Konserterfotograferingens särdrag är:
• Rättsliga restriktioner: Andra (konsertarrangörer, musiker och deras manager) bestämmer vad, när och hur som får fotograferas och hur stor omfattningen av användningen (publicering av foton) är.
• Två mycket vackra hobbyer (musik och fotografi) förenas till konserterfotografi, vilket har ökat populariteten enormt.
• Nästan inga aktivt gestaltande möjligheter för konserterfotografer.
• Till största delen förutsatta perspektiv, beroende på konserthusets/scenens konstruktion samt ackrediteringsstatus.
• Oöverkomliga, snabbt föränderliga ljussituationer svårighetsgrad att kontrollera exponeringen för fotografer.
• Eget ljus (till exempel blixtsystem) får inte användas.
• Ofta extremt korta tidsfönster för fotografering (vanligtvis bara tre låtar; ibland ännu kortare), vilket leder till att fotografer arbetar under enorm stress; samtidigt, precis som jägare eller paparazzi, skjuter adrenalinnivåerna i höjden.
Figur 3.1: Med mod av desperation: Konserterfotografer har inte många möjligheter att utforma bilden, har ingen inverkan på (ofta svår) belysning och vanligtvis bara tre låtar för att få de nödvändiga bilderna i lådan. Allt detta innebär stress, och då fotograferar man ibland "modigt" mot starkt ljus ... Jan Delay på konserten vid Zeltfestival Ruhr den 20 augusti 2010. Nikon D3S med 2,8/24-70 mm Nikkor, med en använd brännvidd på 24 mm. 1/2000 sekund, bländare 3,5, ISO 1600.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Nästan inga aktivt gestaltande möjligheter föreligger
Särskilt för mig som reklamfotograf, van vid att allt görs för att planera fotoresultatet noggrant och oberoende av slumpen, och att påverka fotograferingen i enlighet med bildideén (enligt egna eller uppdragsgivarens krav) är konserterfotografin med sina många osäkerhetsmoment inte bara en stor utmaning, utan framför allt också en omställning från det dagliga (kontrollerade) arbetet som reklamfotograf.
Som konserterfotograf kan jag INTE:
• ... ropa till artisten på scenen (ge regiinstruktioner) hur han/hon bäst kan ställa sig för mig; jag kan inte ge tips om vilken posering eller vilken vinkel som är fördelaktig mot ljuset.
• ... skapa belysningen eller scenuppbyggnaden enligt mina önskemål.
• ... be musikerna upprepa några poser eller rörelser, till exempel för att få olika variationer.
• ... påverka färgsättningen av kläderna i harmoni med scenuppbyggnaden och belysningen.
• ... förvisa störande element (som mikrofonstativ eller vattenflaskor eller högtalare vid artisternas fötter) från scenen.
• ... ändra min fotoposition på valfritt sätt.
• osv.
Figur 3.2: Naturligtvis hade jag helst ropat till killarna från Culcha Candela (konsert den 20 augusti 2011): "OK, och nu ta om ställning mot mig och vinka!" ... Men kunskapen om säkerhetspersonalens reaktion på sådana störningsförsök fick mig att hålla tyst och jag fotograferade helt enkelt från sidan, vilket kanske inte var optimalt, men i det ögonblicket inte var möjligt på annat sätt. Nikon D3S med 4/24-120 mm Nikkor, med en använd brännvidd på 78 mm. 1/160 sekund, bländare 4,0, ISO 3200.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Övervägande förbestämda perspektiv
Vi konsertfotografer har inte möjlighet att fritt röra oss framför eller bredvid scenen – förutom i några få undantagsfall. Istället tilldelas vi vissa områden (till exempel scenkanten) vid ackrediteringen. Det är bra om vi kan röra oss fritt inom dessa områden; dock är det ofta kraftigt begränsat, vilket tvingar oss att arbeta under suboptimala förhållanden och ofta trångt.
Eftersom de flesta bilderna därför nödvändigtvis tas från scenkanten och denna vanligtvis befinner sig precis framför scenen på en försänkt position, ser de "typiska" konsertfotona ut som om fotografen låg på marken framför artisterna.
Men kanske är denna effekt avsiktlig, för artisterna – även de minsta bland dem – ser så mycket större och "hjältemodigare" ut när de fotograferas underifrån, jämfört med verkligheten.
För att inte försämra fotokvaliteten är det viktigt att se till att den distorsion som uppstår på grund av den låga kamerapositionen (vilket syns tydligare vid användning av vidvinkelobjektiv) inte blir alltför uppenbar. Professionella fotografer känner omedelbart igen det "sträckta" utseendet hos artisterna, som plötsligt verkar ha jättelånga ben. Men det viktiga är att de "vanliga" betraktarna inte märker denna effekt – eller åtminstone att den inte upplevs som onaturlig eller störande.
Figur 3.4: Culcha Candela den 20 augusti 2011: Även här stod vi fotografer direkt vid scenen, i scenkanten, vilket ledde till en extrem underifrånperspektiv i alla bilder (med effekten av att betona artisternas nedre extremiteter, till glädje för sponsors av skor). Nikon D3S med 4/24-120mm-Nikkor, vid användning av brännvidd 24mm. 1/500 sekund, bländare 4,0, ISO 3200.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Den låga kamerapositionen från scenkanten har dock också andra nackdelar: Alltför ofta blockerar högtalare och andra scenutrustningar vår syn på artisten eller artisterna. Så i de flesta fall kommer vi inte att få med fötterna och benen helt på bild.
Figur 3.5: På denna bild syns tydligt hur extrem en sådan distorsion kan vara, framkallad av den låga kamerapositionen och användningen av vidvinkelobjektivet. Artistens vänstra fot visas överdimensionellt stor eftersom den är nära kameran. Kroppen och huvudet, som däremot lutar bakåt, ser onaturligt små ut på bilden. Dick Brave konsert den 26 augusti 2012 i Bochum/Witten. Nikon D4 med 2,8/14-24mm-Nikkor, vid användning av brännvidd 14mm. 1/200 sekund, bländare 2,8, ISO 3200.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Eftersom kablar, högtalare och andra delar av scenutrustningen regelbundet finns vid scenkanten, precis framför oss, dyker dessa även upp om och om igen på konsertbilder (i förgrunden och med användningen av vidvinkelobjektiv tyvärr överdimensionellt stora). Om vi vill undvika att fotografera dessa störande element, även med dålig sikt på artisterna, återstår bara användningen av längre brännviddsobjektiv för oss konsertfotografer. Då är bara porträtt i strikt mening möjliga, åtminstone för artister som befinner sig nära oss på scenen.
Figur 3.6: Om man fotograferar porträtt från nära håll och från (lägre placerad) scenkanten, måste man acceptera att artistens näsborrar framträder tydligt (men oavsiktligt!) på grund av perspektivet. För att undvika detta är det klokt att inte fotografera artisten som står direkt framför (eller ovanför) en vid scenkanten, utan istället använda telemakro- eller porträttteleobjektiv för att fotografera artister som står längre bort (då är vinkeln inte lika brant). Denna metod kan verka lite konstig för åskådare (när fotografer korsvis tar bilder av de fysiskt längre bort stående artisterna) – men den är helt logisk ur ett fotografiskt perspektiv! Nikon D3S med 2,8/24-70mm-Nikkor, vid användning av brännvidd 56mm. 1/1250 sekund, bländare 3,5, ISO 5000.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figur 3.7: En "typisk" konsertbild: Jag har gett gitarristen från H-Blockx "långa ben" på denna bild (tagen den 31 augusti 2010 vid ZFR i Bochum), vilket oundvikligen uppstår på grund av den lilla avståndet, användningen av vidvinkelobjektiv och kamerans lutning uppåt (från min lägre kameraposition). I förgrunden syns scenutrustningen, som i detta fall inte var tillräckligt stor för att blockera min syn. Nikon D3S med 2,8/24-70mm-Nikkor, vid användning av brännvidd 24mm. 1/500 sekund, bländare 2,8, ISO 5000.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
För fotografer är det ännu värre om man tilldelas en position av säkerhetspersonalen som man absolut inte får lämna. Då är vi tvungna att ta alla bilder från den platsen – oavsett om den är lämplig eller inte. En fasansfull tanke för varje kreativ fotograf; men det enda kvar är att göra det bästa av den (uppenbarligen dåliga) situationen.
Trots det är ramarna inte alltid optimala inom andra områden av fotografin heller. Man måste bara försöka ta speciella bilder med de möjligheter man har. Som yrkesfotograf har jag snabbt lärt mig att vara flexibel. I sådana situationer får man bara inte ge upp, utan måste försöka använda sin skicklighet trots alla motgångar.
Figur 3.8: Även porträtt av artisterna, tagna under en livekonsert, har oftast den typiska underifrånperspektiven (med den oönskade insikten i avbildades näsborrar; här hade jag dock tur att konstnären höll huvudet koncentrerat ner mot sitt gitarrspel).
Jag fångade gitarristen från BAP på konserten den 24 augusti 2011. För att skilja huvudet på avbildade från den (ofta röriga) bakgrunden, tycker jag om att fotografera med nästan full bländare. Mitt favoritobjektiv för detta ändamål (med en ideal brännvidd för porträtt när man står direkt vid scenen i diket) är Nikons 1,4/85mm-Nikkor. Vanligtvis stänger jag objektivet något (med ca 1 bländarsteg; här var det 1+1/3 bländarsteg) för att uppnå bättre skärpa (jämfört med helt öppen bländare). Nikon D3S med 1,4/85mm-Nikkor. 1/250 sekund, bländare 2,2, ISO 1250.
(Foto © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Oberoende, skiftande ljussituation
En annan ramfaktor som alltid gör fotografering på konserter spännande (och också lite slumpmässig) är den skiftande ljussituationen. Beroende på musikstil och koreografi kan man förvänta sig snabbt växlande belysning.
Det är inte ovanligt att ljuset ändras under den korta tid då fotografen har bestämt sig för att trycka på avtryckaren med fingret och den faktiskt inträffande exponeringen. Sådana bråkdelssekunder kan göra så att en bild blir helt annorlunda än avsett, eftersom ljuset redan har ändrat sig.
Figur 3.9: Wir sind Helden den 25 augusti 2011. Dessa två bilder skapades inom en sekund - och ändå blev de helt olika i belysningen. Därför måste konsertfotografer reagera snabbt, och ibland spelar även en betydande del tur in, för endast sällan kan ljusväxlingar (tidpunkt och typ av belysning) förutses. Nikon D3S med 1,4/85mm-Nikkor. 1/320 sekund, bländare 4, ISO 2000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Det nyss genomförda illustrerar tydligt varför konsertfotografer föredrar kameror med så kort utlösningsfördröjning som möjligt. (Utlösningsfördröjningen för den Nikon D4 jag använde är till exempel 42 millisekunder, alltså 0,042 sekunder).
Det måste klargöras att den effektfulla belysning som gör konsertbilderna så spännande huvudsakligen består av motljus! I kombination med dimma ger detta effektfullt ljus från scenens bakgrund de sevärda extraordinära ljuseffekterna.
Dimman är nödvändig eftersom ljuset annars inte skulle vara synligt. Om det inte fanns några dimma- eller dammpartiklar i luften skulle man bara se lamporna - men inte de så fotoegen tunnelbaneljusstrålar.
Figur 3.10: RUNRIG på deras konsert den 29 augusti 2012 i Bochum. På grund av damm- och dimmapartiklar i luften är de effektfulla ljusstrålarna från strålkastarna tydligt synliga. Om man däremot bara såg strålkastarna (alltså ursprunget till ljusstrålarna) skulle belysningen vara relativt ointressant. Därför är dimmaskinen en oumbärlig del av ljusshowen! Bara en tiondels sekund tidigare var gitarristen Donnie Munro tillräckligt belyst framifrån av en strålkastare; i samma ögonblick som jag tryckte på utlösaren för min D4 hade den emellertid redan slocknat - och precis som på en silhuett var endast sångarens silhuett synlig. Jag gillade ändå den färgglada, effektfulla belysningen på denna bild, så jag sorterade inte bort den. Nikon D4 med 2,8/14-24mm-Nikkor, vid använd brännvidd 19mm. 1/80 sekund, bländare 2,8, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Notis
Även om motljus alltid innebär risken att ljusstrålar rakt in i objektivet (användning av en motljusskydd är starkt rekommenderad), är problemen med exponeringen främst ett resultat av den hastighet med vilken ljusshowen byter. Också svåra ljussituationer kan lösas fotografiskt, så att bra foton uppstår. Det är emellertid knappt möjligt om ljussituationen snabbt och ständigt förändras. Då finns det ingen tid att tänka efter; fotografen måste snarare agera intuitivt, så att lyckade foton också alltid är lite beroende av slumpen (tur)!
Figur 3.11: Härifrån fotades "panikrockaren" Udo Lindenberg under konserten i Berlin den 15 oktober 2008 - med en "helgonkrans". Förutom snabb reaktionsförmåga att trycka på utlösaren i rätt ögonblick, krävs också en stor dos tur, då det bland konsertfotografer är allmänt känt att ljussituationer oftast ändras snabbare än man kan tänka sig. I detta fall gynnades fotografen av den låga vinkeln, eftersom effekten av "helgonkransen" inte skulle ha kommit till sin rätt lika bra från ett större avstånd eller en högre vinkel.
(Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer - www.svendarmer.de)
Det vore naturligtvis önskvärt om belysningen för musikerna och scenen var avstämd med fotografen - men det är önskedrömmar som tyvärr är orealistiska (utom möjligen för reklamfoton som bandet beställer). Konsertfotografer är således passiva och dömda att acceptera ljusshowen såsom andra (ljustekniker och koreografer) har tänkt sig. Den som har svårt att hantera snabbt växlande belysning rekommenderas att börja öva på konserter där det är mindre "oro" ur ljussynpunkt. Vid klassiska konserter, chansons och schlagermusik etc., förväntas lika få och långsamma ljusväxlingar som vid konserter på små musikkrogar där det saknas ekonomiska resurser för avancerad ljusutrustning.
Figur 3.12: Wir sind Helden den 25 augusti 2011 på Zeltfestival Ruhr i Bochum/Witten vid Kemnader Stausee. Vid denna konsert svor alla fotografer högt, för med de konstiga "kökslamporna" som kastade skarpt vitt ljus ovanifrån på aktörerna runt sångaren och frontkvinnan Judith Holofernes, var det svårt att få tilltalande porträtt av de enskilda bandmedlemmarna. Kontrasterna blev för starka: ett (även för musikerna!) mycket olämpligt ljus! Jag använde fisheye för att - direkt vid scenen i diket - ta en översiktsbild av hela scenen. På denna bild är det tydligt synligt alla de saker som ofta - så även här - finns på scenen: vattenflaskor för bandet, förlängningskablar, "spelregler" med låtprogrammet, grenuttag, högtalare och annan scenutrustning. Nikon D3S med 2,8/10,5mm-Nikkor. 1/200 sekund, bländare 4, ISO 2000.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Färgsticken i bilder på grund av scenljuset
Färgsticken i färgen på den eller de dominerande strålkastarna är faktiskt en önskad effekt på konsertfoton. Tänk er att endast vitt ljus används på en konsert: Resultatet av fotona skulle vara tråkiga. Färgat ljus spelar alltså en inte obetydlig roll för stämningen på fester och konserter, och även rent fotografiskt sett är färgat ljus mycket mer intressant i detta sammanhang.
Figur 3.13: Celine Dion på konserten i Berlin den 12 juni 2008. Med naturligt vitt ljus ser konsertfoton mycket mindre spektakulära ut - även om en världsstjärna står på scenen. (Foto © 2008: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Ibland kan dock den resulterande färgsticken - särskilt på musikerns ansikte - vara för stark och se oskön eller störande ut för betraktaren av bilden. Kom ihåg: Ett färgstick kan (får!) inte bara "blixtas bort".
Det är intressant hur olika färgerna påverkar:
• grön färgstick: ser oftast ogynnsam ut, för musikern verkar "sjuklig" (Gult har en liknande effekt).
• blå färgstick: Blått ger en kylig känsla; ibland kan huden se lite blek ut när den belyses på detta sätt.
• röd färgstick: ger en dynamisk till aggressiv känsla; passar bra till hårdrock och heavy metal; vid kraftig röd färgstick är det svårt att genom färgmättnad försvaga effekten, eftersom huden då bleknar.
Figur 3.14: Sunrise Avenue den 27 augusti 2012. På den här bilden har jag genom efterföljande bildredigering i Photoshop filterat bort lite av den gröna färgsticken så att den inte längre är alltför störande. Annars är grönt ljus liknande som gult - inte lämpligt för direkt belysning av individuella musiker. Huden kan snabbt se sjuklig ut. Nikon D4 med 1,4/85-mm-Nikkor. 1/800 sekund, bländare 2,5, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figur 3.15: Sunrise Avenue den 27 augusti 2012. Även här har jag i Photoshop med hjälp av färgmättnad filterat bort blåfärgstick lite så att artistens hudtoner inte ser lika onaturliga och bleka ut. Nikon D4 med 1,4/85-mm-Nikkor. 1/1000 sekund, bländare 2,2, ISO 3200.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Figur 3.16: Tim Bendzko den 24 augusti 2012 i Bochum. Jag kunde bara mildra den röda färgsticken lite; jag kunde inte ta bort den helt, för om man minskar färgmättnaden av rött, blir huden snabbt blek, eftersom hudtonerna till stor del består av rött. Nikon D4 med 1,4/85-mm-Nikkor. 1/200 sekund, bländare 2,2, ISO 2.000.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Sammanfattning av ämnet
Färgstick på konsertfoton är önskvärt; de gör fotona spektakulära. Men vid porträttfotografering kan färgstick också vara störande, särskilt om artistens ansikte förvrängs. Ett sätt att mildra denna effekt är att i bildredigeringen minska färgmättnaden för den aktuella färgen. Detta måste göras försiktigt, eftersom en för kraftig minskning snabbt får ansiktet att se blekt och onaturligt ut.
Figur 3.17: Ett annat sätt att eliminera en oönskad färgstick i artistens ansikte är att konvertera hela bilden till svartvitt (eller sepia). Denna metod kan verka lite "brutal" vid första anblicken, men svartvita foton är fortfarande "inne".
Man måste bara se hur det aktuella fotot fungerar i svartvitt, eftersom inte alla ser lika bra ut (eller till och med bättre) när färgerna tas bort. Fota Milow vid konserten den 1 september 2011. Nikon D3S med 1,4/85-mm-Nikkor. 1/160 sekund, bländare 2,2, ISO 1250.
(Foto © 2011: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Inget blixtljus
En annan särskildhet inom konsertfotografi är förbudet mot användning av eget ljus. Därmed avses framför allt fotografens egna systemblixt ("påskjutningsblixt"). Det finns flera skäl till detta:
• Användning av fotografens eget ljus (som exempelvis systemblixt) skulle förändra ljusstämningen (som ändå godkänts av musikerna) på fotona: Då skulle ljusshowen inte komma till sin rätt på bilderna. Naturligtvis kan man också diskret, nästan enbart för att ljusa upp artisten i förgrunden, använda systemblixten. Men musikerna och deras management kan inte förvänta sig att alla fotografer skulle vara lika skickliga med sitt ljus.
• Om man står på scenen och kanske är lite nervös inför framträdandet, kan blixtljusen som skulle uppstå om fotograferna tilläts använda sina egna systemblixtar vara väldigt störande och distraktion för musikerna.
• Om musikerna skulle bli direkt blixtade i ögonen med en kraftig blixt, kan de bli bländade och inte längre korrekt kunna urskilja viktiga detaljer, som exempelvis programabläggningar klistrade på scenen – vilket kan leda till förvirring eller till och med störning (avbrott) av konserten.
• Även säkerhetspersonalen kan känna sig störda, eftersom deras uppgifter inkluderar att så snabbt som möjligt upptäcka störningar i publiken, dra bort medvetslösa personer från trängseln och förhindra panik. Det blir svårare om det hela tiden blitzar från pressgraven.
• Slutligen kan även publiken känna sig störd. Trots allt skulle det ständiga blixtrandet från pressgraven onödigt distrahera från den egentliga showen (ur publikens synvinkel, som sker på scenen bakom).
Figur 3.18: En diskret användning av en blixt skulle också i detta fall ha garanterat att den blå tonen i ansiktet på Bushido (här på hans Berlin-konsert den 28 september 2006) hade mildrats och att ansiktet hade framträtt bättre. Genom att skickligt använda systemblixten med minskad effekt förstörs inte ljusstämningen på konsertfoton och störningen av artisterna (genom bländning) är då minimal och försumbar. Branschen vill dock inte förlita sig på att endast erfarna fotografer tar konsertfoton; det finns alltid tillräckligt med människor som får ackrediteringar men som inte kan använda sitt fotoutrustning skickligt och verkligen skulle störa musikerna med en blixtstorm.
(Foto © 2006: DAVIDS/Sven Darmer – www.svendarmer.de)
Slutsats
Även om andra lösningar (till exempel endast diskret ”uppljusningsblixt”) teoretiskt skulle vara möjliga, förväntas det inte i praktiken att konsertfotografer kommer att få tillåtelse att ta med och använda sina egna ljuskällor (främst systemblixtar) till evenemanget i framtiden. Så vi har inget annat val än att göra det bästa av den aktuella (ljus-) situationen. Som redan betonats tidigare: Fotografer måste vara flexibla om de vill lyckas på marknaden.
Figur 3.19: Runrig den 29 augusti 2012. Om jag hade fått skulle jag ha ljust upp ansiktet på gitarristen här. Eftersom det inte var möjligt, fokuserade jag bara på gitarren och ökade till och med kontrasterna i efterbehandlingen i Photoshop. Nikon D4 med 1,8/85mm Nikkor. 1/500 sekund, bländare 2,2, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Tre låtar?
Som reklamfotograf avvisar jag uppdrag som av kunden planerats för kortare tid än fyra timmar. För det första, eftersom jag inte kan vara tillräckligt kreativ under stress. Och för det andra, eftersom bara fotografering av variationer garanterar att exceptionella foton kommer fram. Men för detta behöver jag tillräckligt med tid!
Säkert finns det ytterligare skäl som talar för att fyra timmars fotograferingsperiod bör planeras som minimum (till exempel omöjligheten att planera allt perfekt in i detalj). Men de båda tidigare nämnda skälen är tillräckliga för att förklara att exceptionella foton inte uppstår genom "magi", utan genom hårt arbete.
Därför var jag ganska chockad under mina första uppdrag som konsertfotograf att vi fotografer skulle arbeta under sådana ogynnsamma förhållanden. Slutligen, tänkte jag naivt, borde väl även artisterna (och deras management och även konsertarrangörer) ha ett intresse av att de mest förstklassiga fotona tas på konserterna. Endast förstklassiga foton - så tänkte jag då - är också en reklam för det specifika evenemanget.
Nu vet jag att vi "visuellt styrda" fotografer sätter andra fokus och värderar saker annorlunda än musiksidan (och alla som samarbetar med dem): Från deras perspektiv kan akustiken vara mycket viktigare än konstnärligt och fotomässigt krävande foton. Det är uppenbart att vi fotografer ser det annorlunda.
Det finns också det faktum att någonstans började några superstars (och även stjärnorna på pophimmelen, till exempel inkluderades Britney Spears) antagligen av egen egenkärlek börja ge fotografer allt fler restriktioner. Till exempel, att foton endast fick tas från en specifik plats inom diket för att visa artisten från sin bästa sida.
Och efter ett tag ingick även begränsningen av fotograferingstillståndet till de första tre låtarna per framträdande. Detta kan antagligen förklaras som ett försök att presentera artisterna fräscha och utan svett på pannan (och framför allt utan svettfläckar på tröjan under armhålorna) (Slutligen är (ofta) bilden av artisten viktigare än musiken själv för vissa musiker).
En annan anledning till att begränsa fotograferingens längd till endast (ofta de första) tre låtarna kan vara att försöka förhindra att fotografer ackrediterar sig för att gratis närvara på konserten. (Om alltså privata intressen är anledningen att ackreditera sig som fotograf).
Figur 3.20: När man bara har tid för att fotografera tre låtar under en konsert, lär man sig att arbeta snabbt och effektivt. Ändå händer det igen och igen att de bästa scenerna inte alls fotograferades, eftersom även artisterna behöver lite tid att värma upp. Med Dick Brave (alias Sasha), här den 26 augusti 2012 med sitt band The Backbeats vid Zeltfestival Ruhr, börjar showen dock direkt med den första låten. Det innebär för fotograferna: Rockabilly-macho-poserna garanterade direkt från början! Nikon D4 med 1,8/85mm Nikkor. 1/320 sekund, bländare 2,5, ISO 2500.
(Foto © 2012: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
Avslutande slutsats
När man under en konsert endast har tre låtar på sig att fotografera är detta en stark begränsning av de fotografiska möjligheterna - men naturligtvis också en stor utmaning! Slutligen har konsertfotografin främst på grund av denna begränsning blivit vad den är idag: Fotograferna är redan nervösa inför evenemanget. Kamerainställningarna kontrolleras nervöst för tionde gången i förväg. Minneskortet formateras för fjärde gången och backup-minneskorten i fotoryggsäcken kontrolleras för femte gången - även om den korta fotograferingstiden aldrig ger en fotograf möjlighet att behöva byta (fullt belagt) minneskort. (Tiden är för kort för att kunna fylla ett 8- eller 16-gigabyte minneskort (meningsfullt) med bilder).
Denna lamp- eller jaktfeber är en del av konsertfotografin. Fotograferna vet om den knappa tid de har och oroa sig för om de kommer att lyckas ta tillräckliga bra bilder hem. I ingen annan fotografirelaterad miljö har jag sett fotografer så spänt kontrollera bilderna (fortfarande i kameran, på displayen) efter händelsen; ingenstans uttrycks glädje över lyckade resultat så högljutt som i konsertfotografin och ingenstans höjs näven segerrikt när fotografen är nöjd med sig själv och bilderna.
Figur 3.21: jag & jag den 1 september 2010. Frontman Adel Tawil (numera är han främst solo) erbjuder redan en fantastisk enmansshow under de tre första låtarna (det andra "jag", Annette Humpe, medverkar inte i konserterna). Ändå hade fotograferna gärna stannat längre - men det klagas knappt på när säkerhetsvakterna eskorterar bort fotograferna från fotograven efter bara tre låtar. Nikon D3S med 2,8/24-70-mm-Nikkor, vid använd brännvidd 24mm. 1/1250 sekund, bländare 3,2, ISO 3200.
(Bild © 2010: Jens Brüggemann, www.jensbrueggemann.de)
