrează-te mai bine pe o compoziție neobișnuită, pe capturarea unor scene minunate de la spectacol, pe fotografierea tuturor muzicienilor (chiar dacă unii dintre ei sunt încă necunoscuți). Și pentru a verifica setările de expunere, este suficient să arunci o privire scurtă din când în când pe ecranul camerei, pentru a descoperi și remedia erorile mai mari.
6.5 Folosiți baterii pline
Niciodată nu știi... Conform acestui motto, ar trebui să aveți întotdeauna baterii încărcate în cameră atunci când fotografiați concerte. Desigur, adesea ajunge doar o șasezime din capacitatea unei baterii puternice, dar este suficient, mai ales că se poate fotografia doar în primele trei cântece. Dar nu știi niciodată ce se poate întâmpla, dacă dintr-o întâmplare durata de fotografiere s-ar putea prelungi sau pentru că un muzician debutant trebuie promovat. Și cine știe, poate veți avea ocazia să faceți și mai multe fotografii înainte sau după concert, la interviuri (sau la proba de sunet anterioră)? Deci: Încărcați bateria camerei! (Sau luați o baterie de rezervă încărcată).
Figura 6.11: „E destul să-ți faci părul măciucă!” Atunci când Woody Allen pune mâna pe clarinet pe scenă (cum s-a întâmplat la acest concert cu New Orleans Jazz Band în data de 22 martie 2010 în Berlin), fotografii de concert expresive sunt garantate! Ar fi păcat să trebuie să te oprești din fotografii în avans pentru că bateria avea prea puțină capacitate rămasă și s-a descărcat complet între timp.
(Fotografie © 2010: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
6.6 Fotografieză în format RAW
Pentru multe domenii de fotografie, este complet inutil să fotografiezi în format RAW. JPEG este suficient din punct de vedere calitativ. Cu toate acestea, în fotografia de concert, fotografierea în format RAW este cu adevărat recomandată, mai mult decât în orice alt domeniu, deoarece aici avem de-a face în mod regulat cu contrastrate puternice de luminozitate. Zonele albe suprasaturate unde reflectoarele luminează direct în obiectiv și zonele cele mai întunecate din fundalul scenei nu sunt deloc rare. Chiar și fețele dispar adesea; fie devin prea luminoase, pentru că lumina de scenă este prea puternică pentru setarea noastră de expunere, fie fețele sunt prea întunecate, deoarece reflectoarele backlight perturbă măsurarea expunerii automate.
Dacă fotografiați în format RAW, unele setări pot fi schimbate ulterior fără probleme (de exemplu, balansul de alb) și expunerea poate fi optimizată cel puțin cu câteva trepte de diafragmă.
Figura 6.12: ich & ich cu solistul Adel Tawil la microfon la 1 septembrie 2010. La majoritatea concertelor sunt de așteptat contrastrate de luminozitate dificil de gestionat. Este util să fotografiezi în format RAW pentru a putea scoate ulterior pe computer detalii atât din zonele strălucitoare suprasaturate, cât și din zonele întunecate subexpuse. Nikon D3S cu 2,8/24-70-mm-Nikkor la o distanță focală de 24 mm. 1/1000 secundă, diafragmă 3,2, ISO 3200.
(Fotografie © 2010: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.7 Verificare foto regulată – cu afișare automată (și ocupând întregul ecran) a imaginii
Marele avantaj al fotografiei digitale este posibilitatea de a controla imediat imaginea (pe ecranul camerei). Astfel, erorile pot fi identificate imediat (și, desigur, corectate apoi). Dar acest avantaj devine eficient doar atunci când fotografiile fac și verificarea imaginii. Mai ales când fotografiati cu grabă în timpul concertelor, unii uită această necesitate. Sau sunt prea agitați și cred în acel moment că ar putea renunța. Dar acesta este un argument fals. Am văzut adesea fotografi care, plini de nerăbdare, și-au studiat fotografiile imediat după ce au ieșit din groapă și au descoperit că, din cauza unei setări greșite neintenționată, nu au putut lua acasă nicio fotografie folositoare...
Deci, obișnuiți-vă să verificați imaginea în mod regulat, cel mai bine la fiecare 10-12 fotografii. O privire scurtă și rapidă pe monitorul camerei este suficientă. Pentru a economisi timp, ar trebui să activați afișarea automată a imaginii camerei. Astfel, după fiecare fotografie realizată, aceasta este afișată pe ecran pentru câteva secunde. Un scurt apăsare pe declanșatorul camerei face, de asemenea, fotografia să dispară imediat.
Este, de asemenea, util să verificați și claritatea la intervale mai mari de timp. O privire rapidă și scurtă nu este suficientă; în acest caz, trebuie să faci zoom pe imagine. Această verificare nu este atât de necesară frecvent; o dată pe melodie ar trebui să fie suficient. (Cu excepția cazului în care întâmpinați des probleme cu claritatea fotografiile; acest lucru ar trebui verificat mai întâi).
Imaginea 6.13: Atunci când fotograful fotografiază cu entuziasm și sub presiunea timpului la concert (așa cum este cazul lui Tim Bendzko pe 24 august 2012), se poate întâmpla să uite să verifice în mod regulat ecranul camerei pentru a evalua fotografiile făcute în ceea ce privește focalizarea corectă, setarea corectă a expunerii, compoziția imaginii etc. Și astfel se întâmplă din nou și din nou ca fotografiile să fie făcute cu o setare greșită (sau inadecvată) pe toată durata celor trei cântece și abia după părăsirea zonei rezervate presei, când este prea târziu să corectezi, să-și dea seama de greșeala lor. Nikon D4 cu 2,8/14-24-mm-Nikkor la o distanță focală de 24mm. 1/80 secundă, diafragmă 3,5, ISO 3.200.
(Fotografie © 2012: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
6.8 Fotografierea și în alb-negru
Fotografia de concert trăiește, în principal, din multitudinea de culori (a luminilor). Cu toate acestea, fotografiile alb-negru pot fi foarte atrăgătoare. Recomand să setați modul camerei pe alb-negru încă de la fotografiere. Astfel, în timp ce verificați monitorul, puteți evalua mai bine efectul. Dacă fotografiați în format RAW, informațiile color nu se pierd; puteți dezvolta fotografii și în culoare.
Fotografia alb-negru nu este doar eliminarea culorii. Mai degrabă, este vorba despre a vedea motivele în alb-negru; fotografii care stăpânesc acest lucru pot distinge motive potrivite pentru alb-negru și altele care nu se îmbunătățesc prin aceasta, unde lipsește doar culoarea.
Imaginea 6.14: Puterea de expresie specială a fotografiilor alb-negru (sau, încadrate în aceeași categorie, fotografiile sepia) fac ca fotografia alb-negru să fie atemporală; ea este încă „în tendințe”. Chiar și această imagine a chitaristului de la BAP (concert din 24 august 2011 în cadrul Zeltfestival Ruhr din Bochum/Witten) nu pierde nimic prin reducere; dimpotrivă, capătă farmec și efect (nostalgic). Nikon D3S cu 1,4/85-mm-Nikkor. 1/160 secundă, diafragmă 2,5, ISO 1.250.
(Fotografie © 2011: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
Notă
• Unele motive „cer” practic să fie fotografiate în alb-negru.
• Altele, în schimb, arată la fel de bine atât în alb-negru, cât și color.
• Există însă și motive care ar trebui evitate să fie fotografiate în alb-negru, deoarece ar pierde din valoare în acest fel.
E responsabilitatea fotografului să descopere în ce categorie se încadrează fiecare motiv pe care urmează să-l fotografieze. Dacă ați optat pentru realizarea de fotografii alb-negru, concentrați-vă deja pe ele în timpul fotografiilor și setați afișajul imaginii în consecință. Acest lucru va antrena ochiul și va ajuta la evaluarea faptului dacă fotografiile de concert arată cu adevărat bine în alb-negru sau nu.
Imaginea 6.15: Una dintre puținele fotografii care arată la fel de bine atât în alb-negru, cât și în color. În cele din urmă, scopul (utilizare redacțională într-un ziar sau într-un magazin de muzică, publicare pe un fanpage etc.) și gusturile voastre vor decide pentru care variantă optați. Nikon D800 cu 2,8/70-200-mm-Nikkor la o distanță focală de 125mm. 1/640 secundă, diafragmă 5,0, ISO 800.
(Fotografie © 2013: Jens Brüggemann – www.jensbrueggemann.de)
